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Descripcion:
El Cisne Negro es una pelicula que puede resultar incomoda al espectador cinefago por el uso de ciertos referentes (Dario Argento o las pesadillas de Polansky) que se presentan quizas despotenciados para construir una pelicula que busca obstinadamente ser “importante”.

Esto puede ser verdad, sin embargo, es necesario valorar tambien que no es nada habitual que una pelicula tan moralmente ambigua, tan sadica y tan fiel en el retrato del dolor fisico y psicologico tenga el exito que esta teniendo El Cisne Negro.

Quizas se deba a la espectacular interpretacion de Natalie Portman, componiendo un personaje con muchos mas matices que la mera “dupla” a la que parece llevarle el argumento. Quizas sea la pericia narrativa del propio Aronosky (que llega a superponer el trucaje a la interpretacion en el momento mas importante de la pelicula) O quizas sea porque conecta con determinada forma de psique femenina actual, neurotizada por la exigencia constante de una perfeccion imposible.

Los hermanos Coen, anteriormente maestros del cine posmoderno por la via dela distancia ironica (que siguen transitando de tanto en tanto con historias tan maravillosas y esquivas "Quemar despues de leer") han ido construyendo cierta forma de clasicismo a partir de peliculas con hilos comunes como “Muerte Entre Las Flores”, “No es Pais para Viejos” o este western, adaptacion de la novela de Charles Portis.

Valor de Ley tiene en la interpretacion de Jeff Bridges y en la fotografia de Roger Deakins sus dos mejores bazas, pero esta historia de amor entre un viejo y una nina, a veces paternofilial, a veces de un erotismo frio encuentra, tras un ultimo acto quizas algo abrupto, un epilogo que alcanza una hondura imprevista y que convierte la pelicula en una reivindicacion del “salvaje oeste” como mito, mas alla de la domesticacion que produce, a veces, la distancia ironica. Una forma de contar que los mitos que no mueren terminan convertidos en caricaturas. Y que merecen un respeto.

La segunda pelicula del tandem "Cobeaga- San Jose" no es solo una de las comedias mas descojonantes con las que servidor se ha topado en un buen tiempo (Y hablo de descojono del bueno, de lagrimones, de flato) sino tambien un relato con un fondo triste y bajonero. De esos dos ingredientes: la bajona y el descojono es de donde sale la potencia de este comedia que roza la tragedia en varios y senalados momentos.

En una de las secuencias mas emocionantes de la pelicula, la espectacular Alexandra Jimenez interpreta al piano diversos temas clasicos de anuncios, sintonias de programas televisivos y canciones de los anos ochenta. Sin embargo, a la cancion principal, la que marca la relacion que tienen los protagonistas, le falla una nota que ella no puede tocar bien. Ese error, esa disonancia, no define su historia de amor como problematica, sino al contrario, como autentica.

1.- El hielo: La pelicula presenta un paraje desolado en el que los personajes viven un encierro temporal en el que solo tienen rituales sociales (que sistematicamente salen mal) para sobrevivir. Es en torno al hielo como se construye una de las secuencias mas divertidas y de mayor potencia simbolica de la pelicula.

2.- El amor es el pasado: La pareja protagonista esta enamorada de su pasado comun. No hay forma de proyectar un futuro para ellos (lo cual permite contar una relaciones romanticas desde lo huidizo, lo no dicho, siempre fuera de campo y con los personajes separados) Que solo tienen algo real cuando se proyectan hacia atras. A su memoria, que se condensa como memoria colectiva en esos fogonazos de cultura popular que salpican la pelicula.

3.- Juancarlitros: No solo es el personaje mas comico (y quizas el mejor construido) de la pelicula, sino que condensa y corporiza el discurso sobre la nostalgia con toda su violencia. Atrapado en un "buenos viejos tiempos" que se extiende hasta el presente, Juancarlitros es una anomalia en un paisaje de nostalgia para turistas. La violencia a traves de la que se desata la carcajada se construye poniendo cerca todo aquello que te hace cierta gracia de lejos: La caja de herramientas de la cultura popular. Un personaje interpretado por Julian Lopez a la perfeccion.

Una pelicula emocionante y divertidisima que, tiene en su final un doble salto mortal en materia emocional que, me temo, no esta siendo suficientemente bien valorado. Algo que esta en consonancia con uno de los panoramas criticos (tanto en la blogosfera como fuera de ella) mas desoladores que recuerdo en bastante tiempo.

Para el critico analogico, todas las senas de identidad de la pelicula son problematicos por ser coherentes con su discurso. Para el critico digital una pelicula que consigue hacer reir y emocionar al mismo tiempo es una pelicula problematica, una pelicula cuyas claves estan en el subtexto es problematica. Una pelicula que no se regodea en sus temas es un problema.

La primera pelicula de Banksy, uno de los mas representantes mas importantes del llamado "Arte Urbano" es, ademas de un excelente documental, uno de los documentos mas interesantes e iconoclastas para abrir el melon de la decada que se inicia.

A traves de la experiencia del improbable protagonista Thierry Guetta (un americano de origen frances obsesionado con grabar todo lo que tiene a su alrededor) Banksy compone una pieza desmitificadora de practicamente todo: Del arte, del arte urbano como marca, de la marca Banksy, de la capacidad critica del publico, de la especulacion cultural y del relato filmico mismo como verdad absoluta.

Lo que Banksy construye a traves de Guetta y su identidad egomaniaca "Mr Brainwash" es un dispositivo para poner en duda la fiabilidad de cualquier relato, la opinion de cualquier experto y, en general, todos los mecanismos a partir de los cuales nos formamos una opinion. El documental no deja nada, literalmente, en pie (La imagen final dificilmente podria ser mas directa)

Y debajo de ese material de derribo nos enfrentamos a la posibilidad (y a las responsabilidad) de construir un criterio propio como espectadores (de cine, de arte urbano... o de lo que sea) Y al placer de conseguirlo.

El relato termina por ser tambien una cierta reivindicacion "gremial", no tanto de los profesionales del Street Art, como de la pasion y la expresion de la subjetividad como motores de la creatividad, la critica y la belleza frente a los lugares comunes. Recordandonos que tener al alcance los medios para que cualquiera pueda decir cualquier cosa, no quiere decir que lo que vaya a decirse sea interesante y singular o una mera repeticion de cliches sin interes alguno.

Todo ello servido con un sentido del humor a prueba de bombas y con la sensacion constante de que podriamos estar ante la enesima broma, el enesimo tachon en el paisaje cultural (Ya no urbano) del consenso. E incluso ante un arrebato de sinceridad a bocajarro disfrazada de broma ficcionada.

Me ha costado casi una semana ponerme a escribir este texto. Me temo que es porque tengo la sensacion de que me voy a dejar cosas por el camino o peor, que voy a intentar meter demasiadas cosas en un espacio limitado y no se va a entender nada... O que me voy a extender sin remedio. El motivo es que el visionado de “La Red Social”, ultima pelicula de David Fincher escrita por Aaron Sorkin, me ha impactado mucho en niveles muy diferentes.

Partiendo de las peliculas con las que “La Red Social” tiene un parentesco mas claro, es decir, aquellas que hablan de las gestas empresariales de un hombre y como estas modifican su alma hasta extirparsela por completo(Con Ciudadano Kane a la cabeza) la pelicula realiza un exodo consciente a partir de una diferencia fundamental: El protagonista de la pelicula es practicamente el mismo tipo cuando comienza que cuando termina.

Lo que media entre el minuto uno y el minuto final es la creacion de una de las empresas mas importantes del planeta y, sin duda, el interfaz comunicativo mas importante de la historia de la humanidad. Nunca mas gente ha tenido la posibilidad de comunicarse con mas gente, y lo hacen gracias al invento de este caballero. Pero el sigue siendo fundamentalmente el mismo.

A lo largo de la pelicula, rodada magistralmente por Fincher y escrita con la habitual maestria del creador de “El Ala Oeste de la Casa Blanca”, asistimos a dos procesos juridicos diferentes y determinantes en su singularidad.

3.- Un proceso de conquista de un exito social no por la via de la conquista de su espacio (Zuckerberg ama y odia por igual la exclusividad que las elites de los Clubs de Harvard representan) Sino a traves de una vaciado de ese espacio mediante la produccion de un nuevo lugar del poder y la exclusividad.

El segundo enfrenta a Zuckerberg con su amigo Eduardo Saverin, unico apoyo financiero de facebook en sus origenes y, aparentemente, creador del algoritmo matematico a traves del cual funciona la herramienta.

Este segundo juicio, mucho mas amargo, mucho mas humano y emocionalmente expuesto desde la perspectiva perdedora de Saverin, nos muestra a un Zuckerberg que, basicamente, tiene dos preocupaciones reales: llegar a conquistar una posicion social de poder a traves de su inteligencia (Esto es, “ser alguien”) y mantener en funcionamiento la herramienta que ha construido. Herramienta que es por quien demuestra los arrebatos de apasionamiento mas fuertes de toda la pelicula.

Y no es que Saverin no le importe. Le considera su amigo, pero los problemas relacionales de Zuckerberg y un esquema de prioridades particularmente autocentrado (y no quiero decir egocentrico, es evidente que el personaje tiene un problema de ego, pero sobre todo, una incapaz enorme para relacionarse con el mundo) Hacen dificil una relacion condicionada por una concepcion de la empresa que han puesto en marcha que, en el caso de Saverin choca con el torrente empresarial de Sean Parker, creador de Napster y genio perverso de la pelicula. La fascinacion que Zuckerberg tiene por Parker (Espectacular trabajo interpretativo de Justin Timberlake) tambien esta contada desde el punto de vista de Saverin. Y es una afinidad puramente intelectual: Admira su capacidad para poner en jaque una industria a traves de su propia inteligencia, pero no aspira a ser un tipo cool, enrollado, etc. Simplemente, reconoce, como lo reconoceria otra maquina, a alguien que habla un idioma similar.

El tercer elemento sobre el que se sostiene la pelicula es una doble frustracion del protagonista que se conjuga en un unico problema: Una dificultad para relacionarse con el mundo en un plano comunicativo empatico. Zuckerberg no tiene las habilidades sociales necesarias para tener una pareja o para caerle bien a los chicos listos de los clubs y Facebook es su respuesta a esa carencia.

Un sistema comunicativo que genera una interfaz con la realidad que nos permite jerarquizar la informacion y tener un mapa de orientacion sencillo en un mundo saturado de estimulos y donde nos encontramos incapaces de comprender la complejidad de lo real. Una interfaz que nos permite, ademas, relacionarnos en planos empaticos pre-fefinidos (Numero de amigos. Gusta o no Gusta) Y que ademas es exclusivo.

Lo que Zuckerberg crea es una nueva forma de exclusividad que reproduce la vida social de manera a-historica (No hay diferencia entre amigos de hace diez anos y amigos nuevos) y con nuevos valores de jerarquias emocionales basados, principalmente, en lo cuantitativo.

Un club democratizado en su acceso y desapasionado. Un lenguaje para la psique de principios del siglo XXI. Un lugar sin memoria, atravesado por las pasiones de una adolescencia nunca abandonada, un lugar donde lo real esta siempre por actualizarse. Un lugar en el que esperamos dando al F5, a “recargar la pagina” para saber si nuestra vida habra cambiando para siempre.

La red social es, entre otras muchas cosas, una diseccion directa a la vida emocional del Siglo XXI. El alma que desaparece, se cuantifica, se vuelve incapaz de empatizar, no es la Zuckerberg... Es la nuestra.

The Last Airbender es una pelicula lastrada por graves problemas, empezando por un guion empenado en que todos los elementos importantes de la primera temporada de la serie de animacion en la que se basa aparezcan en la pelicula. Asi, se da la paradoja de que el fan mas ortodoxo (ese que se rasga las vestiduras ante cualquier cambio o mutilacion sobre el material de partida) critica la pelicula por intentar por todos los medios ser fiel al original.

Pero esas criticas olvidan (a veces conscientemente) que la pelicula cuenta tambien con numerosas secuencias de un lirismo y una belleza que lanzan la pelicula a un terreno incierto y dificilmente clasificable y que la apabullante capacidad narrativa de su director se muestra de lo mas fertil.

Shyamalan demuestra que se pueden rodar secuencias epicas de batalla sin recurrir a la constante dialectica entre grandes planos generales de situacion y planos detalle mas o menos expositivos, rodando majestuosas peleas que se sostienen sobre un unico personaje, en planos-secuencia llenos de intensidad.

No deja de sorprenderme que haya quien hable de Matrix cuando se refiere a “Origen”. Parece que las referencias Matrixianas se daran en cualquier pelicula en la que unos senores se tumben, se agujereen una parte del cuerpo y entren en un estado de conciencia diferente. Sin embargo hecho de menos en las criticas que he leido a Hitchcock (A “Recuerda”, por ejemplo) a Tarkovsky, a la fundamental (FUN-DA-MEN-TAL) “Dark City” de Alex Proyas, A James Bond, a “Oceans Eleven” (Origen podria ser un Oceans Eleven romantico, cerebral y sin sentido del humor) o a la tambien evidente “Olvidate de mi” como una version Low-Fi de esta (o mejor dicho, siendo esta una version blockuster veraniego de aquella)

En realidad, Origen no podria parecerse menos a Matrix. Donde aquella planteaba una distopia rebelde y hablaba directamente al cortex psico-tecnologico de los primeros anos del siglo XXI, esta le habla del espectador de diez anos despues. Alli la virtualidad y el simulacro eran complejas trampas de la sociedad de control. Aqui hablamos de la subjetividad individual y sus proyecciones. La ilusion en Matrix iba de la cabeza hacia afuera, aqui todo sucede de la mente hacia adentro.

No hay en Origen un solo momento en el que se nos este planteando la disyuntiva de “lo real” mas alla de puntuales momentos construidos como pequenas sorpresas de la trama. La coleccion de teorias sobre que es sueno y que no en la pelicula creo que se puede atribuir no tanto trabajo de Nolan siempre empenado en ser “autor” unico de sus peliculas, sino a un publico avido de confusion y teorias locas que esta configurando un panorama mainstream de lo mas interesante.

Concebida como un “mas dificil todavia” de la estructura (Con una segunda mitad con cuatro tramas en paralelo, cada una con su propio codigo narrativo) La pelicula consigue una paradoja curiosa, que es tener sus puntos mas poeticos y sugerentes en los dialogos y los mas explicitos, en la imagen. Origen utiliza la tramoya del cine espectaculo y del thriller de accion para esconder una historia sobre el amor, la perdida y la memoria que se hace explicita por la boca de los personajes.

El mejor ejemplo de esa paradoja es el mundo que Cobb y su mujer construyen para vivir su amor. Nada menos que una ciudad llena de rascacielos tan mimetica con cualquier metropolis de aluminio y cristal de nuestro mundo, tan desprovista de vida, que parece disenado por la mente de un arquitecto desapasionado.

Es una pena no haberle dado algo mas de concrecion a las motivaciones del personaje de Aryadne, motor de la mayor parte de las teorias locas de la red y, quizas, unico fleco sin cubrir de la pelicula.

Origen, sin embargo, funciona a las mil maravillas como “pelicula-comercial-y-algo-mas”. Transmite ritmo, emocion, imagenes poderosas (Como el tren que irrumpe en la ciudad), resulta conmovedora en algunos de sus pasajes y, sobre todo, consigue doblar, extender y jugar con el tiempo y expresar la naturaleza subjetiva de la percepcion sin dejar por ello de ser un relato para todos los publico.

Jason Reitman dirige peliculas de amor disfrazadas de otra cosa. El problema para mi es que si bien fumar o no, quedarse embarazada o no tiene un porcentaje de decision individual y el debate en torno a esas opciones tiene que ver con los valores de cada cual, el despido no es un problema cultural. Los despedidos no eligen.

En ese sentido, la historia de amor de Up In The Air se acompana de un relato en el que el mundo de las relaciones laborales aparece como un medio muy poco conflictivo, casi individual, terapeutico. Asi, los pasajes de la pelicula que tienen que ver con “lo laboral” resultan practicamente increibles: Parados que reconocen que el sueno de su vida es no tener dinero, que lo importante es la familia y no estar solo y empresas que desprecian avances tecnologicos que les permitirian optimizar los beneficios y reducir su propio personal a costa de dar un “trato humano”.

Reitman filma la pelicula con una precision apabullante, crea imagenes bellisimas y desoladoras acompanado de un reparto magnifico, componiendo una comedia triste que tiene en su intento por dibujar una cierta critica al modelo economico y social en el que vivimos su mayor defecto y que rebela el exito de ese sistema al desactivar la potencia de la cultura como un factor de cambio y convertirla en un dispositivo de “cuidado” de la sociedad. Es decir, de perpetuacion de lo existente.

No he visto la pelicula original ni he leido el libro en el que se basa esta adaptacion de Tony Scott, pero una pelicula de robos y/o secuestros siempre merece la pena. Lamentablemente, esta se pierde en lo esencial de las peliculas de este tipo (medir inteligencias y deslumbrar con planes y contra-planes) y se centra en lo accesorio (metaforas morales sobre vivir, morir y ser un heroe)

Se supone que la pelicula deberia ser una aproximacion al Nueva York post- 11S y la sociedad videovigilada y hiperconectada., pero nada mas lejos de la realidad. Los recursos narrativos al respecto se reducen a un ordenador con conexion wireless para que conversen dos adolescentes idiotas. Un recurso muy parecido al utilizado en la magnifica Speed (que tiene ya sus anos) y que alli estaba jugado con inteligencia, mientras que aqui es totalmente desaprovechado.

La direccion de Scott es, sin embargo, de lo mas eficaz para mantener una tension que el guion desarrolla poco y le interpretacion de Denzel Washington es, como casi siempre, de lo mejorcito de una pelicula que podria haber dado mucho mas de si, pero que termina siendo un entretenimiento agradable.

La cuarta pelicula de Daniel Monzon es casi un capitulo de The Shield ampliado. Tiene todo lo bueno de la serie de Shawn Ryan, pero ademas convenientemente traducido a nuestro territorio socio-cultural. Tiene la complejidad, tiene los dialogos, tiene el fascinante retrato de las relaciones de poder (Maravilloso el “Utrilla” que compone Antonio Resines) tiene la defensa de una etica de la palabra y de la fidelidad a, al menos, el nombre propio, en un mundo donde impera el cinismo, el oportunismo y el miedo. Y tiene, claro, la violencia.

Las interpretaciones de todos los personajes (Con Tosar a la cabeza con un personaje magistral) son impecables, asi como el guion de Jorge Gerricaechevarria (Habitual de Alex de la Iglesia) Pero lo mas importante de todo es que ninguna de las cuestiones planteadas en la pelicula, ninguno de sus temas, aparece subrayado como discurso, sino que esta perfectamente acoplado a una trama cuyo ritmo es absolutamente imparable.

Como alguna pelicula tiene que ser la mejor de cuantas uno ve en el ano, yo creo que la septima pelicula de Tarantino va a ser la mia. Digamos que todo lo que otros han senalado a mi me ha convencido tambien: La absoluta falta de respeto por la Historia, la forma de encubrir una historia de mujeres (y que mujeres) dentro de una historia de hombres, la reivindicacion del cine como mecanismo para transformar la realidad, lo divertidisima que es, la tension, los personajes, la falta de respeto por la estructura tradicional de organizacion de la informacion, la calidad literaria de los textos, la musica, etc, etc, etc.

Pero no es por eso por lo que Tarantino me ha llegado al alma, sino por otros dos motivos. El primero es que vi la pelicula acompanado por dos personas que no sabian lo que iban a ver y pude asistir en directo a la experiencia de un espectador que entra el cine sin sobredosis de informacion, sin “a prioris”

La segunda es que es una pelicula que juega con los mitos y las representaciones (La importancia del idioma y las diferentes formas de hablar de la gente, por ejemplo) Le da la vuelta al mito del judio como victima. Conecta el Nazismo de los anos cuarenta con la segregacion de los negros en Estados Unidos en esa misma epoca (y en adelante) Y finalmente hace una critica al oportunismo, a la falta de palabra, a esos hombres que pueden hablar muchas lenguas para salirse con la suya porque el fin y al cabo no tienen palabra y lo deja claro: Hay cosas que no cambian por quitarse el uniforme. Pura dialectica. Hitler dice “No, no, no”, El teniente Aldo Reine, el ultimo antifascista dice “Si, si, si”.

es que tener limites precisos estimula la imaginacion y la disciplina (No es que antes no lo supiera, pero ponerlo en practica es otra cosa) Por ese motivo he decidido lanzar una mini-maxi iniciativa en el blog viendo que veo muchas peliculas, dvds, etc. Y luego no me da tiempo a comentarlos aqui como me gustaria.

La cosa es sencilla: 100 post de 1000 caracteres (aproximadamente) 100x1000. El ritmo de publicacion sera aleatorio, me he hecho un pequeno repositorio de post para ir con cierta ventaja y que no me pille el toro, asi que probablemente esto saldra los dias que tenga poco o nada que contar de otros asuntos. Otras de las fuentes de inspiracion del asunto son, sin duda,

Spike Jonze realiza con su tercer largo un ejercicio quizas algo cerebral, pero que expresa a las mil maravillas la psique infantil y el complejo proceso de madurez que cualquier ser humano tiene que atravesar.

Alejada por completo de moralejas o lecturas tranquilizantes, Jonze nos cuenta como crecer no es una decision, sino algo inevitable. Un proceso de perdidas y pactos con uno mismo. Pero ojo, sin nostalgia de ningun tipo.

La estetica de la pelicula, de un aire casi naive, esta plagada de momentos de autentica sensacion de fragilidad, momentos previos a grandes tormentas de violencia y sacudidas inesperadas. Es imposible no pensar que toda paz no es mas que el interludio de una nueva guerra.

En medio de eso solo quedan los momentos de total y absoluta libertad. Momentos compartidos entre Max y los Monstruos en los que el nino ve en los otros retazos de si mismo y su mundo. Casi un relato fantastico de un proceso mental.

La mecanica narrativa de Los Cronocrimenes se sostiene sobre la resolucion de las paradojas que todo viaje en el tiempo provoca. Las paradojas, por tanto, son resolubles (Hector uno se convierte en Hector dos y consigue que la paradoja Hector uno haga lo que tiene que hacer para convertirse en Hector dos y asi sucesivamente) La pelicula explica esto con una sencillez tan apabullante que a nada que uno tenga la mente un poco retorcida en seguida empieza a creer que hay algo mas. Lo cierto es que si hay algo mas, pero no esta ahi. Todas las criticas que han dicho que Los Cronocrimenes no se entiende mienten. Los Cronocrimenes se entiende tan bien que no nos lo creemos.

Los Cronocrimenes trata de un hombre que va en su coche desde un supermercado hasta su casa y, por el camino, ve a una chica en bicicleta, una chica guapa, una chica que le gusta. El personaje de Barbara Goenaga va por la misma carretera por la que sube Hector al principio de la pelicula.

Hector llega a su casa y coge sus prismaticos para ver si puede observar un rato a esa chica. Le gustaria ver a esa chica desnuda. Le gustaria imaginarse con esa chica. Su mujer esta bien, pero es el dia a dia, es la cotidianidad. No es el deseo. Esa chica si. Y de pronto, mirando por los prismaticos ve como sus deseos se hacen realidad y la chica se desnuda para el.

Hector va a buscar a la chica y eso le lleva al primer salto temporal. En ese primer salto, el motor de la obsesion es sencillo: Otro, que no soy yo, esta en mi casa con mi mujer. Hector tiene celos de si mismo. En el momento en que el deseo toma el poder y Hector se imagina con esa bella chica en bicicleta, tambien se construye una alteridad. El otro no me gusta. El otro piensa cosas sucias sobre chicas en la carretera, el otro soy yo. Y me conozco. Y solo yo se lo asqueroso que puedo llegar a ser. Ese intimo conocimiento lleva a la paradoja de pensar que yo mismo no seria bueno para mi mujer y que si pudiera me impediria estar con ella.

Hector dos cumple los pasos profeticos, ayuda a desencadenar la obsesion, clava la tijeras y, de pronto, pierde el control de la situacion cuando la chica va hasta su casa y cree ver a su mujer muerta. “Dios mio, mi obsesion ha matado lo unico concreto- y real- que tengo, no puedo permitirlo”. “Tengo que evitarlo”

Hector tres es el encargado de volver a ponerlo todo en su sitio. Pero, ¿que es Hector tres mas que la suma de los anteriores? ¿Mas que la suma de las violencias que purgan sus propias obsesiones? Cada Hector peor que el anterior, mas golpeado, mas humillado, mas sucio. Pero mas determinado, mas decidido, mas en el mundo. Mas maduro.

No hay moralidad en el asesinato del personaje de Barbara Goenaga, porque no se esta matando a una persona, sino a una idea. A un objeto de obsesion. La mujer de Hector es real, el personaje de Barbara Goenaga, no. Lo unico determinante que sabemos de ella es que “Es preciosa” (Y es una definicion a partir de los ojos de Hector)

Cuando Hector tres fuerza el accidente de coche de Hector dos, el tiene su propio accidente. Se despierta completamente ido y llama por el Walkie Talkie al cientifico. La musica de la pelicula cambia y nos centramos en un plano contraplano. El plano es el del propio Hector tres hablando, acompanado de una musica romantica, inedita en toda la pelicula. El contraplano es un zoom lento que intenta seguir (casi como unos prismaticos) los movimientos de Barbara Goenaga intentando escapar de su presa, Hector 2. En ese momento Hector 3 les pregunta al cientifico: ¿Por que tuviste que poner en marcha la maquina? El cientifico responde que se iba a inaugurar en seis meses pero que el tenia curiosidad.

En el contexto de la red y mas de la red 2.0, de los facebooks, los tuentis, etc. La escritura es toma de posicion. La critica es delimitar bandos. O sea, la “famosa conversacion” que auguraban los primeros defensores de la red, se esta convirtiendo en una absurda pelea de colegio tipo “¿Y tu con quien vas?”. El fenomeno espanol por antonomasia es el “perodondevas” que se resume en eso que comentaba Alex de la Iglesia en “La Bestia Anda Suelta”. Pasar de “Que majo es este chico, que bien se lo ha montado” a “Pero este hijoputa de que va”.

La forma en la que la red y especialmente las webs dedicadas al cine esta ignorando ampliamente la segunda pelicula de Dani Sanchez Arevalo tiene un tufillo a condescendencia de esa de la de los criticos de toda la vida mas que sospechosa, solo comparable (y quizas a causa de) la presencia mediatica que el estreno de la pelicula ha suscitado. De nuevo, parece que podemos pasarnos media vida pidiendo al cine espanol mas y mejor promocion y cuando esto sucede ya “no mola”.

Y lo peor es que, de por medio, el personal se esta perdiendo una pelicula que esta bastante bien. Asi que hablemos de Gordos y dejemonos de historias. Porque el mayor problema de todo este fenomeno es que dejamos de hablar de cine, de libros, de discos, de politica y ya solo hablamos de personas que hemos convertido en cosas. Fatal.

Gordos es una pelicula rara y de dificil clasificacion. Eso, en mi esquema de las cosas es un SI rotundo y un acto de valentia. Es una pelicula compleja de estructura por su coralidad y por su diversidad de tonos que esta resuelta con un equilibrio notable, probablemente mas conseguido que en Azul Oscuro Casi Negro.

La pelicula esta llena de ideas perversas y ambivalentes. Por ejemplo, ¿quien hace la terapia? ¿Un terapeuta o un anuncio de television? Cuando la tele nos dice que seamos nosotros mismos... ¿quiere realmente que seamos nosotros mismos? (Probablemente si, siempre y cuando sigamos mirando la tele y comprando lo que la tele nos dice) Esas ideas perversas se mezclan con momentos de ternura deliciosos y con momentos de amargura que llegan a violentar al espectador por lo descarnado (Casi como la risa involuntaria que generan algunos episodios de The Office)

Asimismo, la pelicula explora (a veces con mayor acierto y veces con menos) las historias hasta dejarlas secas. Encontrando giros, ideas nuevas, progresiones dramaticas inesperadas a fuerza de puro guion y pura estructura. Debo reconocer que algunas de esas ideas me han convencido algo menos, pero me parece algo totalmente normal en una pelicula cuya vocacion por entretener al espectador hace que la pelota este constantemente en movimiento.

Mi mayor pega (quizas la unica) es que- como pasa a veces con las peliculas corales- sea dificil extraer una sintesis colectiva de la historia. Una lectura global que una de alguna manera todas las historias mas alla del “todos somos distintos” y “todos nos contamos mentiras”.

Ah, si, tambien estan los que critican la actuacion que Antonio de la Torre. Son los mismos que en su dia criticarian a Peter Sellers o Jim Carrey. Son los que creen que la unica forma de llegar a una buena interpretacion es a traves de la contencion. Queridos pesaos, hay todo un mundo ahi fuera por explorar.

Se han estrenado en las ultimas semanas dos peliculas que, contando dos historias que nada tienen que ver y habitando universos aparentemente distintos, guardan un punto en comun (Bueno, dos. Las dos son grandes peliculas) las dos nos hablan del problema de lo real, desde dos enfoques distintos que llegan a lugares comunes. Se trata de Gamer y de District 9

Gamer utiliza el hiperbole para contarnos la vida como si fuera un videojuego sublimando de paso los dos tabues motores de nuestra sociedad: El Sexo y la violencia. Si durante la primera parte de la pelicula nos encontramos en el interior de uno de tantos “shooters”, la segunda reproduce un alucinado y lisergico “Second Life” que se parece demasiado en su estetica a la realidad hiperbolizada de gimnasios, modernitos y identidad gay pauperizada por el mercado, etc. Su exageracion alocada y salvaje acaba por hablarnos de la realidad. Exactamente igual que ese gordo que pone un espejo deforme en el propio espectador y le incomoda porque detras de la virtualidad y la imagen hay carne, deseo. La explotacion de los moviles por parte de los inmoviles… O como dicen en la pelicula: “Pagas por controlar, te pagan por ser controlado”

District 9 se nos presenta como un falso documental y, como sabemos, en los ultimos anos hay diferentes ejemplos que nos hablan de la realidad a partir de una ficcion narrada como realidad. District 9 va un paso mas alla y nos muestra dos realidades con la camara. Una realidad que reproduce la forma que tenemos nosotros de relacionarnos con “lo real” O sea, un falso documental. Y posteriormente nos cuenta la realidad- real (O la verdad) que enmcascara ese documental. Es decir. Llega a hablarnos de la construccion de la realidad por el metodo contrario al de Gamer, a traves de la deconstruccion de los dispositivos narrativos que median entre la realidad y los espectadores. Es decir, los que escriben que es lo real.

A eso podemos sumarle mamporros, accion trepidante, planificacion espectacular, mujeres despampanantes, carreras y el elemento que hace que cualquier pelicula gane muchos puntos. No, no son los zombies (que tambien) Sino LOS MECHAS: Armazones roboticos creados para repartir amor.

Ha hecho una pelicula para ninos que se adentra poderosamente en los lugares que se supone vedados a los ninos. Una pelicula que habla de la perdida, la memoria y la aventura y sus reversos tenebrosos y patologicos. Ya lo ha dicho todo el mundo, pero no esta de mas decirlo de nuevo. Los primeros quince minutos de UP son un prodigio de contencion y sintesis narrativa. Un claro "menos es mas" que ademas deja al noventa por ciento de los crios de la sala planteandole incomodas preguntas a sus padres.

Una cancion del grupo italiano Assalti Frontalli dice "tenemos que tener una casa para dar la vuelta por el mundo". UP no solo cuenta que la aventura no esta (o no exclusivamente) en lo lejano, sino principalmente cerca. Que es, por tanto, una cuestion de mirada. Como decia Chesterton es "un inconveniente planteado como es debido". La casa, metafora para la memoria y la propia vida, solo puede elevarse cuando, en la secuencia mas emocionante de toda la pelicula, el protagonista (Un viejo grunon que cree haber visto su vida pasar en apenas unos minutos sin poder cumplir el supuesto sueno de su esposa) descubre que todo lo que contiene su casa, no son recuerdos, sino lastres. Que sin cambio no hay movimiento. Mas aun, que es necesario perderse (El chiste del GPS del muchacho) abandonarse, dejarse ir, para encontrar la autentica aventura.

UP es, ademas, tierna, alegre y, si, un tanto alocada. (Perros parlantes pilotan aviones mientras persiguen una casa voladora, un anciano en plena forma y un Dodo gigante. La prueba viviente de que emocion y credibilidad son, a veces, palabras opuestas. Si eres de esos seres que opinan que un anciano NO PUEDE transportar una casa voladora... Digamos que es que entonces no has entendido NADA.

Mis dos unicas pegas son que se me hizo un pelin aburrida desde que la casa aterriza hasta que encuentran al villano (perfecto reverso del personaje del protagonista, neurotico buscador de aventuras viviendo en un museo de lo muerto) y que la idea de los perros parlanchines me parece una gran idea, pero no me acabo de gustar en vivo y en directo.

Hacer comedia es muy, muy dificil. Tengo la sensacion de que es lo mas dificil del mundo. La comedia tiene muchos problemas. Por ejemplo, en un thriller, cuando esta bien hecho, se nota. Notas la tension. Notas el mecanismo y gozas con el mecanismo. Pero en la comedia, cuando funciona, no lo notas. No ves el mecanismo, porque te estas descojonando. Por tanto parece facil, natural.

La risa, ademas, tiene el problema de que es un sentimiento agradable. Si partimos de que la mayor parte de la gente piensa que estamos en este mundo para sufrir, quizas empecemos a entender porque la comedia esta tan poco y tan mal valorada. Afortunadamente, creo que aquellos que se dedican al oficio de la comedia, les da mas o menos igual su valoracion y se conforman con las carcajadas.

El viernes fui a ver Pagafantas. Tiendo a exagerar cuando escribo. Pongo rapidamente adverbios terminados en mente y expresiones como “Fantastica” o “Momento mitico”, etc. No quiero hacer eso con “Pagafantas” porque no quiero que la vayais a ver con el tic-tac de “Obra Maestra”. Id a verla como lo que es. Una comedia en la que te descojonas. En la que te lo pasas de Maravilla. O sea, que consigue hacer algo muy dificil. Lo mas dificil del mundo.

Ademas, cuenta una historia donde el equilibrio entre crueldad y ternura es finisimo. Donde la identificacion con el personaje protagonista es total. Donde los secundarios aparecen y, como en las grandes comedias del cine espanol, sientes que tienen una pelicula dentro. Una cada uno.

En cuanto a la chica. ¿Quien no ha conocido brevemente a alguien asi? Para mi la perfeccion de la pelicula no es solo el. Es ella. Porque consigue la doble relacion entre “Esta tia es fascinante” (Unido a “Que buena esta) con “Esta tia es imbecil”. Que suele acompanar a este tipo de historias en las que todo el mundo es consciente de lo que pasa menos tu.

He leido por ahi que Pagafantas esta “mal realizada”. Esto… ¡JA!. Cuando uno hace una comedia la realizacion esta al servicio del humor. Es limpia, directa, deja que los personajes lleven la carga emocional. De nuevo, el truco no se nota. No puede ni debe notarse. Y en ese sentido Pagafantes es soberbia, porque no solo cumple a la perfeccion con esta premisa (Salvo en un momento concreto) sino que ademas hace un uso de la elipsis narrativa de lo mas elegante (De nuevo para potenciar el humor) La fotografia de ese Bilbao tan lejano de nuestro estereotipos de “lo vasco”.

Pd.- Yo, por supuesto soy un Pagafantas de cuidado. Quizas el momento mas aterrador al respecto fue en una reunion de padres en mi instituto a la que asisti como delegado de clase y la madre de la chica que me gustaba me dijo “Tu es que eres muy responsable, que lo dice mi hija. Eres el mejor delegado”. En ese momento supe que todo estaba perdido.

1.- No es el unico, pero si uno de los mas relevantes. Podemos decir que desde una cantidad importante de anos, los personajes de Clint Eastwood representan algo. Quizas una determinada concepcion de los Estados Unidos. Voy a simplificar: Para el caso que nos ocupa los personajes de Eastwood hablan de "America".

3.- Las peliculas drigidas por Eastwood en los noventa son, en su inmensa mayoria, reflexiones sobre la violencia: Complejizandola, criticandola, cuestionandola, etc. Asi son Sin Perdon, Un Mundo Perfecto o mas recientemente Mystic River. No es exagerado pensar que Eastwood esta desconstruyendo el vector principal de su heroe y por tanto, uno de los vectores principales de los Estados Unidos.

5.- Gran Torino es, por tanto, una pelicula sobre los Estados Unidos. Una reflexion sobre los Estados Unidos que se acaban (representada por Eastwood) y una reflexion sobre como deben ser los estados unidos que empiezan que no esta representada por sus vecinos vietnamitas, sino mas bien por el mecanismo de integracion que Eastwood propone para ellos. En ese sentido. quien ha creido ver en Gran Torino una fabula sobre la tolerancia, se ha equivocado. Se trata mas bien de una fabula sobre la integracion. Lo cierto es que son los muchachos de la etnia hmong los que se integran en el personaje de Eastwood y no tanto al reves. El se abre, claro, pero en su papel de tutor, no aprende casi nada (Es un casi muy importante) y lo ensena todo.

Propone por tanto que seran los inmigrantes los que retomen el "sueno americano" aceptando las bases de su cultura y asi pudiendo integrarse por completo (Sueno representado por el viejo coche de Eastwood).

Es importante remarcar la idea del tipo de trabajo que Eastwood propone como realmente integrados y realmente constructor de un pais. Su hijo aparece en la pelicula como un rol americano criticado sin piedad. Se dedica a un trabajo inmaterial, que Eastwood no comprende. No es hacer casas, ni coches. Es el credo reaccionario (no lo digo peyorativamente) que dice que la actual crisis economica se resuelve con trabajo "real" (No esa mierda volatil de Wall Street)

En el punto tres del esquema ("Cumple la ley") es donde Eastwood deconstruye por completo a su antiheroe, aunque de una manera paradogica. Ese vector "Hacer justicia y defender mi modo de vida donde el estado no llega" queda vedado para los migrantes. Y no solo eso. En la magnifica secuencia final, Eastwood se autodestruye. Se deja morir. Se derrota para evitar un mal mayor. ¿No es una interesante reflexion sobre la politica belica de los Estados Unidos?

Tampoco es casual (creo yo) el uso de la etnia hmong cuando podria haber contado la misma historia con casi cualquier otra etnia de las que constituyen hoy los barrios de los Estados Unidos. Los hmong al fin y al cabo, estuvieron con los norteamericanos en vietnam. Y no deja de ser paradojico que Eastwood decide defender a unos vietnamitas de otros vietnamitas y luego haga una relfexion critica sobre ello. Casi parece decir "teniamos que ir alli a luchar por nuestro sistema de vida, pero ojala no hubieramos ido pues ahora debemos ser consecuentes con lo que hicimos alli" (Lo cual tampoco es raro teniendo en cuenta la situacion actual de posible retirada en Iraq)

7.- Para que todo cuadre en el relato, hay que reconocer que el guion fuerza un poco las situaciones con las bandas (Como representates del migrante no integrado) ya que actuan de manera completamente arbitraria y sin ningun sentido. Lo cual, por cierto, es una representacion bastante comun de los migrantes que se encuentran a un lado de la ley y de las propias bandas en casi todo el cine de Hollywood. Quizas hubiera sido preferible un acercamiento igual de complejo a la realidad de las bandas que a todo lo demas, pero entonces el relato de integracion bajo normas que Eastwood propone para fundar su "America" cuando Harry el sucio ya no este, habria quedado incompleto.

8.-La interpretacion de Eastwood es antologica y resulta especialmente gratificante escuchar a alguien decir por su boca cosas que no son exclusivamente mierda politicamente correcta para no "marcar negativamente al personaje"

Sam Mendes es uno de mis directores favoritos. American Beauty me parece una obra maestra. Quizas la pelicula que mas ha sabido mezclar el "cinismo/ romanticismo" de Billy Wilder en el Hollywood actual. Camino a la Perdicion me parece, igualmente, una de las mejores peliculas de Gangsters que he visto y una de las peliculas que mejor narra en imagenes la relacion entre violencia y mirada cinematografica. De

me parecieron tan interesante que fueron uno de los motivos para ir a ver la pelicula. Lo que si es cierto es que solo en el tramo final de la pelicula, la literatura o al menos la literalidad, deja paso a una narrativa basada en imagenes. Revolutionary Road es quizas una pelicula demasiado escrita. Donde la palabra y "lo explicito" se come un poco a las imagenes. Lo que pasa es que son palabras muy interesantes.

Los Wheeler, compendio del fracaso social de una clase media atrapada en sus propias contradiciones no ya incapaz de identificar un mecanismo para la felicidad, sino un camino para conseguirla, son un matrimonio maravillosamente bien construido en sus miserias.

La historia de Revolutionary Road, es verdad, es la historia de una pareja, pero es una relacion atravesada por los deseos de Amy Wheeler (Kate Winslet) de romper con todo y la zozobra absoluta que su ausencia provoca en su marido. Hacia mucho tiempo que yo no veia una pelicula que describiera tan bien como cualquier dinamica de poder (En este caso el de los hombres sobre las mujeres) Es tambien una relacion de dependencia. Y como cuando una de las dos parte se libera y construye su propio poder la otra pierde el sentido por completo y responde o con la violencia o con la desesperacion.

El crescendo dramatico de la pelicula es cada vez mayor y, lo unico que se le puede achacar es cierta sensacion de impasse hacia la mitad, pero claro, ¿como narrar el tedio sin que resulte un tanto aburrido?.

Quizas una adaptacion algo menos fiel a la letra de la novela hubiera teatralizado mas la produccion (quizas circunscribiendo toda la historia a esa casa fruto de deseo y trampa mortal para las emociones) para que esos dialogos de absoluta desnudez e intensidad quedaran algo menos forzados. Quizas entonces las apariciones de la figura del "loco que dice las verdades" fueran mas autoconscientes (todavia) y quedaran mejor.

Ver la pelicula en la sala de cine permite ademas disfrutar de tres cosas maravillosas: La interpretacion de Kate Winslet (que esta soberbia) la interpretacion de Leonardo de Caprio (que en mi opinion esta casi mejor que Winslet, especialmente en una secuencia antologica en la primera media hora de pelicula mientras intenta seducir a una secretaria desde la sinceridad mas absoluta) y en tercer lugar ver a la propia Kate Winslet que, actue mejor o peor, es un lujo sensitivo. Es dificil que se pueda estar mas guapa. En serio.

Pero al contrario que muchas otras grandes peliculas, la experiencia cinematografica de Revolutionary Road no empieza en la sala, sino despues. El cine actual, que generalmente esta pensado para que todo sea epatante durante la proyeccion y no quede absolutamente nada a la salida de la misma, le ha dado la espalda a Sam Mendes con su cuarta propuesta (como ya lo hizo con la excelente Jarhead)

No se ni por donde empezar. Ayer fui a ver la ultima pelicula de Danny Boyle, director de Trainspotting y Shallow Grave. La pelicula tiene una tonelada de oscars. Hay peliculas buenas y peliculas malas. Las buenas suelen gustarme, algunas de las malas me gustan tambien.

Pero hay algunas peliculas que no soporto. Son peliculas que parecen ir de una cosa para poder ir de otra. Son manzanas envenenadas como las que la bruja le da a Blancanieves y la ultima y mas perfecta manzana envenenada tiene por nombre Slumdog Millonaire.

Slumdog Millonaire es una superproduccion con una estetica que mezcla el reportaje tercemundista oenejero, la estetizacion de la pobreza (Ser pobre es triste, pero es bonito) y una banda sonora multi algo para colarnos uno de los relatos mas putridos y reaccionarios de... no se. De hace mucho. Alguien ha dicho que es la primera pelicula de la era Obama. Si es cierto (y no digo que no) La era Obama apesta apesta tanto como la era Bush. El olor es distinto, pero el alimento esta igualmente podrido a tenor de los resultados.

El resumen de la historia es el siguiente: Un muchacho muy pobre nacido en las calles de la India demuestra que cualquiera puede triunfar siempre y cuando no sea a)Fundamentalista Religioso Musulman b) Chica imbecil o c) Malo.

Algunos detalles especialmente repugnantes: Alguien tortura al chaval bueno, pero decide detenerse por que no quiere tener problemas con Amnistia Internacional. ¡Un madero anonimo de Bombay esta preocupado por Amnistia Interncional! Nunca la mencion de una organizacion internacional habia tenido una intencion tan clara de lavar conciencias. Todo el cine Renoir se siente tranquilo porque Aministia Internacional vela por los ninos del mundo.

Otro detalle. Unos hombres malos quieren llevar a unos ninos de la calle a su casa para cosas malignas. Les convencen dandoles unas botellas con un liquido que parece Coca-Cola, en unas botellas que... son de Coca-Colay y con una etiquetas rojas donde pone... Nada. Un detalle que sirve de analizador. ¿Como vamos a relacionar a la sacrosanta Coca-Cola con la explotacion infantil en nuestra pelicula que pretende abrir los ojos sobre lo mal que estan los pobrecitos del mundo?

Eso es la perversidad. Es el si, pero no. El azucar con el que entra la pildora que nos dan. Una pelicula pensada para hacernos sentir no ya culpables como una parte del cine que victimiza a los pobres y los convierte en idiotas, sino directamente tranquilos. Todo va bien. Un nino pobre puede seguir adelante (¡que digo! ¡Ser millonario!) siempre que lo haga a)Solo (No hay un solo espacio de socializacion colectiva en la pelicula, no existe ninguna estructura social) b) De forma honesta (Si, es cierto, nuestro hombre roba pero no son robos, robos, son pillerias, travesuras y como tal se narran en la pelicula) c) Creyendo en el destino (En una pelicula y un personaje que dicen aborrecer las religiones, se introduce la lectura al parece completamente atea, de que todo esta escrito)

Lo bueno es que Bryan Singer realiza muy bien y controla mucho el ritmo y eso. Y Tom Cruise esta muy bien. Y hay un rato en la pelicula que estas como muy tenso porque hay suspense del bueno- que es ese que se consigue con cosas tontas como un boli que estalla o una puerta que se tiene que abrir o un tio que espera la llamada de otro tio que no llama y asi. Hay algunos personajes miticos (como el ayudante de Cruise) Y hay un monton de actores ingleses (¿Por que no alemanes?) que lo hacen muy bien.

Para mi la pelicual tiene dos grandes peros. El primero es que si bien hay un rato hacia la mitad de la pelicula que la tension es muy intensa y se juega con los elementos del suspense y ademas se hace muy bien, el resto de la pelicula no cuenta nada de esto. Y no es que no haya obligacion pero digamos que jugar con el misterio misterioso de si la bomba habra matado a Hitler o no... Ejem, no es muy misterioso. (Quizas para algun estudiante de secundaria despistado) Por otro lado, cuando el plan ha salido evidentemente mal nadie hace nada por escapar dando lugar a poderosos planes de fuga que se van al garete, sino que mas o menos todos asumen culpas (Supongo que sin rechistar) y poco menos que se entregan en una escena en un pasillo que pegan dos tiros medio con desgana y poco mas.

El otro gran pero es que no me los creo. O sea, me creo que ese grupo de militares quisiera matar a Hitler, pero no me creo sus motivos. Incluso aunque esten documentados. No dudo que haya textos diciendo "Alemania esta to mal por culpa de este senor tan malo y en nombre del honor y la patria me tengo que rebelar". Pero Bush tambien dice que tiene que matar iraquies por la libertad y no por ello dejamos de pensar que lo hace por otros oscuros motivos. La verdad es que no me creo que estos senores tan buenos tuvieran un ataque de conciencia unos meses antes de que los aliados llegaran a Berlin y con la guerra dando sus ultimos coletazos, como que no cuela.

La cosa me hubiera gustado mas si en vez de tanto honor y tanta puneta idealista, estos senores (Que son el alto mando militar del ejercito de Hitler, que no son gente comun ni soldados rasos) dijeran cosas como "Estamos perdiendo la guerra. Si no pactamos una rendicion digna con los aliados esto va a ser la descojonacion" "Nos van a dar por todos los lados" "Ya, pero es que con Hitler ahi quedamos to mal" "Pues lo matamos" "Pues no es mala idea" "¿Y si lo hacemos por la verdad, el honor y la gloria?" "Pues igual pasamos a la historia"

Camino es un peliculon como la copa de un pino y nadie deberia perder el tiempo leyendo mis chorradas y salir a la calle a ir a verla. En serio. Camino cuenta la historia de una nina que vive en el seno de una familia muy religiosa ligada al Opus Dei. Camino es una nina normal y corriente en un contexto nada normal y nada corriente (aunque ojo, con muchisimo fieles y seguidores) Camino quiere interpretar La Cenicienta en el grupo de teatro de su barrio, quiere salir con sus amigas, quiere ver a su hermana. Camino cree en cosas maravillosas y normales como los vestidos bonitos, estar guapa, enamorarse o comer pasteles de crema. Camino, ademas, tiene una enfermedad rara y compleja que la esta matando bstante rapido y ademas, con unos dolores espantosos. Y ahi empieza lo bueno. Porque cuando uno cree ciegamente en Dios, cuando no hay lugar para el "no-saber" ni espacio para la duda razonable. Cuando todo en nuestras vidas esta determinado por un poder superior, benevolente por naturaleza, el dolor, la enfermedad y finalmente la muerte, son regalos que debemos agradecer.

La religion entonces se revela como autoridad. Como mecanismo de dominio y control. Como trampa para los deseos. Se rebela como lo contrario de la vida. Y Fesser retrata ese mundo de silencios, secretos, miedo y sospecha a las mil maravillas.

1.- En el contexto de la familia religiosa de Camino y las gentes que les rodean no hay un solo personaje que piense lo mismo que otro sobre la cuestion religiosa, la vida de la nina y el Opus Dei. Si la diferencia mas importante es la de ese padre ESPECTACULAR lleno de dudas, miedos, al que se le niega permanentemente el afecto de sus hijas. No es menos compleja la rebelacion de esa madre que pasa de ser una hija de la gran puta con rebabas (hablemos claro) a un ser humano que solo tiene la religion para darle un sentido a lo que le esta pasando a su hija.

2.- La relacion entre los suenos de Camino y la realidad no son mecanismos para hacerle facil al espectador la pelicula. Al contrario, la fantasia sirve para ilustrar la realidad y explicarla. Para darle fuerza a la dureza de lo concreto y tambien para demostrar de una vez por todas que no hay imageneria mas perversa y morbida que la catolica. Todos los suenos estan impregnados por esa caracteristica genial de las pesadillas que es hacer aflorar lo siniestro de nuestro inconsciente. De la misma manera hay quien ha dicho que las operaciones a Camino, narradas de forma hiperrealista, eran un ejercicio casi gore y morborso: CHORRADAS. Cuando estamos en un mundo que apela constantemente a la espiritualidad para explicar la cosas, hay que contar que, al final, los seres humanos somos carne, piel, huesos y musculo.

3.- La pelicula ademas establece una maravillosa diferencia (Especialmente en la antologica secuencia final) entre "Fantasia" y "Religion". Y de alguna manera habla del sentido de los cuentos y las narraciones frente a las Reliogiones y las ideologias. La fantastia es un ejercicio de autocontruccion (Tu mundo) que sirve para orientarte en la vida. No es trascedente. No te habla del mas alla sino que utiliza elementos fuera de lo real para orientar la realidad. Y siempre es un ejercicio de remezcla, cambio, reapropiacion, etc. Cuando esa fantasia se narra de forma publica se convierte en un relato construido socialmente. La religion es lo contrario. Es un discurso cerrado, donde no hay orientacion, sino normas, porque no hay flexibilidad y la reapropiacion es imposible. No hay forma de tomarla en las propias manos y hacerla de uno. O se acepta o se niega. Y es trascendente y adermas instrumental. la religion no nos dice como vivir nuestras vidas, sino como vivir nuestras vidas para poder disfrutar de otra cosa. Es tactica. Y en ese sentido, mucho mas hipocrita que un buen cuento de hadas. Que es lo que Camino muestra a las mil maravillas.

Actrices y actores alucinantes. Tramas secundarias llenas de intensidad (La historia de Manuela Valles y todo el mundo de las casas del Opus Dei es terrorifico) Una director, unos efectos especiales y una fotografia de escandalo y un guion al que quizas solo le falta un poquito mas de rebeldia en algunos de sus personajes.

Puede que la cosecha de peliculas del Cine espanol del 2008 no fuera maravillosa, pero me juego una mano a que hay mas mala leche, mas radicalidad, mas riesgo y mas verdad en cualquier minuto de Camino que en el 80% de las producciones de Hollywood de este ano. Oscars incluidos.

Un amigo mio decia que el no creia en Dios, pero si creia en los Angeles. Pero claro, mi amigo era un adolescente jugador de rol, que imaginaba otros mundos para poder vivir en este. Y eso a la religion, nunca le ha gustado.

Tropa de Elite La izquierda sigue sin distinguir el discurso del prota y el discurso de la peli. La cagaron con Taxi Driver y siguen cagandola hoy. Aunque no me extrana que les escociera esa diseccion de la relacion ONG´s Progres- Trafico de Drogas. Estudiantes universitarios frente a la miseria de las favelas. La clave para entender la pelicula esta en esas secuencias que aparentemente no vienen a cuento en las que se cita a Foucault. Ritmazo, violencia, etc. Como nota, servior se vio la primera pelicula de Padinha para escribir el capitulo de la semana que viene de Hospital Central. No busquen comparaciones posibles, porque no las hay.

Wall-E Creo que es la mejor pelicula que veo en lo que va de ano. Porque es bella, es lirica, es emocionante, es sencilla. Dice que el amor mueve el mundo en buenas direcciones. Es analogica siendo digital, es entranable. Y tiene a Wall-E y a Eva. Que pareja mas maravillosa. Y que uso de la musica y... Jo. Que buena es.

Hellboy II La pelicula que uno tiene que ver despues de haber visto Batman "The Dark Night". Cuando tiene que ser directa es directa, cuando tiene que ser poetica es directamente espectacular. Y cuando la gente se enamora en vez de mirar a la nada con gesto languido hace lo que todos: EL MONAS con alcohol y Barry Manilow. Maravillosa gozada.

Hacia eones que no actualizaba la seccion de criticas del Blog. No se si porque no me apetece o porque cada dia me da mas pereza opinar sobre cosas (¡A mi, que siempre he sido un maldito opinador!. Dramatico. Hoy, ademas, mi zoro disecado me ha dicho que tengo dos canas. Si. Tengo un zorro disecado)

1. Cuando sali del cine una amiga me pregunto "¿Has vuelto a ver al Joker que amabas? Y yo le dije "No. Es imposible amar a este Joker". Mis amigos creyeron que no me habia gustado el Joker o la interpretacion de Heath Ledger. Nada mas lejos. Pero la realidad no fascina, aterroriza. El hiperrealismo ha vuelto al Joker terrorifico, pero no fascinante. Nunca me sudaban las manos viendo al Joker de Tim Burton y Jack Nicholson. Su perversidad y su humor lo llenaba todo. Era atrayente, sexy. La gente a la que mataba tenia una absurda sonrisa. Estaban muerto, si. Pero todo era medio falso. Podias relacionarte con esa falsedad y mirar a tu lado oscuro y dejarlo crecer. Aqui es imposible, al menos para mi lo es. La fascinacion solo viene cuando el Joker intenta llevar a Batman a su lado, en esa comisaria (Probablemente el mejor momento de la pelicula de largo) y algun que otro destello. Pero... Batman no esta a la altura...

2. El Joker de Tim Burton era fascinante y- sobre todo- tenia un enemigo a la altura. Un batman del que podias dudar sobre si iba a pasarse de la ralla o no. ¿Por que el famoso caballero oscuro no es un poco mas... oscuro? El Joker merece un enemigo a la altura para que todos podamos dudar de lo que sucedera. Ese es el Batman que me gusta. El que acaba muerto de risa en La Broma Asesina. El que se plantea que la unica opcion que tiene es matar al Joker. Este Batman es un sinsangre demasiado efectivo. Hasta cuando falla (estrepitosamente) parece no inmutarse. Hasta cuando se pone autoritario y viola la privacidad de todo el mundo, lo justifican y lo salvan. Hasta se autocensura y dice "sere el villano que necesitais"

3. Ya no hay manera de vivir un fenomeno. La "cultura del fenomeno" ha imposibilitado los fenomenos en si. O sea, que Batman The Dark Night tenga la mejor puntuacion de la historia en no se que super web ha dejado de decirme cosas. Creo que mas de la mitad de las personas que entraron a ver la pelicula no solo habian decidido que era buena, sino que para ellos ya era una obra maestra. Antes de empezar. Es el fin de la incertidumbre. Si no hay incertidumbre solo queda la mitificacion desmedida (Los mitos necesitan TIEMPO) o la permente decepcion. Por ejemplo, la tonteria del Oscar postumo a Heath Ledger, ¿como es posible que todo el mundo hable de un tema que tiene una importancia igual a... no se. A muy poco?.

4. Una pelicula mas con dialogos sobre la libertad y la seguridad, la responsabilidad y el deber, etc. que transcurra por la via de la trascendencia y las grandes palabras y se resuelva por la via del buenrollismo papanatas y me PEGO UN TIRO.

5. ¿Cual es el elemento de mayor dramatismo objetivo en la historia de Batman The Dark Night? La muerte de Rachel. Mejor dicho, la espectacular muerte de Rachel gracias a un magnifico plan del Joker. Despues de eso, ¿Que queda por hacer? ¿Que haria cualquiera en su sano juicio? a)Perderlo b)Incendiar Gotham y cagarse en todo c)Ir a por el Joker. ¿Que hace Batman? SE QUEDA SENTADO EN UNA PUTA SILLA MIRANDO LANGUIDO A TRAVES DE LA VENTANA. ¿Por que? Porque Batman es el caballero oscuro, pero en tiempos de correccion politica, no puede serlo DE VERDAD. Solo el Joker puede ser malo de verdad, pero eso no puede tener consecuencias en el mundo de los buenos. Pero es que si la relacion entre el bueno y el malo no es equiparable... ¿como va a funcionar el conflicto dramatico?.

6. El Miedo. Que bien sabe Nolan retratar el miedo contemporaneo. Las imagenes mas terrorificas de El Caballero Oscuro aparecen por television. Es la tele la que te cuenta los planes del Joker. Es un video domestico "a la youtube" el que te narra el horror. Es el fuera de campo el que da sentido al panico. ¿Cuando es fascinante el Joker? ¿El mayor momento? Cuando desprecia aquello que ordena nuestro mundo. El dinero. ¿Y cuando es mas interesante? Cuando muestra por la via de los hechos las nulas posibilidades de supervivencia que tenemos colectivamente en el reino del "salvese quien pueda". Y por eso me da tanta rabia que las soluciones morales de la pelicula sean tan... morales. Tan bienpensantes.

7. Por ultimo, todo ha devenido identidad y cultura en el peor sentido. Habra quien crea que no me ha gustado Batman El Caballero Oscuro, se equivoca. Me ha gustado bastante, pero las cosas solo son perfectas en el reino de la mente, en la realidad las cosas son imperfectas y por eso son interesantes, se puede pensar sobre ellas. La "cultura del fenomeno" no permite reposo y distancia, y por tanto, anula el pensamiento. Las noticias sobre Batman 3 empiezan a anular la experiencia real de Batman Dos. Con igual violencia con la que se expresan quienes creen que El Caballero Oscuro es la mejor pelicula de superheoreas de la historia, vociferan quienes consideran que es "una caca". Y cualquiera que pretenda salir de ahi es un pesao y un llorica.

He decidido escribir esto asi. Son motivo particulares, de cada cual y algunas de las cosas que me parece que funcionan en Juno no me gustan en otro monton de peliculas. Me es muy dificil escribir esto sin tener en cuenta la opinion de un monton de gente que me rodea (muchos de ellos guionistas o gente que trabaja haciendo cine o tele) a la que, de forma mas o menos general, no les ha gustado Juno.

1.- Se nota el guion. Todo lo que pasa en Juno “canta” a que alguien detras escribiendo, se nota. Se ve. Esto, que suena a malo, a mi me vuelve loco, porque creo que si uno tiene el talento para hacerlo debe entender que hacer peliculas es tambien hacer (un poco) literatura y por tanto tener (un poco) de estilo. Una poetica, si lo queremos llamar asi.

2.- No es una pelicula sobre el aborto. Ni es una pelicula sobre una adolescente embarazada. Es una pelicula de amor. Se parece mas a “La chica de Rosa” que a… no se, alguna de esas peliculas que en vez de contar historias cuenta temas: El aborto, la inmigracion, la corrupcion, los malos tratos, etc.

3.- No es una pelicula contra el aborto, sino a favor de que uno tome sus propias decisiones. Nadie defiende el derecho a abortar, sino el derecho a decidir si abortar o no y eso incluye la posibilidad del no y no implica que quien toma la decision contraria sea un conservador demenciado.

4.-Es autoconsciente. Me gustan las peliculas donde la gente habla de las cosas que le gustan o les digustan. Sea Sonic Youth o La Guerra de las Galaxias. Es autoconsciente como lo era Clerks o lo es Malas Ventas.

5.- No es melodramatica: Mucha gente me ha dicho que Juno no tiene conflicto porque la protagonista va resolviendo poco a poco las situaciones a las que se enfrenta, generalmente con madurez. Llevan razon, pero eso no implica que no haya conflicto, lo que no hay es una tendencia bastante habitual en el cine (y sobre todo en la television) actuar: El melodrama. Parece que para que algo tenga tension dramatica tiene que suponer un horror.

6.- Es reconfortante: En medio de un paramo de excepcion, paranoia y cultura cinematografica de la excepcion es muy agradable ver una pelicula que dice “Si, esto que pasa es duro, pero se sale de aqui. Se sigue adelante. No es tan espantoso”.

7.- No busca culpables: Efectivamente, seria de agradecer una reprimenda por parte de alguien en torno al uso de preservativos, etc. Pero esto no pasa por un motivo, la pelicula parte de un error cometido por una chica y como lidia con ese error. Y como a traves de ese error descubre que esta enamorada. Nadie dice que no sea un error. No hace falta (creo) hacerlo explicito. En ese sentido es ejemplar la conversacion que tiene el padre de Juno con ella al final de la pelicula “Algun dia volveras aqui, en tus propios terminos”.

8.- Es politicamente correcta: Si, se que la correccion politica es algo muy chungo de nuestro mundo y una forma de censura, pero la “incorreccion politica” empieza a ser cada vez mas una marca desprovista de sentido real, que no se plantea como un limite a superar (Un consenso social que dinamitar) sino como un mero “ir mas alla”. Mi momento favorito de American Beauty (Que es uno de los que menos suelen gustar) es cuando Kevin Spacey esta a punto de acostarse con Mena Suvari, ella asustada le dice que tenga cuidado que es su primera vez y el se da cuenta de que solo es una cria y la tapa el vestido amorosamente. Me consta que habia mucha gente en la sala pensando “follatela, mojigato”, pero creo que hacer lo contrario es- por muy politicamente correcto que sea- bastante mas interesante y bastante mas humano.

9.- Cuatro motivos mas: Ellen Page (impresionante) La sencilla direccion de Jason Reitman (deliciosa) El gran personaje de Poulie Bleeker y la portentosa interpretacion del mismo del gran Michael Cera y la maravillosa banda sonora.

¿Por que no me gusto Crash? Fui a ver Cras con una amiga y no me gusto. A ella si. He visto el Valle de Elah con la misma amiga y a ella no le ha gustado. A mi si. Asi que he llegado a la conclusion de que hay algo de lo que tiene Crash que o tiene o dejar de tener El Valle de Elah que a mi me ha gustado mas. He llegado a la conclusion de que donde Crash es idealista y reconfortante, El Valle de Elah es desasosegante y materialista.

Crash termina con una musica de anuncio de Nescafe y un plano que asciende hacia el cielo mientras un grupo de ninos que en mi cabeza recuerdo como orientales mirando escaparates maravillados. Al fin y al cabo, el mensaje de Crash era algo asi como "vamos a llevarnos bien que es mejor" y "las cosas no son lo que parecen. Todos somos complejos".

El Valle de Elah termina con un plano de la bandera de Estados Unidos puesta del reves. Izada como simbolo de la derrota moral de un pais al completo. Como no hay banderas del mundo, pues la bandera es de Estados Unidos, pero vamos, que podria ponerse cualquier bandera. El mensaje de El Valle de Elah me suena algo mas a "¿Que cojones nos esta pasando?"

Porque El Valle de Elah cuenta tambien que vivimos en un mundo lleno de imagenes que ya no nos conmueven. Lo malo no es que esos soldados americanos vuelvan de Iraq convertidos en seres cercanos a la sociopatia, sino lo poco que eso nos emociona. No nos conmueve, como no nos conmueven demasiado los videos que el hijo de Tommy Lee Jones manda a su padre mostrandole las atrocidades que comete. Los vemos como se ven las noticias de un telediario porque al fin y al cabo, los hemos visto en el telediario. ¿Alquien se siente realmente conmovido por las imagenes de Abu Graib? Nadie. Conmoverse implica algo que tiene que ver mas con la tripa que con el cerebro. El cerebro dice "Que barbaridad" la tripa no dice nada. Mucha gente me ha dicho que El Valle de Elah es una pelicula demasiado fria, a mi lo que me asusta es que los frios igual somos nosotros y que Paul Haggis haya metido el dedo en esa llaga me parece un acierto.

La pelicula tiene el formato de un Thriller sobrio y duro. Evoluciona de forma pausada y contundente, con un Tommy Lee Jones espectacular, arrasado por la perdida de un hijo que vive de manera triple. La perdida fisica, la perdida del hijo que se fue a Iraq y que ya no volvera pues se ha convertido en otro y la perdida de sentirse responsable de esa situacion. La breve aparicion de Susan Sarandon es antologica. Por su parte Charlise Theron compone un personaje endurecido en un ambiente muy duro para una mujer y mas para una mujer soltera.

Mi amiga decia que la pelicula no dejaba ni un resquicio de esperanza. Y tiene razon. Pero la esperanza- por mucho que digan Obama y Zapatero- no sirve para cambiar el mundo. Se parece mas bien a un agradable narcotico con el lema "manana las cosas iran mejor":

Una vez una chica me dejo Quadrophenia. This is England es como si a Quadrophenia le quitaras la musica y dejaras que un senor que es una mezcla entre Stephen Frears y Scorsesse se pusiera a escuchar ska del bueno. Las malvinas a ritmo de Toots and the Maytals, los indices de paro de un pais en bancarrota moral (Que decia Neil Gaiman de la "era Thatcher") Los skins. Elegantes, familia de companeros y companeras en un entorno destruido. Ser parte de algo, tengas las edad que tengas.

Y de pronto, la violencia y el racismo, antropologia social vigorosa. Nace la gran division: Skin Heads racistas, Skin Heads antiracistas (mayoritarios, por cierto) Skinheads que olvidan Jamaica y la base mestiza de la cultura skin y skins que la respetan. Comunidad o violencia.

Mitin del National Front en una granja, el lider expone los motivos para expulsar a los inmigrantes de Inglaterra ante un monton de chavales y no tan chavales pobres como las ratas mas pobres. Uno comenta "Que cochazo tiene".

Aquellos que me conocen saben que considero a Alex de la Iglesia el mejor director de cine espanol del mundo mundial (Asi, englobando) No es que sus peliculas sean perfectas, es que sabe que eso es imposible. Lo perfecto no existe. Somos elefantes haciendo surf en las olas de un tsunami. Como dicen en Toy Story "Eso no es volar, es caer con gracia". Buscar la perfeccion es tarea de criticos (o de algunos criticos)

Por eso, todas las peliculas de Alex de la Iglesia me gustan. La que menos me gusta, que es Perdita Durango, tambien me gusta. Hay gente que dice que las peliculas de Alex de la Iglesia son de risas. Bueno, si, vale, te ries, pero... Ejem, ¿no veis las toneladas de dolor, verdad, sufrimiento, odio y maravilla que hay ademas de esas risas? En el libro "La Bestia Anda Suelta" Alex de la Iglesia dice que le gusta Hitchcock porque es un gordo obsesivo, un loco, un misogino (No estoy citando, voy de memoria) Pero que engana a la gente, que se hace pasar por ese senor gordito que hace peliculas de suspense y ya. A mi Alex de la Igleisa me gusta por lo mismo, pero es que ademas el no oculta nada, lo cuenta todo. Cuenta lo bueno y lo malo, lo que funciona y lo que no. Es brutalmente sincero (o sea, que miente como todos, pero se nota menos o lo hace mejor o yo no se)

Bien. Dicho esto, hablemos de Walt Whitman. Walt Whitman tiene un verso conocido sobre la singularidad (Ese de "oh, mi yo" que recita Robin Williams en El Club de los Poetas Muertos) pero tiene otro que a mi me gusta mucho mas: "Soy inmenso, contengo multitudes". Contengo multitudes... ¿Saben que la idea de multitud suele estar vinculada al diablo? El diablo es multiple, lo multiple da miedo, porque sale por cualquier parte. Al contrario que esos seres que son uno y por tanto son previsibles (Yo que se, Ken Loach, por poner un ejemplo de alguien que tambien me gusta y cuyas ultimas tres peliculas me he negado a ver porque tenia la sensacion de que ya las habia visto) Los multiples son muchos. Un multiple: Billi Wilder.

Algunas pistas para saber como es de personal los crimenes de Oxford: Habla de que la busqueda de la perfeccion te volvera un desgraciado. Habla de que la libertad y el egoismo van muchas veces de la mano. Habla de que el problema no es conocer la verdad o no, sino vivir la vida o no vivirla. Ser espectador o agente activo. Anomalia en los margenes Y sujeto en pleno centro del universo. Habla de que uno puede perderse dentro de si mismo y destruirse (¿No es espectacular hasta decir basta esos cinco minutos de narracion sobre el proceso delirante de Alex Cox? ¿Donde hostias hemos visto eso en el cine de este ano? En Zodiac, quizas, un poco)

Pero ademas es distinta, porque Alex de la Iglesia es inmenso, contiene multitudes. Esta rodada de forma escrupulosa y en una epoca de thrillers sobrenaturales soplapollas se permite el lujo de hacer una pelicula de gente esceptica, atea y que le gustan las matematicas. O sea, lo contrario que la tonteria del Codigo Dda Vinci, Medium, etc.

Mi unica critica es que, aun entendiendo el sentido de colocar a Leonor Watling en semejante papel. A pesar de ser la mas clara representacion de la carnalidad y el deseo frente al cerebro y el ensimismamiento del bueno de Elijah (que esta muy bien, aunque no tambien como el mitico Hart) Resulta - para mi- un poco artificial, mas una funcion que un personaje y entonces siempre tengo la sensacion de que va a tener en la historia un papel dentro de las claves del genero y resulta que no, lo cual confunde un poco.

La gente mala, mola. La gente buena da un poco de grima y uno intuye que son gente mala disfrazada. Interview va de eso. Lo que pasa es que la gente mala mola porque tienen un su humanidad, ¿me explico? Si no ya entramos en el genero "vaya panda de hijosdeputa" que tambien mola. Interview podria ser de esas... O no.

A veces la tecnologia se come la narracion aunque uno no quiera. ¿Se puede ver Beowulf olvidando que esta rodanda en 3D? Dificil. ¿Tendria interes si no fuera por esto? Cualquiera sabe. Quizas "El Cantor de Jazz" sea un conazo patatero o quizas alguien dijo en su momento "solo sirve para mostrarnos todo el rato las excelencias de una nueva tecnologia- El Cine Sonoro".

El Caso es que Beawulf es una de las primeras peliculas rodadas en 3D y yo, viendola, pensaba que esto del 3D iba a ser mas revolucionario en el mal sentido. O sea, que la gramatica cinematografica iba a desaparecer bajo toneladas de movimiento absurdos para epatarnos y no poder seguir la historia. A mi no me dio esa sensacion. Vamos, la historia se sigue bien y reposada (Es una historia muy sencilla) Por otro lado, sigue sin convencerme el tema este del rodaje con actores que luego se digitalizan. Se me parece a las intros de las aventuras graficas de los noventa quince anos despues.

Pero Beowulf tiene oscuridad, es una pelicula medieval en el sentido sucio. Mas cercana a "Los Senores del Acero" que a "El Ultimo Caballero", por decirlo de alguna manera. El rey es un rey en medio de la nada. La sala del trono es desoladora. Hay barro y los alegres mercenarios quieren, basicamente, violar a todo lo que se les ponga por delante.

Como diversion anadida esta ver a los papas y las mamas que han llevado a sus pequenos al cine a ver "la peliculas infantil en tres dimenciones" horrorizarse ante una fabula adulta, llena de erotismo, violencia y bastante mierda.

Blade Runner: Una obra maestra sin posible discusion. Me la suda si Deckard es mas o menos replicante, es una maravilla. La he visto dos veces en el ultimo mes y medio. Las dos en el cine y las dos me ha parecido acojonante. Pero debo reconocer que la primera me dejo completamente noqueado, realmente no recordaba que cada punetero plano fuera una obra de arte. Brutal.

Encantada: Fantasia infantiloide bien resuelta, con alguna actuacion chula (la de la prota) Disney intenta colarnos que no es Disney y que se ha modernizado y termina por soltarnos el rollo facha y machista de siempre. Eso si, pueden reirse mucho (pero mucho) de algunas de sus memeces mas notables. El chiquito de Anatomia de Grey esta como que pasaba por alli.

Promesas del Este Ehm... Es que no me gusto mucho. O sea, a todo el mundo le ha encantado y tal pero... No se. La secuencia de la pelea en los banos turcos es la cosa mas violenta que yo he visto en anos y esta rodada como Dios y tal (Amen de la carga de erotismo homosexual latente en la misma y que hizo que yo me sintiera MUY incomodo- lo cual es estupendo) Pero luego todo me sonaba como raro y lento. No se. No entre en la pelicula. Cosa mia, probablemente.

Coincido totalmente con la critica que Carlos Boyero en El Pais. No me ha interesado nada, pero nada. Hasta el punto de que me parece una de las historias mas tontas del ultimo ano. 1)No me importa ese Gangster al que todo le sale mas o menos bien sin que haya conflicto alguno 2)No me importa ese policia al que, a pesar de estar en una situacion vital chunga, tambien le sale todo mas o menos bien todo el rato 3)Tampoco entiendo porque esos dos protas no se juntan mas que un momento al final de la pelicula. 4)Y ademas, me toca la moral que una pelicula sobre Harlem ambientada en 1968 y tratando tema drogas no hable ni una sola vez de Martin Luther King, Los Panteras Negras, etc. Es decir, el movimiento que gobernaba ese barrio y que se oponia al trafico de drogas en el mismo. Cada vez que habia una reflexion o una idea interesante (Ejemplo, Russel Crowe planteando que si acabaran con el negocio de la droga cientos de personas se quedarian sin trabajo incluyendo muchos jueces y policias) queda abortada por una historia lineal y sin conflicto.

Y estas son las ultimas peliculas del ano. Creo que he visto mas peliculas que el ano pasado y, sin embargo, tengo la sensacion de haber visto menos, muchas menos. Que fenomeno tan curioso. Y hay un monton que me he quedado sin ver y que tenia ganas. En fin, esperemos al DVD o al P2P.

A mi me gusta mas el tebeo ( la novela grafica o como cada uno lo quiera llamar). ¿Quiere decir eso que no me gusto? No. Me gusto bastante. Me entretuvo, me hizo recordar que se podian hacer peliculas con un autentico derroche de imaginacion en vez de tanta tonteria. Me hizo acordarme de la Princesa Prometida. Querria que hubiera sido una obra maestra, pero no es el caso. En realidad, seria genial si fuera un poquito mas. Un poquito mas adulta, un poquito mas terrorifica. El guion funciona a pesar de un giro en el segundo tercio completamente demencial. Esta bien realizada. Los personajes siguen siendo carismaticos. No pretende ser la ultima y definitiva pelicula que se estrena en el ano y eso mola. Michelle Pfeiffer se sale. Es un buen punto de partida para hacer mas peliculas favoritas. Eso si, la musica es una tomadura de pelo: Refito a pares entre Dracula y El Senor de los Anillos (La segunda unidad de la pelicula con sus planos aereos de la gente a caballo tambien le debe bastante a la trilogia de Jackson)

Iciar Bollain tiene cuatro peliculas: Hola, ¿estas sola? (Que no esta mal), Flores de Otro mundo (Que ya empieza a ser bastante notable), Te doy mis ojo (Que es una de las peliculas mas acojonantes que servidor ha visto) y Mataharis. Lo mejor de las peliculas de Iciar Bollain es que son mucho mas interesantes de lo que parecen. Muchisimo mas. Vas a ver una pelicula sobre tres mujeres detective privado y acabas viendo una pelicula sobre a)La crisis de los cuidados en la sociedad actual b) Las nuevas formas de trabajo contemporaneas b) La dimension reproductiva del trabajo inmaterial y la cuestion etica que se coloca en el centro de esa reproduccion. ¿Un detective es una simple herramienta al servicio de un interes- el de una empresa, por ejemplo o es ademas un ser humano que no puede separar su trabajo de si mismo, sus deseos, sus miedos, etc? ¿Y un guionista? ¿Y una teleoperadora? Mataharis ademas habla de la confianza y de la intimidad. Soberbias interpretaciones, aunque lo que hacen Antonio de la Torre y Nuria Gonzalez es de quitarse todos los sombreros. La historia de la empresa es, quizas, la mas previsible, pero tambien es la que expone de manera mas firme algunos de los conflictos mas interesantes. Es una pena que la realizacion beba directamente de ese estilo mas kenlouchiano y feista de lo que lo hacian la lirica de Flores de Otro Mundo o Te doy mis ojos. Pero vamos, peliculon.

El ano termina y me quedan cinco o seis peliculas por resenar de las que he visto. Como no tengo tiempo material (Tambien me quedan cuatro libros) para meter las chapas infames a las que acostumbro he decidido darme al formato blog- o sea, brevedad- y ser, por una vez, directo.

No he visto las anteriores peliculas de Bourne. No ha sido obstaculo para ver esta. Paul Greengrass filma como Dios. Quizas pueda ser el primer tipo que hace cine europeo comercial hollywoodiense. Lo considero un modelo a seguir. La secuencia en la estacion de Waterloo es una obra maestra. Hay alguna fantasmada de guion notable (la entrada de Bourne en el edificio de los malos es pura trampa basada en el efectismo) pero no importa. La historia tiene UNA TRAMA, toda la pelicula. Y te la comes. Y avanza. Y no te aburres. No te aburres nunca. El cine de accion deberia ser eso. Jo, que gozada.

El pasado Martes me pasaron una pelicula de un director espanol que no conocia: Rafa Russo. Para mas senas, tiene un goya en su poder por el cortometraje "Nada que Perder". No sabia nada de la pelicula, solo que la persona que me la paso me habia ensenado antes una secuencia descontextualizada y habia terminado con el corazon en un puno (En concreto en el puno derecho, pero esa no es la cuestion) Al parecer la pelicula se estreno como de por si se estrenan las peliculas espanolas: Mal (Y en Junio del ano pasado) Y nadie supo de su existencia. Supongo que habran oido hablar del Orfanato, pues lo mismo pero al reves.

El caso es que me puse a verla, por pasar el rato y por contextualizar la secuencia descontextualizada. Hay dos tipos de cine (bueno, hay muchos, pero para la clasficiacion que yo necesito hacer ahora digamos que hay dos) El lirico y el prosaico (Estamos pedantes hoy a las 20h) El Prosaico es lo que hace la mayor parte de la gente (Yo mismo, si pudiera hacer cine o en los cortos que ha podido hacer o los guiones que he podido escribir, hago cine prosaico) Rafa Russo hace cine lirico. El cine lirico tiene una complejidad mayor que el prosaico, porque te pasas la mitad del tiempo en un limite indeterminado entre: a)Hacer el ridiculo b)Parecer un nono de cojones o c)Que no se entienda una mierda.

Rafa Russo se mea alegremente en cada uno de esos seis limites y hace una pelicula lirica que se entiende, emociona y cada vez que va a llegar un punto que podria campar alegremente por los campos del ridiculo con sabor margarina light, el tio las resuelve con un salto mortal ¡y cae bien!.

El primer y tercer actos son estupendos. La fotografia y la realizacion le deben muchisimo al mundo del cortometraje. Hay algunos movimientos de camara que son tremendos y encima, y aqui ya me cogio por la parte baja: Hay una cancion de Tori Amos. La mujer que hablar con Muerte. La mujer que inspiro a Delirio (Si no saben de que estoy hablando lean YA El Alto Coste de la Vida o en su defecto "Vidas Breves")

Que gozada. Que delicia. Que maravilla. La he visto ya dos veces y no me canso. Si no la habeis visto pasar de mi y de todo e ir a verla y luego hablamos. Con esto quiero decir que hay spoilers por aqui abajo, pero sobre todo que VAYAIS A VER LA PELICULA.

Los personajes de Ratatuille son maravillosos. En Nemo o en Los Increibles, los personajes son magnificos, pero tiene- como mucho- dos caras. Dori se olvida de las cosas, Marlin quiere proteger a su hijo, etc. Aqui no. Aqui Remi (la rata) tiene como diecisiete matices: Es egocentrica, apasionada, inteligente, carinosa, egosita, rebelde... Y Linguini es Torpe y encantador y de pronto parece que se le sube a la cabeza el exito y luego es inseguro... Y el magnifico personaje del critico con la MEJOR SECUENCIA que yo he visto en el cine en muchos meses...

Las tramas. En las anteriores peliculas de Pixar habia como mucho dos acciones que transcurrian en paralelo, quizas acompanadas de, como mucho, una historia de amor. Aqui hay al menos cuatro tramas a la vez. Esa complejidad del guion no hace que la historia se haga mas densa, al contrario.

Lo que cuenta: El magnifico mensaje de la pelicula, curiosamente contrario al que planteaba Los Imposibles (Dirigida tambien por Brad Bird) La pasion por crear, el considerar que cualquiera puede hacerlo, que en cualquier caso nadie es especial. Que las cosas que se hacen apasionadamente merecen nuestro respeto aunque salgan mas, que es mejor amar al mundo y luchar por el que odiar el mundo y luchar contra el, la curiosidad como motor de la existencia, la rebeldia como motor de las transformaciones humanas... Etc.

Hay un capitulo de Los Simpsons, no recuerdo exactamente cual, en el que pasa una situacion que tampoco recuerdo bien, pero hay un momento en el que alguien (Quizas Bart) responde a alguien que plantea que los creadores, artistas, etc. Nos lo deben todo al publico, diciendo que el publico deberia estar agradecido por las miles de horas de satisfaccion que nos han provocado los artistas, etc.. Quizas sea Bart hablando de Krusty con el dueno de la tienda de tebeos, puede ser.

Para mi, eso es la pelicula de Los Simpsons. No se si es mejor que la serie, mejor que cuando la serie era no se que, una argucia comercial o el deseo de ver a Homer en pantalla grande. No lo se y me da igual. Una pelicula que empieza con Bart escribiendo "No descargare esta pelicula de Internet" en la pizarra (Senal inequivoca de que ya lo ha hecho) y con Homer preguntandose porque ha ido al cine a pagar por algo que puede ver gratis, merece todo mi respeto.

¿Capitulo alargado? No se que es eso. Quizas es que despues de mas de 300 episodios, Los Simpsons han alcanzado un mito que les hace sombra. A veces tengo la sensacion de que luchan contra si mismos por ser mejores. ¿Serian malos los nuevos capitulos si no existieran los anteriores? Ni idea, pero intuyo que no. ¿Serian los anteriores peores sin los emitieran ahora y tuvieran a los de ahora como sus predecesores? Tres cuartas de lo mismo.

Por otro lado, siempre me ha parecido que Los Simpsons tenian el equipo de guionistas mas inteligente de la television y que sus dardos, a veces, eran tar certeros que no lo parecian. Dicen que han perdido su mordiente, pero yo no dejo de maravillarme ante de la idea de convertir la lucha contra la polucion y por el medio ambiente como una excusa para a)Hacer negocio b)Hacer la guerra y c)Controlar a la poblacion. Me parece una idea taaaaaan buena, que no puedo dejar de maravillarme. Un poco como la presentacion del artista invitado de la pelicula y su reflexion sobre la clase politica norteamericana. Mitico.

La animacion es impresionante, los chistes cuidados. El humor fisico magnifico y tiene todo lo que es marca de la casa (incluyendo los suenos surreales) Pero lucha contra su propia sombra. ¿Como darle peso a todo el universo de personajes sin descompensar con respecto a los autenticos protagonistas? ¿Como hacer para no echar a alguien de menos? Por ejemplo, al maravilloso Ralph o a los miticos Kang y Kodoss.

Vamos por partes. A todos los que se han leido el libro y han mascuyado, gritado y se han indignado en mayor o menor medida porque la pelicula era incomprensible ya que faltaban todos los detalles importantes, puedo decir que no (Porque no me he leido el libro) La pelicula se entiende perfectamente, no se si sera fiel al libro, no se si se fusilara todas las historias secundarias, los detalles maravillosos que hacen a la novela lo que es, etc. Pero se entiende. Entre otras cosas porque plantea un conflicto de una simpleza pavorosa, a saber: El Ministerio de la magia se niega a aceptar que Los fucking Voldemort ha vuelto e intenta controlar la escuela de magos Hogwgarts. Harry Potter y los suyos se organizan de forma paralela para luchar contra el mal. Eso es todo. Ademas Harry se besa una vez con una nina MUY sosa y tiene unos suenos que le llevan de la mano a la conclusion de la pelicula. Punto y Final.

La pelicula me gusto mas que la anterior, aunque creo que se debe a que ya tengo asumidos las virtudes y los defectos de las mismas (Que me temo que son las virtudes y los defectos del libro, solo que en el libro hay ademas todos los otros detallitos molones e historias secundarias, etc.)

En mas o menos todos las peliculas Harry ira descubriendo cosas (generalmente a traves de otros y no de su propia inteligencia/ capacidad) que le llevaran irremediablemente a una trampa o un encuentro con el maligno.

En mas o menos todas las peliculas Harry estara levemente insoportable durante unos minutos y luego tendra una c onversacion trascendente con alguien que le recordara que necesita a sus amigos o que no debe tener miedo a alguna cosa valiosa para el futuro. Harry sonreira un rato hasta que la siguiente desgracia le vuelve a compungir y aislar.

En mas o menos todas las peliculas alguien sabra algo sobre Harry y no se lo dira para protegerle, ignorar lo que se supone que no debe saber para ser protegido le llevara, casi sin remedio, a una trampa.

En mas o menos todas las peliculas alguien morira y segun se acerquen las ultimas sera alguien importante. De alguna forma extrana, su muerte nos dejara frios como un pescado recien sacado del mar. La Orden del Fenix no es una excepcion.

La orden del Fenix nivela mas hacia el lado bueno que hacia el malo. Nada molesta y hay algun momento emocionante (Toda historia con colegio internado, ninos y ninas con uniforme que se rebelan de forma infantil contra una autoridad injusta incluye esos planos tan molones en los que se alinean los dos bandos y gente como Neville demuestran lo extremademente molones que pueden llegar a ser)

La conclusion (y por lo que me cuentan no es muy distinta al libro) de que oh sorpresa, Harry tendra que enfrentarse en un duelo a muerte a Lord Voldemort, no creo que sea una sorpresa para nadie y por tanto, tampoco tiene mucha fuerza con gran secreto revelado de la quinta pelicula.

Ahora bien, quizas es que yo no me di cuenta al principio, pero siempre habia pensado que la narrativa Potteriana iba a ir un poco mas alla de "El Bien contra el mal" en su simpleza mas absoluta. Debo reconocer que las dos frases que le dice Mister Potter a Voldemort en su pelea son la cosa mas nona, tontorrona y falsa (Y reaccionaria) que he oido en una pelicula con chavales desde hace mucho tiempo. El rollo "como eres malo no sabes lo que es la amistad y no tienes corazon y tralari, tralari", como que no cuela.

Abyss, como sabeis es una jodida obra maestra que yo vi pro primera vez con diez u once anos. Es decir, era un nino. Y me apasiono y ayer la vi y pensaba "Pero... Este guion es la leche", pero no solo es la leche porque el ritmo sea brutal, los personajes interesantes, complejos, fuertes, tengan mas de veinte anos y no vayan en tanga por la vida, etc. Es que el final de Abyss son casi diez minutos de un tio solo en una fosa abisal y su ex-mujer hablando con el a traves de un micro. Si, luego salen los marcianos y tal, pero el nudo dramatico es ese. Un tio solo en un abismo y su ex hablando con el. Dos primeros planos y a tomar por culo. Insisto. La vi con DIEZ ANOS. Era un nino y flipe.

O sea, que el cine de entretenimento y el cine "para ninos" tiene que tener guiones chulos, personajes complejos, etc. Los ninos no son adultos gilipoyas, sino ninos. Tienen que poderse fascinar al igual que los adultos.

Bajo Las Estrellas Es el estreno en la direccion de largos de Felix Viscarret. Aunque me parecio que la pelicula tenia algun problema de ritmo, hay que reconocer que tanto la factura tecnica, como los dialogos y las interpretaciones son excelentes. Mencion especial para Alberto San Juan que, directamente, se sale. Cuando hay gente que cuenta las cosas mejor que uno lo mejor es citarles-. Basicamente, coincido con la critica del

Oceans Thirteen En mi opinion, la peor de las tres peliculas de la saga Ocean. Una historia de lo mas simplista contada de forma aparentemente compleja. Los trucos utilizados en las anteriores aqui aparecen esclerotizados y el tono cool ha dejado paso a una socarroneria sin demasiada gracia. Ademas tiene la bochornosa secuencia de Ellen Barkin y las feromonas, que es- tristemente- dificil de olvidar.

Francisco Vargas Quevedo firma esta cinta entre la fotografia expresiva del Bunuel de Los Olvidados y la poetica del movimiento zapatista. Casi un tratado aontrologico lleno de primeros planos, rostros endurecidos, manos, ojos grandes y curiosos. El violin es una historia escrita con la intencion de mostrar un tiempo otro. El tiempo de la espera y el proceso. Es la rebelion mexicana llevada a cabo por los indigenas, pero no la de los Altos de Chiapas del 94, sino la de la silenciosa guerra contra el olvido que enarbolan desde hace 500 anos. El tiempo del silencio, de la espera, de la paciencia y la muerte. Acosados por paramilitares y aun asi rebeldes, organizados.

La historia no podria ser mas sencilla. Mientras el hijo de Don Plutarco, su nieto y el propio Don se encuentra desplazados de su pueblo por los militares. El Hijo de Don Plutarco colabora con La Guerrilla, pero al llegar los militares no ha podido sacar el arsenal de armas que guardan para organizar su revuelta. Don Plutarco elabora un sencillo plan, con su violin como protagonista para ayudar a su hijo, mientras le cuenta historias a su nieto y le prepara para el futuro.

Una sencilla trama de intriga para acompanar el retrato de esa espera. De ese ir y venir confiando en las sombras de las montanas. Un tiempo alejado del evento y los fuegos artificiales: Otro cine. Otra mirada.

Devo decir que el final me parecio un pelin ideologico. No por falto de realismo, sino por la sensacion de fatalismo irrenunciable que contrasta un poco con el magnifico tono de rebeldia que impregna la pelicula.

Huyendo de la furia electoral y el recuento futbolero del minuto a minuto, ayer por la tarde corri a refugiarme en un cine. La noche del viernes habia recibido una intempestiva llamada a las dos de la madrugada de mi companero habitual de faenas guionisticas para indicarme que debia ir sin falta a ver Half Nelson. No reordaba un extado de excitacion tal desde que estrenaron 21 Gramos. Asi que mi cita del domingo con el cine quedo sellada el viernes.

Half Nelson es una pelicula de profesores y por tanto de pedagogia. Todos los anos se estrenan dos o tres peliculas de este tipo, la anterior que recuerdo decente es "Hoy Empieza Todo" de Tavernier. El resto suele ser, basicamente, basura reaccionaria. Peliculas que producen una relacion exterior entre el profesor y los alumnos partiendo de que el profesor tiene un conocimiento o una etica que puede imprimirle a los alumnos. El componente racista suele ser habitual (Salvadores blancos de ninos negros) y el militarista tampoco anda cojo (Crios que necesitan disciplina) En el lado progre tenemos la aficion por las artes "la musica salva a los ninos" "Si sacan lo mejor de su corazon", etc. Half Nelson es una hostia en la cara a las distintas variantes. Una hostia llena de heroina.

El desarrollo es mas fascinante si cabe porque destruida la exterioridad moral para juzgar lo que es bueno y lo que no, asumida la imposibilidad de situarte "fuera de la situacion" empieza la autentica pedagogia en la que el profesor tambien aprende a la vez que ensena. En la que lo importante son los principios que alimentan los proceso y no las fechas y los nombres.

Ryan Goslin encarna a este profesor dolorosamente consciente de sus actos e incapaz de escapar a ellos con una serenida apabullante. Una de las mejores interpretaciones que he visto en muchisimo tiempo.

De fondo, en destellos apasionantes, una critica brutal a la generacion Vietnam y al espectro sociologico del votante "democrata y Anti Bush" (Aterradora la secuencia de Goslin cenando con su familia) A la desesperacion racional de quien conoce las causas y las consecuencias y un final maravilloso que consigue que la dureza seca que impregna toda la pelicula tenga una salida no ideologica (El fatalismo izquierdista que tanto impera en el cine comprometido) y satisfactoria, en su dureza.

Verbinski, que se ha esforzado a lo largo de su carrera en que no le confundamos con un autor, se situa mas alla de la posicion que ocuparon Spielberg y Lucas: ya no hay atisbo de nostalgia por un cine ya imposible, sino dinamismo perpetuo y voluntad de aturdir. Tampoco hay una recreacion sintetica del viejo espiritu del serial de aventuras: tan solo una logica de video-juego que, entre otras cosas, sustituye la muerte por una suerte de eterno retorno digital (de personajes, ideas y situaciones)

Empiezo mi critica con las palabra de jordi Costa porque incluso antes de ver la pelicula ya me habian parecido interesantes. En el post extendido van mis comentarios, sin grandes spoilers pero con alguna cosilla que quizas no quieras leer si no has visto la pelicula. Por cierto, ¿que os ha parecido el cross over con la Primera de Harry Potter?

Fui el viernes a ver dos peliculas. De la primera hablare digamos que mananam se llamaba "El Violin" (digamos que esto es un teaser articulo del de manana) La segunda se llamaba Zodiac. Para que contextualicen mis palabras debo decir que me gustan todas las peliculas dirigidas por David Fincher y que considero "Seven" y "El Club de Lucha" cosas extremadamente importantes en la historia del cine y en la historia en general. Que "The Game" me parece en cualquier caso cojonuda y que "La habitacion del Panico" me gustobastante. Alien 3 casi no la recuerdo, decir que me parece la peor de las cuatro no quiere decir nada porque las otras tres me parecen obras maestras de tres maestros de la historia del cine y que cada uno de ellos tiene al menos una pelicula entre mis favoritas sino mas (Titanic, Amelie, Blade Runner, por ejemplo)

Otro consejo, no leais las criticas sobre Zodiac que encontraran en los periodicos porque les van a joder la pelicula. No dejeis que las espectativas os destrocen la pelicula (Esto que escribo tambien podeis pasar de leerlo)

¿Que mas? Fui a ver Zodiac con otras tres personas, al menos a dos de ellas no les termino de convencer, la tercera se mostro apatica. Y una de la tres considera que "El Club de la Lucha" es una de las mejores peliculas de la galaxia conocida.

En cuanto a mi... Me parecio un peliculon. Entiendo que haya mucha gente a la que no le guste, pero creo que los motivos por los que a la gente no les gusta son los motivos por los que me encanto. El problema no es de la gente, sino de la industria. Digamos que el propio Fincher puso el cine de psicopatas en el centro de la industria y desde entonces todo el mundo juega a ser John Doe, sin exito. Las paustas estan marcadas y hay cosas que no se puede hacer en una peliculas de psicopatas y otras cosas que no se pueden hacer en una pelicula en general.

Podemos aceptar una pelicula en la no se coja al psicopata e incluso podemos aceptar que vamos a ver la pelicula sobre el psicopata al que nunca pillaron, pero la industria nos ha ensenado que eso significa que en un momento decisivo de la historia, cuando los policias tienen pillado al psicopata el hara algo sorprendente que nos dejara boqueabiertos y saldra de la situacion. En Zodiac no pasa eso. No hay ni una carrera, ni un tiroteo, nada. Y dura alegremente tres horas.

Pero lo mas importante de todo, si hay una pista clave en la historia debe aparecer en el momento justo gracias al talento de los investigadores o la pericia deduciendo codigos de geek de turno. Si hay un personaje importante no puede salir en la pelicula tres minutitos, despacharte despues conque "ha desaparecido" y darle una secuencia clave al final para que todo el mundo se pregunte ¿Y esto porque no lo han hecho hace dos horas?... Salvo que...

Salvo que la historia que cuentas va justo de eso, de que "hace dos horas" ese personaje no estaba donde debia. Que las pistas no solo no son concluyentes sino que casi aparecen por el deseo del que las bsuca de darle un sentido a su busqueda. Porque en la pelicula se elaboran al menos tres teorias sobre la identidad de Zodiac y es dificil saber cual es mas creible. Si, hay una que nos parece mas creible, pero solo porque esta al final de la pelicula y nos gusta que las peliculas saquen conclusiones, nos deja tranquilos, pero es que el cine de Fincher mola por no dejarnos tranquilos, por hacernos preguntas desasosegantes sobre la falta de sentido, sobre el mal, sobre la falsa sensacion de seguridad o sobre mecanismo de defensa de nuestras vidas que son mas prisiones que otra cosa.

Y las preguntas de Zodiac son magnificas. Por ejemplo, ¿por que nos obsesionamos con una persona que ha asesinado a nueve personas, cuando en nuestras calles mueren decenas cada dia? ¿Es el mal y el terror que nos produce un mecanismo para darle sentido a nuestras vidas?

Dicho esto, las secuencias de los asesinatos son devastadoras, la ambientacion y la musica de mear y no echar gota, las interpretaciones tres cuartas de lo mismo (Lo de Mark Ruffalo y Robert Downey Junior es mas que tremendo) y la realizacion de Fincher es... como siempre, la hostia.

me habian llevado a plantearme si merecia la pena o no ver "El Buen Pastor" La segunda pelicula como director de Robert De Niro. Sin embargo, al viernes me dije "que cono, lo peor que puede pasar es que sea aburrida, pues me duermo".

El Buen Pastor, es verdad, es larga. Quizas demasiado larga. Es posible que se le puedan quitar veinte minutos, aunque no creo que la sensacion de pesadez que inhunda a una parte del publico que ve la pelicula tenga que ver con la duracion de la misma, sino con su tempo. El Buen Pastor es lenta y laconica. Le pasa algo parecido a lo que le pasaba (o a mi me pasaba) con El Hombre Que Nunca Estuvo Alli, de los Hermanos Coen. Es casi una version politica y complejisima de El Hombre Que Nunca Estuvo Alli, solo que el "el hombre en cuestion" casi siempre esta alli y ese "estar alli" es nada menos que contar la guerra fria a traves de los frios ojos de un Matt Damon en estado de gracia absoluto.

En El Buen Pastor hay mas cine interesante (por muy lento que sea) que en buena parte de las peliculas estrenadas el pasado ano. De Niro construye una pelicula de espias sin una sola carrera, tiroteo, bombardeo (bueno, hay un bombardeo, pero es de langostas) Y consigue mantener el interes en un momento en el que el cine es pura adrenalina. Solo por eso merece la pena echarle un vistazo.

De Niro narra en su pelicula el periodo de formacion de la CIA enmarcandola en dos momentos muy importantes para "La Agencia". Su nacimiento- ligado a la clase alta intelectual blanca, profundamente racista y protestante que se siente representante de la "autentica america" (Dejando fuera- como bien se explica en la antologica secuencia con el no menos antologico Joe Pesci- a negros, italianos, judios... Y ultimamente a asiaticos, arabes, hispanos, etc.) Y su primera gran derrota en Bahia de Cochinos- cuba. Cualquiera que sepa un poco de la historia posterior de la CIA, sabe que lo siguiente que hizo "La Agencia" para preservar "la democracia" fue organizar el asesinato del presidente Kennedy. Es decir, dar un golpe de Estado.

De Niro no cuenta la historia de "esa CIA" que tanto hemos visto en el cine, sino de la que se dedico durante los anos cuarenta a aprender criptografia con los ingleses y luchar contra los nazis y en los cincuenta y sesenta a hacer la tercera guerra mundial con la Union Sovietica.

Para un amante de las historias de espias de estilo reposado (o sea, las realistas) Esta pelicula es un bombon: Oficina, lectura de informes, codigos secretos, rivales con los que se tiene mas confianza que con los propios superiores, traiciones constantes, trampas, mas codigos, etc. El enfrentamiento de "Madre" y "Ulises", dos personajes sin patria, funcionarios grises y desapasionados, herramientas de matar de regimenes que aparecen como homologos esta contado con una sobriedad propia de "El Padrino".

De fondo hay una historia que latia de manera mas intensa en "Una Historia del Bronx" Una historia de padres e hijos y de buscar referentes, con una Angelina Jolie espectacular (En todos los sentidos- aunque casi demasiado espectacular fisicamente) y una forma de engarzar la historia politica con la personal, efectiva, aunque quizas mas topica.

Grindhouse es al cine lo que el Sandinista de The Clash a la musica. Un triple Long Play a precio de sencillo. Dos peliculas por el precio de una. Y mucho mas. Tanto es asi que parece que la todopoderosa Miramax va a partirlas por la mitad para su venta internacional y es posible que incluso lo hagan igual en Estados Unidos tras unas semanas de estreno sin el exito esperado.

300 quedara para la historia como la pelicula de entretenimiento del ano (La Historia se escribe mucho antes del estreno de las peliculas) Pero para quien esto escribe el autentico ejercicio de posmodernidad, creatividad desbordante, bien cine comercial y pulso narrativo lo tienen las dos piezas que componen este homenaje al cine de serie "z": Peliculas de terror de bajo presupuesto, cine de artes marciales, etc. Un genero que conozco poco y sobre el que no voy a externder.

Por otro lado, no nos enganemos. Grindhouse son dos peliculas. Las dos comparten algun personaje y alguna localizacion, pero si union es meramente formal. Si nos contaran que se han ideado como dos peliculas independientes nos lo creeriamos sin pestanear. Su punto de union es el universo filmico que comparten. Su territorio simbolico y eso, evidentemente, es lo importante. Asi que no caben comparaciones entre ambas.

Ademas de las dos peliculas, Grindhouse se presenta con cuatro cortometrajes de falsas peliculas a cual mas bizarro (Con el de Eli Roth a la cabeza) De estos, me quedo con el de Machete. El que desarrolla la historia aparentemente mas entretenida. Entre otras cosas, porque contiene una de las mejores frases de la pelicula: "Jodieron al mexicano equivocado".

Robert Rodriguez es un genio de los formatos. Sus historias pueden no ser muy interesantes, pero tiene una capacidad visual impresionante y un sentido del ritmo que te deja seco (El Montaje de la pelicula, asi como la fotografia, son suyos tambien). En esta ocasion, pone todo su talento al servicio de un genero o sub genero. El de las peliculas de zombies. Rodriguez atiende no solo a su historia sino, sobre todo, a la copia y mejora de un formato determinado incluyendo en el mismo una serie de arquetipos que se desarrollan de forma autoconsicente en pantalla, buscando de forma permanente la complicidad del espectador. La peliculas es premeditadamente mala. Los dialogos macarras son premeditadamente macarras. La accion es premeditadamente exagerada (Incluyendo una secuencia espeluznante- y a la vez divertidisima- protagonizada por el hijo del propio Robert Rodriguez)

La aproximacion al formato incluye un "afeamiento" (Tambien premeditado) de todo el metraje, con virados de color, zonas casi quemadas de luz y una fotografia aparentemente poco cuidada. El guion es un crescendo de situaciones violentas y personajes extremos donde prima el macarreo. Todos los personajes son duros y crepusculares, pura pose. Lo cual hace sus interpretaciones mucho mas divertidas. Las conversaciones entre la bellisima Rose McGowan y su ex-novio "nunca fallo con una pistola" son de traca.

Premeditacion, exageracion, parodia y homenaje a la vez. Planet Terror cuenta la historia de un pueblo que se encuentra demasiado cerca del tipico cuartel militar con la tipica radiacion toxica. El resultado de la "aproximacion" es una cantidad desorbitada de zombies campando a sus anchas por el pueblecillo. Tiros por doquier, gore y casqueria de la buena. Alguna secuencia es desagradable, asi que ojo los estomagos delicados.

Tarantino es el puto amo. Si hay algo que no diria del cine de serie "b" es que, a priori, sea especialmente feminista, ¿no? Pues bien, la primera en la frente. Death Proof es la pelicula mas feminista que se ha visto en los ultimos... dos anos (Es posible que la anterior fuera Kill Bill II). ¿Seguimos?

¿Recuerdan el fragmento de Four Rooms dirigido por Tarantino, ese de la apuesta de los dedos y los mecheros y Un Hombre en Rio? Death Proof comparte el mecanismo narrativo de esa historia y gracias a esta pelicula he aprendido algo sobre los guiones de Tarantino y los guiones en general. Tarantino es un maestro de la emocion. Consiguio que la sala en la que estaba viendo la pelicula chillara de gozo (literalmente, la gente aplaudia, daba voces, levantaba los brazos...) en los ultimos 20 minutos de pelicula.

Death Proof no tiene nada que ver desde el punto de vista argumental con Planet Terror. Su primera media hora es una sucesion de canciones excelentes y mujeres bellisimas teniendo conversaciones "marca de la casa". El motivo es que Tarantino sabe- como Hitchcock sabia cuando estreno Los Pajaros- que el publico entra en la sala con exceso de informacion y sabe que va a ver una pelicula de un tipo determinado, con lo que cuanto mas tarda en empezar la pelicula que el publico ha venido a ver, mas tension genera. Desde el primer plano vemos intacta la capacidad de composicion del plano de Tarantino. El resto es un ejercicio de seduccion de la camara con largos planos relentizados usando la steadycam. Todo eso mezclado con la imponente mirada de un Kurt Russell en estado de gracia y haciendo uno de los papeles mas autoparodicos de su carrera.

La cinta de Tarantino se divide claramente en dos parte, siendo la segunda un prodigio de planificacion, rodaje y tension con una secuencia de accion de las de cortar la respiracion. Aunque de toda la pelicula me quedo con un plano secuencia de tres mujeres (Incluyendo a la magnifica Rosario Dawson) hablando en una cafeteria durante seis minutos, sin parar, que es una gozada de no creerselo.

Hay gente que hace peliculas que son como catedrales. Inmensas, inabarcable. Peliculas que hacen que uno se sienta pequeno e insignificante. Peliculas que arrastran todo a su paso como un gran tsunami. No se si 300 es una de esas peliculas, pero creo que esta hecha con esa intencion.

Reconzco que debe ser un conazo enorme ir conmigo al cine en los ultimos tiempos. Me preocupa que me este volviendo un tocahuevos. Un pesado que no disfruta de las cosas. Un memo cerebral. Luego reconzco que me sigo riendo con las peliculas que me hacen gracia, me sigo emocionando con las que me emocionan, etc. Sigo gozando en el cine. Pero voy a ver 300 y me digo "a ver, esta pelicula deberia gustarte" Y nada. A ver, no es que no me guste. Me entretiene, pero no paro de verle las intenciones y mi cerebro va a mil por hora. De ahi lo de que sea un conazo. Hay como un filtro entre la pantalla y las tripas y es un filtro muy preciso.

En este caso, mas que una copia estricta hay una adaptacion mas o menos trabajada, pero la verdad es que todos los anadidos me han parecido horrorosos. La trama de la mujer de Leonidas es tontisima y repetitiva y la parte del arbol de cadaveres realizado por los malvados persas (Que malos que son, por cierto) no tienen ningun sentido y solo sirve para retrasar un poquito la llegada a las termopilas. A parte de eso, hay que reconocer que la fidelidad al original es notable, pero algo ha cambiado.

300 es un comic, es manejable. Te lo puedes llevar a casa, leerlo y disfrutarlo. Es violento, esta muy bien planificado y cuenta una historia de sacrificia que, aunque es de lo mas fachilla, tiene epica y funciona muy bien. La pelicula es demasiado. Es inmanejable. Es el barroco de la posmodernidad. La crisis del modelo. En el tebeo los persas son mercancias accesorias. Dan igual. Aqui es realmente vergonzoso lo que llegan a hacer con ellos. Los niegan. Desaparecen de la pelicula. Se les niega su condicion de realidad: O son masa a punto de morir, o son figuras sin rostro (Y hasta ahi es como en el comic) o son deformes seres mutantes con brazos como sierras y monstruos gigantes (Y ahi ya estamos en el pasote videoclipero) Lo malo es que de por medio desaparece la epica. Lo malo es que de por medio la hazana de Leonidas pierde fuerza.

Lo peor de todo es que ahora ya estoy casi convencido de que Snyder no esta preparado para dirigir una adaptacion de Watchmen (Si es que alguien lo esta. Que tengo mis dudas) Espero equivocarme, pero preferia mil veces a Paul Greengrass.

Hay gente que hace peliculas que son como catedrales (Hace poco que vi 300) y hay gente que hace pequenos refugios. Michael Winterbotton puede que no haga pequenos refugios filmicos, pero desde luego no hace catedrales. Puede estrenar una pelicula solvente y original al ano y consigue ser de las cosas mas interesantes del mismo dia si, dia no. No siempre acierta, pero esa es la clave de su cine. El riesgo. Me atreveria a decir que ni siquiera es el riesgo, sino la libertad. El Cine le parece algo tan pegado a su vida que no lo considera algo trascendente y terriblemente importante, con lo que puede tomarselo como un juego. El Juego de una mente inteligente. Asi puede hacer peliculas geniales y muy diferentes ano tras ano. Que a veces se pasa de listo, sin duda. Pero en seguida aparece su siguiente pelicula y te esta contando una historia distinta cada vez. Y lo mejor es que nunca da sensacion de improvisacion (en el mal sentido. En el sentido descuidado) Al contrario, parece un nino jugando.

Tristan Shandy es la adaptacion de un libro que no he leido, pero del que consegui algunos datos antes de irme a ver la pelicula: "Tiene nueve volumenes", "la mayor parte de el son disgresiones sobre el propio arte de narrar", "tarda muchisimo en contar un simple parto" y "tiene una fina ironia" son algunas de las noticias que tengo del mismo. La pelicula es, en ese sentido, una adaptacion de lo mas fiel a su espiritu. Un ejercicio de metalenguaje de lo mas inteligente.

A medio camino entre pelicula de epoca y reflexion sobre el cine dentro cine. La pelicula resulta a la vez, cinica, tierna y muy divertida. El combate por el protagonismo de su actor protagonista y la reflexion sobre la paternidad estan narradas con una gran solvencia. Nunca te aburres (O yo al menos no me aburri) Una anecdota que nunca termina que contarse, una batalla que nunca termina de verse y unos planes que nunca salen como uno esperaria. Parece que ese es el sentido general de la propuesta. Hablar de la vida hablando de un rodaje. Todo y nada.

Hace unos anos era imposible ver una pelicula americana en la que los japoneses no fueran unos estupidos avanzados tecnologicamente cuyo unico objetivo era hundir a los USA. La cosa era tan chusca que el personaje se convirtio en un arquetico del americano paranoico que tan bien retrato Joe Dante en los Gremlins con aquel veterano de guerra entranable, pero completamente loco. Senalo esto para indicar que el punto de partida de la ultima pelicula de Clint Eastwood es un triple salto mortal si se tiene en cuenta la cinematografia reciente de su pais. Contar la toma americana de Iwo Jima desde el punto de vista japones implica acercarse al enemigo desde su punto de vista. Una proeza que merece respeto desde su mismo punto de partida. Pero es que ademas la pelicula es buenisima.

Si en Banderas de Nuestros Padres veiamos a unos jovenes militares norteamericanos que terminaban por encontrar como unica patria a sus companeros de guerra ante las manipulaciones de politicos y otros burocratas, aqui asistimos al retrato individualizado de varios personajes singulares atravesados por el acontecimiento Iwo Jima. El General que lidera la batalla japonesa y un panadero obligado a servir el ejercito del imperio contra su voluntad son las dos caras de un mismo rostro. La valentia y la cobardia. La servidumbre hortodoxa a un ideal superior y la rebelion heterodoxa de imponer un criterio propio. La imposicion de valores trascendentes (patria, nacion, imperio, etc) y sus consecuencias sobre miles de soldados cegados por el heroismo o atravesados por la cobardia. Como en muchas peliculas de este tipo cada personaje descurbira en si mismo su contrario: El valiente sera un cobarde, el heroico huira a la primera de cambio, etc. Pero Eastwood se las arregla (a traves de un magnifico guion) para componer un relato humano de cada personaje.

Ken Watanabe compone un maravilloso personaje con los mimbres del general Kuribayasi. Un hombre que no quiere aceptar que sus hombres se suiciden en combate, que prefiere replegarse a morir. Un personaje heterodoxo y representante de una dignidad increible. Memorable es la secuencia en la que le preguntan si mataria a un soldado americano con el que esta cenando en caso de estallar la guerra y el responde que espera no tener que tomar esa decision porque, por supuesto, tendria que hacerlo.

Eastwood filma Cartas con unos tonos apagados cada vez mas oscuros, como una pesadilla psicologica atravesada por la bombas. En una de las secuencias mas brutales del cine de los ultimos anos un grupo de soldados japoneses se revienta la tripas con granadas ante la posibilidad de rendirse en un crecendo dramatico de poner los pelos de punta.

A mucha gente inteligente, conocedora del mundo del cine y con mas de dos dedos de frente, The Host les ha parecido una gran pelicula. Destacan de ella la originalidad de su argumento, su capacidad critica, su ritmo, su capacidad para mezclar distintos generos en una sola pelicual y a veces en un solo plano, etc. Son gente seria. Haganles (al menos) tanto caso como a mi.

Porque a mi no me ha gustado The Host. No me ha gustado lo que es nada. Y lo peor es que me ha parecido una tomadura de pelo mayuscula. El motivo principal es que tiene un guion que no hay por donde cogerlo.

Como probablemente sepais The Host renuncia a las tinieblas y muestra a su monstruo con todas las de la ley desde el principio. Parece ser que esto es una gran novedad del genero. ¿No pasa lo mismo en Tiburon? Si, ya se que en Tiburon sale el monstruo de manera figurada (con unas maderas que se mueven, unos tablones que se hunden, un nino que desaparece de pronto) Pero sale. La emocion y la tension se construyen por la amenaza, no por el miedo a los desconocido. ¿No? ¿Asi que cual es la diferencia? Pues que en Tiburon el mecanismo narrativo es intuitivo y sugerente. Aqui lo que tenemos es el hiperrealismo CGI apabullante. El resultado (la emocion) puede ser similar, pero el proceso es completamente distinto. Toda la pelicula funciona como este mecanismo. El proceso no importa y la credibilidad concreta tampoco. Lo importante es el efecto. Le emocion debe crearse a costa de lo que sea y eso incluye la credibilidad de la propia historia,

Paris J'taime es una pelicula coral compuesta de 18 peliculas pequenas. Una iniciativa que deberia repetirse una o dos veces al ano (o mas) como las buenas recopilaciones de relatos cortos. Por cierto, Sherlock Holmes meets Lovecraft es mi ultima adquisicion. El titulo es "Sombras sobre Baker Street" y pinta muy bien. Pero no nos desbiemos del tema. El caso es que los productores de Amelie han juntado a 18 directores de todo el mundo y les han dejado hacer lo que les ha dado la gana siempre que lo hicieran en Paris y que la tematica de fondo sea el amor. El resultado es un maravilloso soufle de sabores diferentes pero bien compenetrados.

Lo mejor que se puede decir de Paris J'taime es que se hace corta. La pelicula y sus piezas indiivudales. Que las piezas duren apenas cinco minutos es magnifico porque cuando una no te gusta no te da tiempo a aburrirte, ya casi estas en la siguiente. Me ha sorprendido la enorme variedad de lenguajes y propuestas en torno al amor que han surgido y debo decir que de los 18 cortos hay 15 que me parecen potables y tres infumables. De los 15 potables hay Seis o siete que estan muy bien y uno que es una maravilla casi imposible de creer.

Entre mis seis o siete diria: El de los hermanos Coen, el de Alexander Payne (que ha hecho que me reconcilie con un director que no me gusta mucho- aunque no he visto Entre Copas) El de Isabel Coixet, el de Walter Salles, el de Gerard Depardieu, El de Emmanuel Benbihy y algun otro. Un detalle sorprendente (o quizas no tanto) es que un par de los cortometrajes norteamericano toman el punto de vista de un turista en su relacion con la ciudad.

De profundis cuenta una sencilla y bella historia narrada a traves de imagenes con leves movimientos de animacion que se van engarzando a traves de fundidos encadenados. La musica es maravillosa. Una de las bandas sonoras que hay que tener. Y los dibujos de Prado asi como las sencillisima animaciones que los acompanan son una delicia. La historia es algo simple y a veces un tanto reiterativa, pero es una delicia para los sentidos. Una exploracion del fondo marino acompanando a un marinero ahogado mientras su mujer espera un regreso imposible es una magnifica mansion situada en una isla minuscula

Lenny es un biopic que narra la vida del mitico comico Lenny Bruce, magistralmente interpretado por Dustin Hoffman. La pelicula tiene un ritmo y una fuerza narrativa apabullante. Sus imagenes en un blanco y negro caso expresionista nos sumergen en un mundo atormentado y rabioso, lenguaraz y desvergonzado. El mundo de Bruce. La peliucla nos habla de la relacion del comico con su esposa y con la heroina (Hay una secuencia de siete minutos en plano fijo con Hoffman intepretando un monologo puesto de caballo que es para no creersela) Pero sobre todo de su lucha salvaje contra la doble moral de los conservadores en Estados Unidos que mientras mandaban a miles de personas a morir y matar, se ofendian si escuchaban a alguien decir "mamada" o "me gusta como mi novia me come el cono".

Autentico cine. De una dureza que ahora es muy raro ver en pantalla. Sin caer en el feismo gratuito. Como una cronica social del nuevo periodismo gonzo mezclado con el expresionismo aleman y las fotografias de siniestros que llevaban los tabloides a finales de los anos cincuenta.

Las peliculas inolvidables lo son gracias al azar, principalmente. Las buenas, por el contrario, se basan en otros elementos que, de alguna manera, son mas controlables. Normalmente (aunque no siempre) las peliculas inolvidables son tambien buenas peliculas. Quizas por eso hay que intentar hacer buenas peliculas sabiendo que el azar determinara muchas cosas. Olvidate de Mi es una pelicula inolvidable, mientras que La Ciencia del sueno es una pelicula que podria ser mejor si uno de los elementos de la misma: El guion. Fuera un poco distinto. El unico problema que tiene La ciencia del Sueno es que cuenta una historia que no evoluciona. El personaje protagonista es exactamente igual al principio de la pelicula que al final y eso genera una cierta sensacion de repeticion en lo que va sucediendo que al final lastra la pelicula un poco. En realidad, parece que el guion es una linea muy fina sobre la cual deplegar un ejercicio de produccion de imagenes maravilloso.

Una de las cosas que mas me han gustado de la pelicula es su concepcion analogica de la puesta en escena. Siendo una pelicula llena de efectos especiales y recreacion de mundos, estan expuestos de manera completamente verosimil y ligando los objetos a un mundo expresivo muy sensitivo, blando. Un mundo lleno de terciopelos, carton, cortinas, telas de todo tipo. Es como la portada de esos discos de pop electroacustico.

La ciencia del sueno cuenta una historia de amor analogica en tiempos virtuales. Una historia en la que la imaginacion es tanto refugio como expresion constante de los limites para relacionarse con la realidad, hasta el punto de que la imaginacion como "fuga de la realidad" nos desvuelve un espejo tenebroso de aislamiento e incapacidad de relacion que Gael Garcia Bernal expresa a las mil maravillas.

Gondry construye un artefacto emocional y sensitivo, pero falla un poco con la historia detras del relato. Aunque yo habria estado dos horas mas en el cine viendo a Charlotte Geinsbourg sin despeinarme: Esta elegante, encantadora, dulce y atractivisima.

Michael Arndt ha escrito la comedia mas lucida, tierna, critica y maravillosa del hollywood del ultimo ano. Su anterior guion es la menos redonda, pero tambien bastante potable "Adictos al amor" (donde se pronuncia la mitica frase "Voy a violar tu craneo").

Pequena Miss Sunshine es una hostia en la cara al mundo de las apariencias, al mundo del exito, la terapia y la competitividad neoliberal. Es una descarga de realidad en un mundo de falsas apariencias. Y encima es divertida. Y ademas sus protagonistas estan estupendos sin excepcion.

Una familia disfuncional (¿acaso existe alguna funcional?) se dirige en una cochambrosa furgoneta amarilla a un concurso de misses infantiles al que se ha suscrito la hija pequena y al que ha sido seleccionada porque la ganadora ha tenido un problema de salud. La furgoneta resulta una metafora perfecta de la propia familia, de sus diferentes maneras de abordar el fracaso y de rebelarse al mismo.

La historia nos va desvelando los motivos, pequenas miserias y recovecos de cada uno de los personajes con sentido del humor y mucha ternura. Muchas veces sin palabras, consiguen transmitir una sensacion de carino real, de proteccion, de ayuda mucho mejor que ningun terapeuta del mundo.

1) Su director y guionista: Christopher Nolan. Una de las voces mas interesantes del cine del Siglo XXI. Sus historias son obsesivas, estan rodadas con garra y mucho ritmo y a la vez son entretenidas. Dos ejemplos: Menento y Batman Begins

2)Sus protagonistas: Todos absolutamente excelentes. Christian Bale y Hugh Hackman como la pareja de magos enfrentada, celosa y condenada por su obsesion (que a la vez es fuente de su creatividad) Scarlett Johannson como la ayudante sensual y enamoradiza y Michael Cane como el mentor de moral ambigua. Si a eso le unimos la breve, pero poderosa, presencia de Andy Serkins y David Bowie, no hay excusas.

3)La historia que cuenta: La rivalidad (bien justificada) entre dos magos de principios del siglo XX se convierte en un tour de force para la inteligencia y la mala leche. La espiral de odios y mezquindades convertida en motor para la fascinancion. La busqueda de la magia en un mundo "asquerosamente real". La muerte y la redencion. La ciencia y la investigacion.

4)La trama y los giros: Es casi un ejercicio de metalenguaje. Nolan habla directamente al espectador. Ensena sus cartas y le dice "Te voy a enganar y voy a hacer trampas" y cuando te engana y hace trampas te dice "Ya te lo adverti" y a la vez te dice "Tu quieres que esto sea magico y te dejas llevar y asi es como te estoy enganando". Toda una reflexion sobre el arte de contar historias y su sentido.

Mel Gibson ha dirijido una de mis peliculas favoritas: Braveheart y ha protagonizado alguna de mis peliculas favoritas: Arma Letal 1 y 2, Mad Max y alguna otra que ahora se me olvida. Hace un ano o dos estreno "La Pasion de Cristo", que no me interesaba lo mas minimo y que no fui y a ver. Acaba de estrenar, como todos ustedes saben Apocalypto. Una historia de aventuras en los ultimos suspiros del Imperio maya (Del que conozco relativamente poco o muy poco, poquisimo) Lo primero que me ha llamado la atencion de la pelicula es que Gibson rueda con camaras digitales en un en genero cuyo grano ha sido hasta ahora el del celuloide y eso se nota: A algunos les parece que se nota para bien y otros nos deja un poco indecisos. A veces tenia la sensacion de estar viendo un documental de una pelicula de aventuras. En cualquier caso la decision estetica es de Gibson y su director de fotografia y es del todo respetable.

La pelicula cuenta dos historias: La primera de ellas es la concreta, el secuestro, transporte y posterior huida de un joven cuyo poblado es atacado por los Mayas en cueestion. La segunda es la abstracta y tiene que ver con la religion y las "metaforas sobre el mundo en que vivimos" (No lo digo yo, lo dice Gibson) En mi opinion, Apocalypto seria una gran pelicula si se hubieran quedado con la primera historia, porque la segunda es uno de los planteamientos mas reaccionarios que he visto en una sala de cine.

La primera, la de aventuras, esta contada con muchisimo ritmo y, sobre todo en la segunda hora, con una capacidad de sugestion admirables. Los planos, las interpretraciones, la fisicidad de los actores (Oh my, he dicho "fisicidad") Todo funciona a las mil maravillas. Es una pena que la primera parte se haga, en comparacion, algo lenta. Ademas, el recurso al deux ex maquina es constante en la primera parte y eso deja al personaje protagonista con menos fuerza de la que seria deseable. Afortunadamente la ultima hora es una maravilla.

La segunda, la de culpas y religion se resuelve en tres momentos: Una cita al principio de la pelicula donde se nos explica que las civilizaciones (terrible concepto) que son invandidas por otras y destruidas por ellas lo son en la medida en que estas ya estan podridas por dentro. Lo que uno se pregunta no es tanto por la situacion "emocional" del imperio de los invadidos, sino por el de los invasores y creo que en este caso la cosa quedaria en tablas. Es decir, una cosa muy cristiana y muy conservadora que dice "Por tus pecados moriras", pero no dice nada de los pecados de quien te mata. La fuerza invasora aparece como la que devuelve al status quo a esa "civilizacion perdida".

El segundo momento de religiosidad plena es la secuencia cumbre de la pelicula: Una ceremonia religiosa rodada con toda pompa y reliogiosidad, continuos planos cenitales, movimientos de camara completamente exajerados. El barroco que tanto mola en el cine de los Coen convertido aqui en una sublimacion de la imagen impostada. Pura religion.

La tercera son los ultimos minutos de pelicula que llevan a uno a preguntarse: "Si lo que Gibson buscaba era una metafora sobre el mundo de hoy ¿Cual es la civilizacion corrupta que se destruye por dentro? ¿Y la civilizacion exterior que viene a darle el golpe de gracia y a imponer la racionalidad? Todas las respuestas que se me ocurren a estas preguntas son igual de aterradoras.

La gente pregunta ¿por que Clint Eastwood es republicano? Si es tan majete, tan contrario a la violencia, hace esas peliculas donde habla de la discriminacion racial, la violencia contra las mujeres, la eutanasia, etc. A veces, la verdad, cuesta creerlo. Pero es ser muy corto de miras si uno cree que un republicano es una persona "de derechas" y punto. Republicano y democrata no significa "derecha" e "izquierda", sino (y esto es una simplificacion grandisima) Mas gobierno o menos. Mas poder de la administracion o menos. Y en eso Clint Eastwood es todo un repubicano: desconfia de la politica y del poder del estado frente a los individuos y sus capacidades organizativas.

¿Tiene esto que ver con Banderas de Nuestros Padres? Un poco. Porque una de las cosas que cuenta esta historia es como el poder del estado, en este caso en su dimension "propaganda belica", anula a los individuos en pos de un objetivo que, al menos, les es ajeno. Sin embargo, Eastwood va mucho mas alla y quizas por eso es tan extramadamente interesante su filmografia. Eastwood escucha la cancion por detras de la cancion, el mapa detras de la representacion de las cosas y hace lo contrario de lo que hace el noventa por ciento de los directores del planeta: Complejiza.

Banderas de nuestros padres es una bella (aunque un tanto descompensada) historia sobre los heroes y la representacion de los mismos. Una historia sobre la naturaleza ambivalente de los simbolos. Un simbolo funciona como reductor de la complejidad, como expresion de un anhelo, es un poco mentira y a la vez mas verdadero que la realidad. Tiene una relacion con su significante compleja ya que anula las aristas, proyecta una imagen de las cosas, pero a la vez hace habitable el mundo. Eastwood narra esto con diferentes herramientas, desde una colina de papel mache subida por los hombres que subieron y pudieron morir en la colina real que representa. A la vez, esos mismo soldados falsean la realidad para hacer habitable el mundo a una madres desconsoladas.

El dolor genera silencio si no se comparte, se socializa y se extiende. La representacion propagandistica tiende a borrar el dolor. Construye una experiencia "segura" para el espectador. Eastwood nos cuenta todo ello en medio de grandes batallas.

Babel es la quinta pelicula de Alejandro Gonzalez Inarritu y la tercera parte de la llamada "Trilogia del dolor", escrita junto a Guillermo Arriaga. Esta tercera parte cierra de alguna manera el camino abierto con la excepcional Amores Perros y la densisima "21 Gramos". Babel es una magnifica metafora del mundo en el que vivimos. Un mundo atravesado por todo tipo de fronteras y limiteas. Una globalizacion de lo mas desintegradora.

Hay una frase del sociologo Jesus Ibanez sobre el sistema capitalista que describe muy bien lo que suecede en Babel, para Ibanez el sistema "atribuye la norma y se reserva el azar".Babel es eso pero al reves. El azar no es caracteristico de ningun sistema social, politico o economico, pero las consecuencias del mismo si lo son. El problema no es que unos ninos disparen un rifle en el Atlas y hieran a alguien accidentalmente y que eso se conecte con historias a lo largo de planeta, sino lo que pasa despues de eso. Despues de eso entra en juego la frontera, el miedo, el idioma, la pobreza, el dolor, la incacpacidad para sentir como propio el dolor ajeno, la incomunicacion y el miedo.

Babel es una de las peliculas mas tiernas de los ultimos anos, porque hay que tener mucha ternura para narrar todo ese dolor y darle salida con dignidad. Babel no olvida la linea de la riqueza y la pobreza en su descripcion del mundo y, de alguna manera reparte sus cartas dejando el azar en el lado de los ricos y la norma en el lado de los pobres.

La historia de la mujer Mexicana y los ninos en el Atlas son una radiografia del mundo terrible y dolorosa, pero es en la historia de la joven japonesa sordomuda donde el poder metaforico, la intertretacion sobresaliente, las imagenes expresivas y la ternura desbordante se salen de la pantalla. Que maravilla de historia triste. Que metafora mas dulce sobre la necesidad del contacto humano, sobre el silencio y el cuerpo.

Y no digo nada de Brad Pitt y Cate Blanchett, porque descubrir a estas alturas de la pelicula que son dos de los mejores actores del Hollywood actual me parece una broma, pero comparten la escena mas emotiva, bella y dulce de toda la pelicula. Hay que tener las cosas muy claras para escribir, rodar e interpretar secuencias asi.

La nueva pelicula de James Bond es en realidad la primera pelicula de la nueva franquicia James Bond. Una reactualizacion del personaje a la altura de los tiempos. Bond es un poco mas Fleming (Ese bruto y despiadado asesino embutido en un traje en el casi no cabe) y un poco menos glamouroso y Daniel Craig esta perfecto en su papel del nuevo Bond. En ese sentido Casino Royale es como Batman Begins, una pelicula para situar un nuevo universo estetico, que rompe con la historia anterior y empieza de nuevo. ¿Y como empieza? Pues contando la historia de la formacion del heroe y el motivo por el cual se convertira en el Bond que conocemos (pero ya reactualizado en este nuevo universo)

La pelicula esta rodada a las tres mil maravillas (La primera persecucion me dejo con la boca abierta durante los muchos minutos que dura) y muy bien entrepretada. A la vez es algo mas sencilla que sus predecesoras, tambien porque los "enemigos" no estan muy claros (Son casi presentados de forma colateral) y la intriga es casi inexistente. Lo mejor es la parte central con la larga partida de poquer y la mirada de Craig, matizada e intensa que va desvelando sus sentimientos uno a uno. El guion, dentro de eso es un poco previsible (Sobre todo en alguno de sus aspectos y da la sensacion de que todo se resuelve sin algunos habituales del genero, mi favorito: La pelea con el malo o el ayudante fuerte del malo tan bien utilizada en las peliculas de Indiana Jones.

Una agradable reactualizacion que abre la puerta a un nuevo filon en el genero. Tambien es de agradecer la nula politizacion del argumento (Pasado el tiempo de los malos que ponen en jaque al mundo) a favor de una trama bastante simple de compra venta de armas.

El humor es un mecanismo del drama, nada mas (Y nada menos) Como cualquier otra expresion dramatica tiene un punto de vista y una "mirada". El humor no es neutral porque no existe neutralidad alguna, es toma de postura frente al mundo, descripcion de nosotros mismos y de otros.

Borat es una pelicula escrita y dirigida por el comico Sacha Baron Coen, que viene precedida de un halo de malditismo muy comercial, a saber: Es "politicamente incorrecta" y es "critica con los Estados Unidos". Lo tiene todo para triunfar.

Hace unas horas he salido de verla del cine y puedo decir que a la gente de la sala les ha hecho mucha gracia, yo no me he reido ni una vez. He sonreido dos veces. Creo que el humor es automatico en el espectador, o sea, que no digo que la pelicula no sea graciosa, simplemente a mi no me ha hecho ninguna gracias y no por que ademas me haya parecido muy poco critica y muy poco "politicamente incorrecta", sino simplemente porque no me he reido ni una vez (Al llegar a casa me he visto un episodio de Frasier y otro de Los Simpsons y se me caian las lagrimas de risa, o sea que simplemente, lo de Borat no me ha convencido)

El humor en Borat consiste en que hay un senor que es extranjero (De Kazajstan) muy tonto muy tono que vive en un pueblo donde violan a las mujeres y van en burro y la gente es muy pobre y muy tonta y solo quiere follar o robarse cosas y tiene una mujer gorda y borde (que bueno, lo nunca visto) Que es enviado a Estados Unidos a comprender su modo de vida. Todos los chistes son sobre el tonto fuera de sitio. TODOS. El tonto que no ha visto una escalera mecanica en su vida, el tonto que viaja con gallinas en la maleta, el tonto que caga y mea donde le viene, porque asi son esos senores de esos paises tan pobres y tan lejanos. Leo por ahi que es que es la vision que en Estados Unidos se tiene de los extranjeros, ah. y que se trata de una aguda critica, pero me suena a justificacion racional a la risa irracional que produce ver a un tipo cagarse encima.

Ah, si. Este senor tan tonto (Aunque entranable, porque a todos los tontos tenemos que compadecerles- asi de politicamente incorrecta es Borat) es antisemita y entonces los progres del mundo mundial han decidido que la pelicula "se mete con los judios". Bueno, que me digan donde. Los unicos personajes judios que aparecen en la historia son dos ancianitos adorables que Borat (El tonto en cuestion) ve como horribles seres e incluso como cucarachas. O sea que mas que reirse de los Judios, se rie de la paranoia anti-judia, que cosas, que politicamente incorrecto para estos tiempos de guerra global.

Yo viendola pensaba en esto de lo politicamente incorrecto, porque cuando uno hace algo que es "politicamente incorrecto" es intocable, criticarlo te pone de inmediato en el bando de los que defienden lo "politicamente correcto", que uno la verdad ya no sabe donde esta ni lo que es.

El caso es que de inmediato se vuelve rancio porque no le hacen gracias los chistes sobre minusvalidos salvo cuando los cuentas minusvaldos. Cuando la mirada es interna y dispara nuestra inteligencia.

Otra opcion, claro, es que Borat sea ese artefacto de una inteligencia y una perversidad magnifica, en cuyo caso se perfectamente porque no me ha gustado, porque no me gustan las historias donde se mira a los seres humanos desde arriba y se construye un estereotipo sobre ellos. Se que hay directores a los que le gusta analizar la miseria humana con lupa, porque son mas listos que el comun de los mortales, pero a mi esos me tocan los huevos sobre manera. Tambien he leido que es del modelo "la gente se rie sin darse cuenta de que se estan riendo de ellos", aunque me cuesta creerlo, vaya modelo de humor de mierda, reirte de los que van a ver tus peliculas, pero bueno, sera una cosa de listos, yo no acabe la universidad y Sacha esta licenciado por Cambridge.

En los comentarios se pregunta la gente ¿por que fuiste a ver una pelicula tan mala si con ver los trailers se veia que la cosa no pintaba bien? Pues porque empece a leer notas diciendo que la pelicula es una maravilla y un ataque brutal a la ideologia de lo politicamente correcto y pense que merecia la pena echar un vistazo. Tampoco me arrepiento. Lo peor es que me aburri un poco (Pero hay precedentes de humor politicamente incorrecto que no me vuelve loco, los hermanos Farrelly, que me gustan mucho mas, tampoco me acaban de llegar, aunque su tipo de humor me parece mucho mas cercano, mas de reirse "con" y no "de", el mejor ejemplo seria el hermano con sindrome de Down de Algo Pasa Con Mary)

(aunque la traduccion no es muy clara, porque en un sitio la llaman "socialist" pero en otro "labor", que probablemente haga referencia al laborismo, lo cual tendria cierto sentido siendo Baron Cohen de origen ingles) y paso un ano de su vida en Israel como miembro de esta organizacion.

Ayer por la noche vi "El Ilusionista". No sabia si escribir sobre ella hasta que, volviendo ya a casa empece a pensar en el tipo de cine que representa la pelicula y a darle vueltas y pense que quizas habia alguna cosa interesante al respecto. Y a partir de ahi considerar que estamos en un gran spoiler y que si no habeis visto la pelicula lo mejor es que paseis de leer lo que pone aqui abajo.

El Ilusionista es una pelicula de truco y sorpresa final. ADORO esas peliculas, siempre he querido escribir una pelicula asi, pero las peliculas que me gustan de ese genero son extremadamente sencillas y el Ilusionista no es sencilla. Me explico, en el Sexto Sentido, Plan Oculto y Sospechosos Habituales (Por poner tres grandes ejemplos del sub-genero) hay un misterio, solo uno. No hay grandes complicaciones. Ese misterio funciona porque te ocultan un dato esencial y a partir de esa falta de informacion se construye toda la trama. La otra herramienta esencial son las pistas. Si hay muchas se sabe cual es el misterio, si hay pocas no entiendes como lo descubren. Debe haber las justas y deben ser sencillitas, que entiendas con una mirada lo que pasa. Al fin y al cabo es probable que queden tres minutos para acabar la pelicula cuando empieces a enterarte de algo, mejor que ese algo sea claro y no de lugar a preguntas hasta, al menos, unas horas despues de salir del cine. El Ilusionista es lo contrario a esto. Primero cuenta de manera muy evidente "la ilusion", despues oculta los datos esenciales para confundirnos pero para ello introduce otros que llevan a nuevas preguntas que, aunque tienen respuestas en la pelicula, en mi opinion no resultan satisfactorias. Finalmente, la explicacion de lo sucedido se hace sin que el personaje principal tenga datos suficientes para resolver el misterio que resuelve, con imagenes de cosas que ni ha visto, ni puede conocer y ademas, con un misterio que lleva a nuevas preguntas que tienen que ver con la escala de la historia. Lo siento, pero aunque no mencionemos jamas a la familia de una condesa, si su cadaver desaparece ¡alguien preguntaria algo!, ¿no?

No quiero meterme con la pelicula de manera gratuita. Este tipo de peliculas son dificilisimas de escribir y, ademas, hay otro dato relevante: Es la adaptacion de un relato corto... ¿Y? Pues eso se lo cuento luego, que tengo que irme a trabajar :=)

No he leido la novela de Philip k. Dick en la que esta basada esta interesante pelicula de Richard Linklater, con lo que no puedo saber si se trata de una adaptacion fiel al espiritu y argumento de la obra de Dick. Lo que si puedo decir es que el punto de vista de la historia entra a fondo en el imaginario del autor californiano y ofrece un caleidoscopio psicotropico, paranoico en el que una mente disociada lucha por encontrar una verdad que le es permanentemente negada. En el caso de la pelicula esto es asi hasta el extremo de que, al final, tienen que abandonar el punto de vista de "primera persona" y pasar a una tercera para que uno termine de comprender que demonios esta pasando.

Linklater ha utilizado (como ya haria en su anterior pelicula "Walking Life") la tecnica conocida como Rotoscopia, a saber, dibujar digitalmente encima del metraje en 35mm que ha sido convertido en datos al digitalizarse. Lo que logra Linklater con esta tecnica es hacer lo que no puede hacer Sin City, darle profundidad y realismo a la animacion a la vez que le da expresividad. Esto no es unos actores frente a una pantalla azul que sirve de fondo, sino que todo lo que se ve ha sido rodado en localizaciones reales. El resultado es magnifico en todos los sentidos.

A Scanner Darkly es la historia de un agente de narcoticos infiltrado en un grupo de yonquis que consumen una nueva droga llamada Sustancia D o quizas sea la historia de un yonqui que esta dentro de la policia de narcoticos o quizas... Es mejor que la vean.

Las interpretaciones son muy buenas, aunque siento una especial debilidad por el trabajo de Winona Ryder y Robert Downey Jr. y los dialogos estan cuidadisimos. En realidad, ademas de la propia trama, lo que me parecio un autentico lujo fue escuchar todos esos delirios paranoides y teorias descabelladas producidas entre las mentes de esos consumidores habituales. Desde la conversacion de la bicicletas de 18 marchas al momento en el que creen que les han llenado la casa de drogas y deciden que van a poner un anuncio en el periodico regalandola.

Scoop es la mejor comedia de Woody Allen desde Todo lo Demas (O sea, es mejor que la parte comica de Melinda y Melinda) Es divertida, agil y llena de ingenio. Los chistes funcionan, el punto de partida es original y las interpretaciones son excelentes (Especialmente la de Scarlett Johanson, aunque el propio Allen esta excelente, tambien) Es una historia como son las de Allen, sencillas. Mucha gente confunde esta sencillez con una merma de la calidad, a mi nunca me ha pasado. Con las peliculas de Woody Allen voy rendido a priori, cuando le escucho decir "Es un bello especimen de su raza, se lo digo desde el fondo de mi corazon" ya estoy muerto de risa.

Apabullante, contundente como un golpe en la cara, pura saturacion. La ultima pelicula del mexicano Alfonso Cuaron es una sobredosis de informacion, talento y pasion. Cada plano de su metraje contiene quince o veinte detalles sorprendentes e informativos, cada encuadre es una completa maravilla.

Hijos de los Hombres es una de la peliculas mas interesantes estrenadas en los ultimos anos. Una pelicula densa y a la vez sin pausa con un punto de vista novedoso sobre eso que llaman "distopias". La peliculas de Cuaron podria parecer una pelicula futurista (Esta situada en el ano 2027) pero no lo ee. Practicamente todo lo que sale en la peliculas (Salvo su premisa fundamental, la infertilidad de las mujeres del planeta tierra y por tanto, la exstincion cercana de los seres humanos) es real y existe ya, disperso por el planeta, pero a la vez bastante junto. El realismo con el que Cuaron trata la pelicula y la tremenda direccion de produccion de la misma (Una maravilla) hacen que ese futuro cercano sea de una verosimiltud arrolladora.

La propia trama de la infertilidad tiene cierta conexion con muchas cosas que ya pasan hoy en dia y conecta la situacion del planeta, del regimen de explotacion en el vive (vivimos) ligandolo directamente a la salid, a la vida.

El terrorismo, el fanatismo religioso, la guerra como herramienta de dominio sobre el planeta, la politica de segregacion a todo lo diferente (Especialmente las personas migrantes, pero no en exclusiva) Los antidepresivos, la militarizacion de la policia y el devenir policial de los ejercitos, las insurrecciones armadas y las pacificas, la contaminacion, etc, etc, etc. Todo ello esta contado con una pasion y un ritmo magnificos y sostenido por grandes interpretaciones: Clive Owen esta fantastico. La empatia que trasluce Micharel Cane, tres cuartas de lo mismo. Julian Moore resulta apasionante, encantadora, sexy, contundente... Por no hablar de la joven interprete que acompana a Owen media pelicula. Una maravilla.

¿Como? ¿Simplicidad total? ¿Pero el guionista este de tres a la cuarto de que va? Si, amigos. Infiltrados es una maravilla de la simplicidad. Asi lo digo. Es tan extremadamente buena por su simplicidad.

¿Pero no era un guion con miles de giros y vueltas y revueltas y cambios? Si, y lo es y tiene cambios, giros y retruecanos, pero todos sobre la base de una simplicidad absoluta. Un diagrama sorprendentemente sencillo: Tenemos dos organizaciones, en cada una de ellas hay un infiltrado de la otra organizacion que luchan por atacar/ defender a los suyos y de descubrirse mutuamente. Fin, no hay mas. ¿No es sencillismo? Ahora, por favor, intenten explicarme el diagrama de Gangs of New York. Seguro que apareceran en su mente palabras como "retrato de una epoca" "expresion de la violencia en Estados Unidos" "Combate entre dos hombres superados por su contexto", etc. Nada de simplicidad (Ojo, a mi me encanta Gangs Of New York)

Infiltrados funciona porque su guion gira sin grandes sorpresas sacadas de la nada y porque tiene una fuerza motora impresionante, a saber: El capitalismo produce corrupcion y vive a traves de ella. No hay un solo personaje (Quizas uno o dos) que no sea corrupto, traidor, mentiroso, etc. La relacion entre "delincuencia" y "policia" es total, no existe diferencia entre una cosa y otra. Los dos sistemas de legalidad y control estan interconectados.

A partir de ahi es dificil hacer una mala pelicula. Pero es que Scorsesse ha hecho un peliculon con un ritmo apabullante y sin recurrir a uno de sus recursos habituales: La Voz en Off. Aqui dice mas una mirada que un dialogo bient trabajado (Y de estos hay unos cuantos) El Montaje y la musica son dos obras de arte engarzadas con maestria.

Aunque llevo fuera una semana (Si, ya he vuelto) No puedo decir que haya dejado de ver peliculas. Es lo que tiene subirse diez horas a un avion de ida y otras diez a un avion de vuelta. Bueno, tiene eso y el jet lag que esta a punto de hacerme sacar el cerebro por las orejas. Han sido seis peliculas, todas actuales y todas un horror inenarrable. Cuando la gente dice que el cine espanol es un asco uno se pregunta si no han visto el resto de los cines del mundo mundial.

Pelicula 2. Separados- Guerra de sexos de lo mas tonta, superficial, pija e incomprensible. Las primeras ocho secuencias (Chico conoce chica hasta presentacion a la familia) son aterradoras, la de la familia especialmente. Como ya no tenemos relacion alguna con la realidad construimos personajes incompatibles, los ponemos juntos y enamorados y luego contamos... ¡que son incompatibles! Mientras la veia recordaba con nostalgia "La Guerra de los Rose"

Peliculas 3. The Inconvenient Truth: Un documental sobre Al Gore, que ahora se preocupa por el calentamiento global. Hay momentos de pura comedia, como cuando Mr Gore cuenta como dejo que Bush le estafara en las elecciones del 2001, con una voz en off que dice "¿Que podia hacer yo"? Todo un lider mundial, vamos. En cuanto al asunto del calentamiento, Gore tiene otro momento comico en el que dice que va a explicar por que no tiene que ver con el sistema capitalista, sino con nuestros habitos de consumo (como si una cosa no tuviera que ver con la otra) ¡Y no lo explica!, pasa a otra cosa como si nada. Mitico. Por si estaban preocupados por el tema, les informo de que para salvar el mundo basta con ir en bici, comprar productos green y apostar por empresar eticas, como lo oyen.

Pelicula 4. La Casa del Lago: Esta es la peor de todas. Keanu haciendo de arquitecto lobotomizado con Sandra Bullok haciendo de "como actuar sin que te estorbe mucho el Botox".El guion es tal basura que da hasta un poco de miedo. Asi se lo digo. Hacen trampas por doquier con los jueguecitos en el tiempo, no explican la mitad de las cosas y encima van de treintaneros new age forrados de pasta pero solos en la vida. LO PUTO PEOR.

Pelicula 5. La Gran final: Falso documental sobre como diferentes seres humanos del mal llamado "Mundo subdesarrollado" se buscan la vida para ver la final del pasado Mundial del Futbol. Creo que es espanola, al menos TVE pone dinero. La cosa va de lo graciosos que son los a)pobres o b)indigenas o c)Gentes de culturas diferentes a la nuestra unidos por el amor al futbol, que todo el mundo sabe que es universal. Con una patina progre de "El futbol nos une a todos" producen un relato etnocentrico rodado como si fuera un documental sobre animales, demostrando que se puede ser racista llendo de enrollado y que, quizas, estos sean los peores.

Pelicula 6. Manuale D'amore: Pues quizas la mejor de todas. Una discreta historia de las fases del amor, copiando lenguajes y estilo al cine indie norteamericano. Las gracias no son muy graciosas y el relato costumbrista es un poco plano, pero insisto, comparado con lo otro se hace pasable.

La noche de los Girasoles: Gran pelicula, gran guion, gran realizacion y grandes interpretaciones. Una historia contada desde un punto de vista interesante y rodada con mucha garra (Algunas secuencias de violencia realmente buenas) Lo unico malo es que el tempo adecuado a la narracion la hace un poco lenta y que tarda un poquitin de mas en arrancar. En cualquier caso, una apuesta muy interesante.

El Laberinto del Fauno: Una buena pelicula de Guillermo Del Toro, con una ambientacion, un diseno de produccion, una realizacion, una fotografia y una musica maravillosas. Grandes interpretaciones de Marivel Verdu, Sergi Lopez e Ivana Vaquero. El guion, sin embargo, tiene varios momentos arbitrarios y gratuitos que hacen que la historia se resienta un poco. Ademas (Ojo SPOILER) La nula interaccion entre el mundo real y el fantastico le quitan interes a la historia. (FIN SPOILER) En cualquier caso, un ejercicio de cine fantastico digno de verse.

Ayer por la noche disfurte viendo "Lost in La Mancha" El excepcional documental dirigido por Keith Fulton y Louis Pepe sobre el rodaje de la pelicula "El Hombre que Mato a Don Quijote", de Terry Gilliam. Fulton y Pepe se meten en las tripas de un rodaje imposible para una pelicula condenada desde el primer dia y lo hacen con una brillantez apasionante, construyendo un relato sobre la fascinacion y el amor al cine que se pasa en un suspiro, lleno de intensidad, belleza y dramatismo. Como en las buenas peliculas, Lost in La Mancha no es mas que la parte superior de un iceberg, solo llegamos a ver un porcentaje muy pequeno de las ansias y el sufrimiento del equipo de un rodaje que ve como las esperanzas por llevar a buen puerto la pelicula van desapareciendo.

La metafora de Don Quijote y los molinos es perfecta y en torno a ella construyen todo el relato. Gilliam aparece com un Quijote del cine, dispuesto a todo, arrastrando a su equipo con el entusiasmo de una locomotora cargada de anfetaminas, sin perder los nervios JAMAS (Hay momentos de autentico terror en los que es imposible no sufrir por ese hombre que ve como su sueno cinematografico se hace anicos) Un hombre que, en medio de semejante follon, todavia encuentra momentos para grabar quince segundos a un actor, o un paisaje y ser absolutamente FELIZ. Ver el rostros de Gilliam mientras rueda es un prodigio, una ilusion que arrastra a todo el equipo, mientras a su alrededor una produccion bastante defectuosa y un magnifico ayudante de direccion luchan por resolver problemas imposibles.

Una brillante maravilla en una hora y media, todo un retrato del cine, de las estupidas y maravillosas gentes que lo hacen, de la obsesion enfermiza detras de cada proyecto y, en definitiva, sobre los suenos. Como dicen en algun momento de la pelicula "Como espectadores queremos que Don Quijote siga loco, porque si despierta de su locura se vuelve mortal y desaparece". Magnifica metafora para la vida y el arte.

Segundo atracon de cine. Tres peliculas. Tres sesiones seguidas. Abotargado, sobrexpuesto. Uno no puedo ir a ver tres peliculas seguidas y ver, pongamos por caso, Cabeza de Perro, El Viento que Agita la Cebada y Una Historia de Brookling porque terminaria noqueado, destruido. Un atracon de semejante calibre necesita de un tipo de producto ligero, agil, volatil. A veces, todo hay que decirlo, uno desearia estar viendo alguna de las otras tres en vez de cualquier de las tres que elegi yo, sobre todo la segunda.

Primera sesion. Pues no esta mal. Una historia muy infantil con algunos chistes a la Shrek (pero con menos mala leche) y poco mas. Lo mas destacable es la estructura de la narracion (la misma historia con leves variaciones vista desde cuatro puntos de vista distintos) Daria para una pelicula completa muy interesante, pero aqui se pierde a partir de la segunda historia. Lo mejor: La cabra y la ardilla: Muy, muy divertidos. El personaje del lobo no esta mal.

Segunda Sesion: Soy un completo pozo de odio y rabia. Todo aquel que, enganado por eso de que el director de la pelicula fuera director de Sexo en Nueva York, este pensando en ir a verla que lo deje, que huya, que escape de esta basura reaccionaria y politicamente correcta. Cada cosa que pasa en la pelicula ha salido igual en otras cinco mil peliculas. No sabia quien era mas asqueroso, si el mundo de la moda o los supuestos amigos "pobres" (Hay que verlos beber vino en copas en su propia casa con carteles de Amnistia Internacional para saber lo que es el ODIO) La chica "fea" y "gorda" celebra con Champange haber logrado la talla 36 (Adelgazar dos. Yuppi) El Argumento es absurdo, los momentos de mayor tension dramatica se resuelven con Deux Ex Maquina del peor tipo y encima es moralista y retrograda como solo el cuento de la cenicienta puede serlo (¿Hay peor cuento que La Cenicienta?) El argumento es bochornoso: Ella quiere ser periodista, pero se presenta a un trabajo como ayudante personal de una editora de una revista de moda (Donde por supuesto no va a escribir ni una PUTA linea) Al parecer este movimiento estrategico es bueno "por los contactos". Ella, oh sorpresa, empieza a triunfar en el mundillo de la moda, que ella creia que era chungo, pero no, es molon. Luego claro, descuida a la familia, que por otro lado siempre es muy comprensiva con ella (Porque pone morritos y lleva lenceria de marca- en serio, hay una secuencia asi) Y el final es casi peor.

Tercera Sesion: Esta muy bien rodada, es entretenida aunque este un poco alargada la historia de amor. Jamie Foxx esta sobervio. Las secuencias de accion son excelente. Luis Tosar se sale por todos los bordes y es de un macarrismo sanisimo. Eso si, no es Corrupcion en Miami. Si son capaces de olvidar ese detalle, disfrutaran bastante.

La habitacion del nino es uno de los cinco proyectos que bajo el sello colectivo "Peliculas para no dormir" ha puesto en marcha Filmax cogiendo como referencia el mitico programa de television de Chicho Ibanez Serrador, Historias para no dormir". Son cinco peliculas para television dirigidas por varios realizadores de lo mas solventes y con el terror como elemento central. La habitacion del nino es la aportacion de Alex de la Iglesia al proyecto y al genero, pues no se puede decir que sus anteriores peliculas tengan elementos estrictamente terrorificos.

Si hay algo que ha caracterizado (en mi opinion) la cinematografia de Alex de la Iglesia es el rigor, no tanto el rigor "en sus peliculas" (que tambien) sino una busqueda casi desesperada de sus personajes por encontrar algo de rigor, de seriedad, de encontrar algo o a alguien que se tome las cosas importantes un poco en serio. En definitiva, gente que reconociendo la bufonada grotesca que es la existencia no se deja llevar (o lo intenta) por la estulticia reinante y le opone eso, rigor, cierto control, aunque casi nunca tengan exito. Por eso no me sorprende que la aproximacion de Alex de la Iglesia al genero sea de la mas firme, sin estridencias.

Probablemente un purisa o un conocedor del genero pueda decir que la historia que cuenta La Habitacion del Nino no es demasiado original, que la conocemos, pero lo cierto es que yo no soy un purista y mucho menos un conocedor del genero y siempre me ha parecido que el camino para la originalidad parte de pisar terreno abonado por otros. La habitacion del nino parte de ese universo comun para trasladarlo a una realidad mas domestica.

Es una pelicula que da miedo y habla del miedo y de lo que el miedo puede hacernos, aunque llevemos razon. El problema no es conocer la verdad, sino vivir con ella. Levantarse cada dia sabiendo lo espantosa que es sin perder el control. En "Abre Los Ojos" le decian al personaje de Noriega "Tu infierno te lo has montado tu", aqui la cosa es mucho peor, porque da igual quien monta el infierno, el problema es que hay vivir en el. Y no valen chivos expiatorios, sean las maguferias, los inmigrantes, la rutina del matrimonio o la expiacion catolica de las culpas.

La parabola sobre el miedo, la angustia de la falta de referentes y la obsesion a traves de una anecdota casi superficial (La presencia de un extrano en la habitacion de al lado y como esa presencia quizas real quizas imaginada destruye una feliz pareja) funciona mejor en la medida en que se condensa a la mil maravillas en una hora y cuarto de metraje. Salpicada aqui y alla por algunos detalles de humor en el guion (especialmente la primera parte) y maravillosamente rodada e interpretada (Javier Gutierrez y Leonor Watling se sale por todos los bordes) la pelicula nos permite descubrir un nuevo registro de Alex de la Iglesia confirmando lo que ya suponiamos. Que este hombre puede hacer lo que le de la puta gana.

Pocas veces he salido del cine en un estado tan lamentable como esta noche. Pocas veces he sentido como se revolvian las tripas de asco y de odio y pocas veces me habia llevado esa sensacion hasta casa. La habia dejado con la pelicula, en la sala.

Los ultimos diez minutos de Salvador son inenarrables. La dureza que desprenden y la radicalidad que muestran es dolorosa y terrible. No solo por el acto que muestran, de una crueldad como solo el Estado puede administrar, sino por la parabola que encierran sus ultimos fotogramas. No esperen ver una pelicula trascendente. No esperen que nadie les diga que Salvador es una pelicula sobre una persona que se sacrifico, ni que gracias a su sacrificio llego algo bueno a este pais. Ni siquiera esperen que les digan que algo bueno llego a este pais. Las ultimas imagenes de Salvador dicen "Salvador Puig Antich esta muerto, fue asesinado y nosotros vivimos en esta mierda de mundo y de sistema politico". Y ese dolor y esa verdad, cuando estan asi de bien contados, uno se los lleva a casa como un perro metido en el estomago.

El guion es un maravilla, sencillo y lirico a partes iguales. Impagable en su dosificacion del ritmo, del terror, etc. La presentacion de cada uno de los personajes es a la vez sencilla y clarificadora, la evolucion de todos ellos (Especialmente los dos protagonistas masculinos) Esta contada de forma maravilla a partir de dialogos bien construidos y sutiles metaforas visuales (Esa capa de Cocreta) A la vez, la historia consigue atrapar la atencion de los menores y de sus acompanantes (Si es que no van por cuenta propia como hice yo)

Los personajes son un autentico retrato antropologico de los ultimos anos de la ninez. El contraste entre el protagonista y el por siempre mitico Croqueta es perfecto y sutil. Los rituales repetidos en la infancia, la hiperquinesia desbordada de Croqueta frente al hstio y cierto ensimismamiento de su amigo mayor, que yo no quiere competir, ni siquiera por la chica. El propio Croqueta es una maravilla de la animacion, sus movimientos, su cuerpo regordete, sus sonidos guturales a lo largo de toda la pelicula (especialmente al final) Uno no podia evitar sentirse identificado.

Finalmente, la realizacion (y la animacion) son alucinantes. Parece una tonteria pero en el momento en que entra en juego el ordenador la composicion del plano y la narrativa es puro "cerebro" (lo digo en el buen sentido, tecnica, pensamiento, composicion) Y la verdad es que Monster House tiene una realizacion llena de ritmo y pulso, con larguisimos planos de steadycam y travellings imposibles perfectamente coreografiados.

El pasado sabado me escape a ver Clerks2 movido, basicamente, por la envidia. El viernes del estreno no la habia podido ver y al dia siguiente, charlando con un amigo y mientras me contaba lo bien que se lo habia pasado con la pelicula note un cosquilleo intregante. Era la envidia empujandome a levantarme del sofa e irme al cine.

Clerks2 es una pelicula compendio de lo mejor y lo peor de Kevin Smith (O mejor, de lo que a mi mas gusta de su cine y lo que no) Hacia mucho tiempo que no me reia a carcajadas como lo he hecho viendo Clerks2, la agilidad en los dialogos, el ingenio en los chistes de caca-cudo-pedo-pis apurado al maximo, la capacidad para habitar un universo reconocible y autoconsciente (Como un buen fan se alimenta de su propia obra) y a la vez retorcerlo y darle la vuelta. La transgresion politicamente incorrectisima (dios, que buena es la secuencia con los clientes negros, que lucidez, que capacidad critica) De nuevo una pelicula sobre gente que ve peliculas y habla sobre peliculas (magnifica la secuencia de El Senor de Los Anillos) La capacidad de construir personajes entranables de una sola pincelada y, tambien, algunos momentos muy buenos en los que habla con sinceridad sobre relaciones humanas y, sobre todo, sobre amor (Aunque no a la altura de Persiguiendo a Amy, en mi opinion su mejor pelicula)

Ahora bien, Clerks2 tiene un par de novedades. Por un lado un par de Gags visuales excelentes, perfectamente rodados y desternillantes, uno de ellos cumpliendo una de las bases de la comedia: personajes en primer termino hablando de algo serio, personajes en segundo termino haciendo algo desternillante y una nula interaccion entre ambos terminos unido a una duracion algo mas larga de lo "natural" para provocar la carcajada. La otra cosa importante es el haber renunciado por completo a la base principal de la mayor parte de las segundas partes: El sostener la segunda pelicula sobre los meritos de la primera, retorciendo gags, repitiendo personajes, etc.

Clerks2 es una historia sobre la madurez resuelta de forma totalmente conservadora y planteada en terminos completamente falsos pero resulta a la vez una gran metafora sobre el cine de Smith, a saber: En vez de de marcharte y hacer lo que todos, haz lo que te apetece, quedate por aqui, cuentanos otra vez las mismas cosas y quizas algun dia puedas ser el dueno del garito, hacer lo que te apetece con tus colegas sin pedirle cuentas a nadie. Y eso el senor Smith se lo ha ganado.

El final, unico momento de homenaje entranable casi hace que se me salten las lagrimas acordandome del chaval de 16 anos que fue al cine Alphaville a ver la pelicula esa en blanco y negro donde hablaban de La Guerra de las Galaxias y donde salio una chica que habia chupado 37 pollas.

El guionista de Syriana ha pasado mucho tiempo documentandose para escribir la pelicula, yo no. De esta forma no se si las cosas que me cuenta son ciertas o no (No se si en la familia real Saudi hay un hermano bueno y progresista, me cuesta creerlo, la verdad) Pero no es eso lo que me interesa de la pelicula. Ni si hay agentes de la CIA con problemas de conciencia (Y si los hay, es su problema, que no se hubieran metido en la CIA) Todo eso me importa poco. Lo que me importa es que Syriana esta construida con una solidez a prueba de bombas. He oido en muchos sitios que es una pelicula incomprensible y muy complicada. La verdad, yo no vi nada de eso. Tan solo cuatro historias con cuatro protagonistas que se mezclan solo tangencialmente y casi por azar.

Otra cosa es que el tema tratado sea complejo y que, en numerosas ocasiones se haga referencia a cuestiones economicas de dificil comprension, pero eso no impide seguir la historia en ningun momento.

Las interpretaciones son excelentes (todas ellas) y la realizacion (En un estilo muy similar al de Traffic- en la que Stephen Gaghan ejerce la labor de guionista exclusivamente) tiene fuerza y mantiene el ritmo de manera constante.

La pelicula escapa (lo cual es de agradecer) de las paranoias antiimperialistas y antiamericanas de la izquierda mas primaria y complejiza un discurso donde los EEUU aparecen como una potencia que roza el principio del declive. Tambien apunta interesantes cuestiones relacionando las guerras del petroleo no solo con el afan acaparador y especulador "ideologico" sino como la huida hacia delante en medio del inicio de una gran crisis energetica y acierta tambien al mostrar como, en medio de todo ese clima de desestabilizacion generalizada (y premeditada) de oriente medio ¡, crece y florece el fundamentalismo religioso y el terrorismo suicida.

Hay algunos giros un poco desconcertantes (por cierto, los extras del DVD incluyen tres secuencias que son, en mi opinion, capitales para entender el personaje de George Clooney) y es posible que alguna figuras esten construidas solo como herramientas narrativas, sin mucha relacion con la realidad, pero a mi no me molesta. Al contrario, me parece una manera perfecta de explicar dramaticamente una situacion complejisima.

Intuyo que Alatriste puede ser la apuesta mas arriesgada llevada a cabo por eso que llamamos cine espanol de los ultimos cinco anos. Alatriste se ha vendido en television (No en prensa) como una pelicula de aventuras y NO ES UNA PELiCULA DE AVENTURAS, sino una cronica historica, un retablo de personajes que atraviesan los estertores del imperio espanol del "Siglo de Oro" con un unico denominador comun, Alatriste. Un capitan que no es capitan, un mercenario que intenta mantener intacto el honor en un mundo rodeado de (y sirviendo a) hijos de puta. A saber, nobles, curas y reyes. Agarrado a unas normas de conducta, a un companerismo inquebrantable, a una liturgia de combate a la vez digna y absurda.

Alatriste tiene un unico problema, pretende condensar cinco libros en dos horas y media y creo que eso es imposible. Pero, ¿por que cinco libros? ¿Por que no de uno en uno? Creo que por varias razones, todas muy comprensibles: 1)Son muchos libros, demasiados para una industria que no puede desembolsar 24 millones de euros al ano para hacer una pelicula 2)Eso es una franquicia y esto no es una franquicia, no es Harry Potter, sino la pelicula de un director que no puede (ni quiere) dedicar diez anos de su vida a adaptar cinco libros.

Entonces ¿podrian haber hecho uno? No, porque entonces se quedaria fuera lo que hace que esta pelicula sea tan interesante: el fresco plural del declive del imperio, de la monarquia. La reflexion profundamente antimilitarista sobre las guerras, sus motivos y quienes las libran, etc.

Evidentemente, senalar un limite no quiere decir que uno justifique que el guion sea tan confuso (especialmente en sus primeros cuarenta minuntos) Donde, literalmente, hay veces que no sabes donde estan los personajes y como han pasado de un sitio a otro y donde las historias secundarias estan mal engarzadas (Porque no existe una historia principal. El protagonista de esta pelicula no es Alatriste, Alatriste es el pegamento que deja que el protagonista aparezca representado) De esta forma, mientras muchas secuencias por separado son excelentes (Quevedo andando por las calles mientras el Conde Duque de Olivares lee sus criticas al rey-gloriosas- Inigo y Malatesta a duelo, el final, todas las secuencias de los tercios) Los engarces entre ellas son incomprensibles y lastran el ritmo.

El aspecto tecnico me parecio excelente, sobre todo la fotografia que en momentos concretos parecia sacada de un cuadro de Velazquez. Igualmente, los actores y actrices me han parecido mas que correctos. Unax Ugalde, por cierto, me ha parecido excelente junto con los ya consagrados Dechent (tremendo) y Eduard Fernandez (entranable, digno, magnifico)

La mayor parte de la gente con la que he hablado dice que no les ha gustado y hay una de esas criticas que me parece aceptable, la que tiene que ver con el guion. Hay otra que me parece mas injusta, es la que dice que eso no es una superproduccion. Como si una superproduccion fuera un genero, que tiene que acabar con una gran batalla con millones de soldados (aunque la historia diga que lo que paso fue mas bien lo contrario) y tiene que tener un personaje con una linealidad determinada y un secundario simpatico, etc, etc. Pero eso es negarnos la posibilidad de desarrollar una narrativa que se pegue a la pelicula que queremos contar, cosa que A. Diaz Yanes hace a la perfeccion. Nadie que quiere disimular su falta de medios planta un plano general de una batalla para mostrarnos que apenas hay cien soldados.

Ayer Telemadrid puso la que es, en mi opinion, la mejor pelicula de Cameron Crowe hasta la fecha. Ganadora de un Oscar al mejor guion original el ano de su estreno, cuenta la historia de William Miller (en realidad, una fabula autobiografica sobre el propio Cameron) un chaval de 16 anos, periodista de la revista Rolling Stone que sigue la gira de una banda llamada Stillwater, remedo de Led Zeppelling y otros de la epoca. Junto a los miembros de la banda viaja tambien Pennylane, una "bandage" enamorada del guitarrista, Russel Hammond.

Todas las peliculas sobre musica y musicos son buenas, hasta las malas. Pero es que esta es ademas una gran y emotiva pelicula con algunos momentos un poco sensibleros pero, en general, excelente retrato del amor a la musica con un punto de idealismo y una interpretaciones acojonantes.

ayer fuimos al cine tras deglutir entrana, vacio y cochinillo. El plan original era ver una de esas malas de miedo, pero Antonio y yo nos zafamos como jugadores de futbol y nos metimos a ver la ultima pelicula del senor Colomo, El Proximo Oriente.

Fernando Colomo es responsable de algunas de las "comedias progres" mas divertidas de los ultimos 20 anos, desde La Vida Alegre a Bajarse al Moro o Efecto Mariposa. Sus peliculas constituyen un genero en si mismo dentro del cine espanol, asi que a quien no le gusta el cine espanol como genero, probablemente no le gusten las peliculas de este hombre. A mi me gustan mucho.

El caso es que El Proximo Oriente es una comedia que no es una comedia sobre el Lavapies intercultural que no es sobre el Lavapies intercultural. El cartel de la pelicula y las criticas que he leido de la misma llevan a pensar que se trata de una comedia de enredos, pero lo cierto es que nos encontramos ante una historia de amor y buenas intenciones. No es una pelicula sobre el Lavapies intercultural porque su historia se circunscribe a tres casas en una misma calle y porque no construye un relato colectivo, sino la historia de un tipo que no puede ser mejor persona, interpretado magistralmente por Javier Cifriian. De la misma forma, Nur Al Levi compone con intensidad el personaje de una joven migrante de segunda generacion metida en un lio bastante considerable y enamorada de un autentico hijo de puta.

No es una comedia porque ninguna de sus situaciones estan construidas como una comedia, es una especie de costumbrismo ligero y agradable. Mas que buenrollismo bienintencionado y tipicamente progre, la pelicula presenta a unos personajes que son gente bastante normal y bastante sensata. El intento de Colomo por presentan un islam moderado es, de nuevo, mas que un compendio de buenas intenciones porque si, un intento por complejizar lo que, cada dia, aparece mediaticamente connotado con una simpleza preocupante, aunque es cierto que los momentos "didacticos" sobre el Islam podrian ser mas simpaticos y no interrumpir tanto la accion. La musica, por cierto, es excelente.

Neil Gaiman y Dave Mckean forman uno de los tandems creativos mas importantes y mejor valorados del noveno arte. Gaiman ha escrito varios tebeos y novelas graficas dibujados por Dave Mckean (si es que tal cosa es aplicable a un genio como Mckean) Mckean es ha sido el encargado de realizar todas las portadas de The Sandman y ha realizado los titulos de credito de la serie de la BBC Mirrormask, escrita por Gaiman. Sus trabajos juntos suelen habla de memoria, el paso de la infancia a la junventud o de la juvnetud a la madurez, de violencia, de espejos y reflejos. Mirrormask no es una excepcion.

La obra es un compendio de referencias entre El Mago de Oz, Alicia en el Pais de las Maravillas, Chesterton, La Reina de las Nieves y los trabajos anteriores de ambos autores. En el guion se pueden encontrar retazos de Coraline o Neverwhere (Desde la duplicidad, la ambigua oposicion luz/ oscuridad, los protagonistas femininos, la traicion, etc.) y en el diseno numerosas referencias anteriores a los trabajos de McKean, como es la mezcla entre collage e imagen real, las formas blandas y redondeadas, los paisajes surreales tamizados por colores suaves, etc.

La historia es un prodigio de sencillez (quizas demasiada) y sucede como en algunos cuentos clasicos, con los protagonistas empujados de secuencia en secuencia, de escenario en escenario por elementos externos a ellos y dejando pistas para una resolucion final que a los ojos del espectador se hace evidente, pero no menos atractiva por ello. Gaiman y McKean situan su punto de vista no tanto en el viaje de maduracion de Helena, la protagonista, sino tambien en las figuras paternas y maternas que pueblan esta historia que trata la relacion entre la independencia y el desarraigo.

Algunas de las secuencias son de una poesia visual sobrecojedora. El estilo de Gaiman entre lo existencial y lo cotidiano encuentra una plataforma tridimensional en la increible capacidad narrativa de McKean. En concreto me quedo con dos, la secuencia con los gigantes orbitales y la de las munecas que cantan exitos del Pop de los ochenta.

Imaginen que tras el exito de Indiana Jones En Busca del Arca Perdida, Spielberg dirige la segunda y tercera partes de Indiana Jones a la vez, con un guion que divide las peliculas en dos. La historia consiste en que Indy va a partirle el alma a Satanas y bajar a los siete infiernos. Cuando todo termina, el mundo ha cambiado por completo, los acontecimientos desencadenados son gigantescos pero Indy ha salido airoso". No suena mal, quizas seria una pelicula bien rodada, interesante, entretenida, con momentos de autoreferencia a la primera pelicula que constituyen los mejores momentos de la pelicula que se sostiene sobre los meritos de su anterior entrega. Pero estoy seguro de que no seria Indiana Jones, sino otra cosa mas atronadora y llena de furia, mas pasajera, como las tormentas de verano. Que cuando llegan parece que se acaba el mundo y luego pasan y, en realidad, es como si no hubiera pasado nada.

He ido al cine esta tarde con mi entrada comprada desde hacia unos cuantos dias, con los amigos de siempre. Como cuando estrenaron Piratas del Caribe 1, en mi opinion una de las mejores peliculas del genero mas complicado de escribir, el de aventuras. He ido con la emocion de volver a ir a ver a personajes queridos, ironicos, interesantes, metidos en un follon de narices, con buenos que cambian de bando a cada minuto, enganos, traiciones y grandes peleas. Ah si, y piratas.

He ido dispuesto a tragarmelo todo, deseando hacerlo. Digo todo esto para que entiendan que no tengo nada contra el genero, ni contra este tipo de cine, pero estoy harto. Cada dia mas harto. No es que me haya aburrido, ni que no haya sonreido en un par de ocasiones, pero tengo una sensacion similar a la que tenia viendo el Episodio III, como si todo aquello que amaba de Piratas del Caribe hubiera estallado por los aires.

Piratas del Caribe (La primera) era una pelicula cara (pero no de las mas caras) con buenos efectos especiales y, sobre todo, un guion excelente. La presentacion de Jack Sparrow es una de las mejores vistas en mucho tiempo en el cine. Un momento perfecto, divertido, emocionante. Un guion excelente que contaba una historia, simplemente. No estaba el mundo en peligro, ni habia un gran plan secreto que implicaba miles de personas, no. Habia un tesoro y una maldicion y unos tipos que querian acabar con la maldicion y un tipo que queria vengarse de esos tipos y recuperar su barco y en medio de todo eso dos chicos jovenes irremediablemente enamorados y, en su simpleza y pureza, carismaticos. ¿Ven que facil? Debajo de eso habia toneladas de sentido del humor y multiplies giros y traiciones dentro de una linea facil de seguir. El exito de la pelicula era una total incertidumbre.

Piratas del Caribe 2 es lo contrario. Donde podria haber una historia sencilla hay un batiburrillo incomprensible e incompleto (porque el libreto de esta pelicula es doble, la grandeza de la superproduccion la ha convertido en una historia inabarcable, en una saga de la que solo vemos la mitad) Quizas sea la pelicula que he visto donde peor se explican cosas sencillisimas de explicar. Cosas que al estar mal explicadas, en un afan permanente por rizar el rizo, obligan a que los personajes tengan salidas completamente disparatadas y, como en los "mejores" momentos de perdidos, nadie se cuente nada aunque con una simple explicacion se resolverian unos quince nudos de un acertijo que, en realidad, no esconde nada. Todo se ha vuelto grande, apabullante y extremo. Las delicadas pasiones llenas de ironia se han convertido en grandes pasiones. Los malos ambiguos se han vuelto simplemente, malos. y Jack Sparrow parece menos que antes salvo en un par de gozosos momentos (o tres)

La pelicula esta bien realizada y los actores estan como en la primera. Deep defiende a capa y espada algo menos interesante que la vez anterior. Bloom hace bien el papel de nino bueno pero tono (porque hay que ser muy tonto para hacer algunas de las cosas que hace este chico en la pelicula? Y Keyra pone morritos y protagoniza la secuencia mas vergonzosa de la pelicula.

Uno puede decirse, "buah, tampoco esta tan mal para una tarde de domingo", pero lo cierto es que si esta mal. Es indignante que nos traten como a gilipoyas, que nos tomen el pelo y, sobre todo, es indignante que conviertan la ironia y la magia en estruendo sin sentido. Quizas es que esta pelicula ya estaba vendida y el dinero recuperado antes de empezar, que se trataba simplemente de eso, "De ir mas lejos" "Mas alla" De, basicamente, "pasarse". Y eso han hecho, y todo lo que a mi me gustaba de la pelicula, lo que la hacia especial, se ha ido al traste. Que pena, la verdad.

Ayer por la noche Antena3 puso En la Linea de Fuego, uno de los productos estrellas de la reposicion televisiva (En Telemadrid la han puesto no se cuantas las veces). La pelicula (seguro que la han visto) es un prodigio narrativo. No me canso de verla. Absolutamente todos los actores estan geniales, la direccion es excelente. El magnetismo obsesivo de Malkovich junto a esa especie de derrotismo no complaciente e ironico de Clint Eastwood son uno de los duelos interpretativos mas sugerentes de los noventa. Casi tengo la sensacion de que inauguran un genero (lo cual no es cierto) con Presidentes y psicopatas. Ayer me fije sobre todo en la musica de Morricone, excelente, con alguno pasajes parecidos a Los Intocables.

Pero lo que mas me sorprendio de todo, despues de haberla visto unas diez veces, es su magnifico guion. El texto, obra de Jeff Maguire es una maravilla de dosificacion de la informacion. Cada secuencia hace avanzar la accion. La capacidad para introducir subtramas y cambios de tono en el interior de una secuencia hace que todo funcione de una manera mas organica, mas entretenida (Ejemplar el momento en el que Eastwood esta tocando el piano y aparece Malcovich o la conversacion con Rene Russo- guapisima, por cierto- en la habitacion del presidente)

Todo el mundo deberia darse el gusto de ver 3 peliculas seguidas. Una detras de otra, sin interrupciones mas que para coger algo de comer, hacer necesidades variadas o cambiar de cine (Si, claro, me refiero a ver tres peliculas seguidas en el cine. Hacerlo en la tele ya tiene nombre, se llama "tarde del domingo")

Incluso me atreveria a decir que hay que elegir cuidadosamente las peliculas para no quedar destruido, saturado, epatado, acogotado y otro monton de cosas que terminan en ado e ido. Mi eleccion de hoy ha sido: Poseidon, Domino y Superman Returns. Ninguna me ha gustado, pero debo reconocer que entre las tres han conseguido componer una "tarde" (Desde las cuatro y media hasta las doce de la noche) Bastante entretenida. Vamos por partes y orden.

Primera Sesion: Poseidon- Estoy encantado de haber visto esta pelicula. Estoy escribiendo una cosa que se relaciona muy colateralmente con el cine de catastrofes y verla la pelicula ha sido todo un viaje iniciatico a lo que uno no deberia hacer jamas. La pelicula es tan mala que es hasta divertida. Me he reido bien agusto. Salvo una secuencia a la mitad de la pelicula, todas las demas tienen algun momento vergonzante. Un detalle comico que no funciona, una frase mitica que queda mal, una decision incomprensible, una interpretacion forzada... Algo, que lo manda todo a hacer punetas. Esta manana he leido

en Blogdecine y el comentaba que el problema era que solo dedicaba 10 minutos a dibujar los personajes antes de que empezara el festin. No estoy deacuerdo. En los 10 primeros minutos de... Perdidos, o de El Coloso en Llamas tienes mas conocimiento de personajes, mas pinceladas, mas profundidad y, sobre todo, mas carisma que en los descubiertos tras esta coleccion de seres unidimiensionales con el pobre Rychard Dreyfuss intentando darle algo de empaque a su personaje. Joe, que mala... Pero que risa.

Segunda Sesion: Domino. Lo de Domino me ha hecho reflexionar algo mas, pero al final ha terminado por ponerme de mala leche. Es un completo desproposito. Una vergüenza tan autoconsciente y pretenciosa que no da ni para reirse y encima esconde una moralina de una putridez enfermiza. A cualquiera que le interese la escritura de guiones deberia ver esa pelicual e intentar contar cuantos errores tiene (errores conscientes) Cuantas trampas de la peor clase y cuantos giros completamente delirantes. Para todo aquel que diga que es moderna, solo recordarle que Guy Richie ya hacia esto mismo hace diez anos con mucha mas solvencia y mucho mas sentido del humor. Que el propio Scott ha firmado peliculas acojonantes con guiones muy solidos (Desde Amor a Quemarropa-Dios, que buena es Amor a Quemarropa- Hasta Enemigo Publico) Lo de Domino no hay por donde cogerlo, y encima cabrea.

Tercera Sesion: Superman Returns: Comparado con las otras dos es una obra maestra y reconozco que la mitad de las pegas no son culpa de la pelicula sino de mi nula identificacion con el personaje de Superman, ni con sus poderes ni con su universo. En mi opinion, la pelicula tiene un punto interesante (bueno, dos) Lex Luthor y el hijo de Lois Lane. Esta realizada de maravilla y todas esas cosas que ya sabiamos los que vimos X men 1 y 2 y los que adoramos Sospechosos Habituales, pero... no se. Es que no me interesaba nada demasiado. Pero tampoco ha sido una decepcion porque iba sin ninguna espectativa, a pasar el rato.

El pasado sabado vi El Castillo Ambulante, la ultima pelicula de Miyazaky, el genio de la animacion tradicional japonesa. A la cabeza del ya mitico estudio Ghibli, Miyazaki ha narrado sus historias con una elegancia, una maestraia y un talento que harian palidecer a muchos de los animadores de la industria estadounidense, en mi opinion un tanto perdidos. El talento de Miyazaki ya esta sobradamente demostrado, cualqueiras que haya visto La Princesa Mononoke, o El Viaje de Chihiro sabena lo que me refiero. El Castillo Ambulante es una nueva puesta a punto de sus tematicas recurrentes, narradas con una efectividad y una precision milimetricas.

La historia no podria ser mas sencilla y a la vez mas evocadora. Una nina es maldecida por una bruja que la convierte en una anciana de noventa anos, la nina/ anciana tendra que buscar al Mago Howl, que viaja en un castillo con patas por la zona montanosa exterior a su ciudad, y solicitar su ayuda. Esta premisa tan simple empezara a complejizarse paso a paso, ni Howl ayudara a la nina/anciana, ni sera necesario, ni la bruja sera tan malvada, ni los buenos seran tan buenos. Al contrario, todo se llena de unos matices que, desde un punto de vista puramente pedagogico, son magnificos.

Tiempo de Valientes es una comedia policiaca. Una buddy movie a la Argentina. Una hibrido feliz entre dos cines, el de accion norteamericano de los noventa y finales de los ochenta, esos blockbusters de Donnen o McTiernan (Mas lo de Donnen) y el cine social y costumbrista Argentino , todo ello con sabias dosis de comedia.

Tiempo de Valientes juega con las convenciones del genero y va un poco mas alla de ellas. Las situaciones de comedia lo son, las situaciones de violencia los son y solo en las secuencias accion parecen perder un poco de pie.

Una de las maximas de la comedia es: dolor verdad. Personalmente, tengo mi propia teoria relacionada con algo intuitivo que llamo "las distancias", es una especie de reinterpretacion de eso que decia Woody Allen de "si se curva tiene gracia, si se rompe no tiene gracia" y eso otro de "tragedia mas tiempo". Alex de la Iglesia habla tambien de distancia en el interior del plano en el humor fisico, todos son connotaciones vagamente geograficas. El tiempo y el ritmo son esenciales tambien. El caso es que Tiempo de Valientes maneja muchas de ellas con maestria, gracias a la magnifica interpretacion de sus personajes protagonistas: Diego Peretti y Luis Luque (por cierto, como se parece Luque a ese mitico policia que acompanaba a Axel Foley en Superdetective en HollyWood, es que no me sale el nombre)

Ademas de todo ello tiene una interesante trama policial y politica vinculada a la corrupcion en Argentina y al descubrimiento de las clases medias de la realidad de un pais devastado por el capitalismo. Impagable Peretti reflexionando sobre su vida, impagable su mujer e impagables la durezca de Luque cuando su personaje tiene que hacer de poli malo.

El final de la pelicula desmerece un poco el resto, pero realmente es una apuesta de calidad y entretenimiento que sabe recoger lo mejor de dos generos, mezclarlos con inteligencia y localizarlos en un tiempo y un pais. Bravo.

Digo que es una suerte el haber visto la pelicula sin haber leido las novelas porque estoy casi seguro de que si lo hubiera hecho al reves, no me habria gustado mucho. La pelicula parece una "aproximacion" al universo Douglas que no termina de explotarlo a fondo, pero al no conocerlo, todo me resultaba novedoso e interesante. Quizas debido a eso, la pelicula me parecio una gozada, el tipo de pelicula que seria de culto si no existieran los libros (aunque claro, si no existieran los libros probablemente no existiria)

El tramo medio de la pelicula es un poco tedioso y la realizacion (a pesar de un diseno de produccion y unos efectos especiales perfectos- o sea, sin apabullar) es un poco plana, aunque tiene algunos hallazgos simpaticos, me parecio especialmente buena la secuencia inicial en la que los protagonistas estan a punto de ser lanzados al espacio.

me han hecho recordar el visionado en esa sala de los cines Princesa de Madrid. Recuerdo que cuando vi Todo Sobre mi Madre sali del cine completamente noqueado,. Una pelicula que empezaba con un titulo que decia "Almodovar", no "dirigida por" ni "Pedo Almodovar" no, "Almodovar", como si pusiera "La Guerra de las Galaxias", como una franquicia acojonante. Despues una sucesion de planos de los distintos instrumentos de un hospital, creo que hasta se me ocurrio un corto viendo esas imagenes. Todo Sobre Mi Madre me dejo alucinado, ¿como me habia creido semejante historia rocambolesca? ¿Como habia llorado? Flipe en colores.

Luego viniero Hable con Ella y la Mala Educacion y no me gustaron tanto y con Volver, he vuelto a alucinar, solo que de otra manera. Volver es una declaracion de principios que dice "Las Mujeres hacen el mundo", hay un plano en Volver en el que Lola Duenas corre por una casa vacia hasta llegar a un patio lleno de hombres, varones me refiero. Esta escapando de una fantasma. Pues bien, prefiere el fantasma que ese patio silencioso de color negro. Solo con ese plano tienes media pelicula contada, asi de buena es.

Pero es que luego Almodovar, del que siempre se dice que recicla la cultura pop y la culturas basura y los culebrones y tal y Pascual, hace la critica mas demoledora a la telebasura que yo he visto en mucho tiempo. Con Blanca Portillo (que, por cierto, se sale) convertida en terrible sufridora del espectaculo de las miserias televisadas. Una mirada desde dentro, complice, acojonante.

Carmen Maura y Penelope Cruz tres cuartas de lo mismo, ese homenaje a las atrices italiana de los 50 con esa falda y ese pedazo de culo y esas tetas y esa sombra de ojos y esa rabia. Y esa madre entranable y maravillosa, cuidadora, tejedora, penelope de un mundo invisible de viento solano. Tremendo.

Flash de minuto y medio, palizas en Sevilla. Telediario del mediodia, Antena 3 o Telecinco. Una semana despues especial de varios programas: Botellon, drogas, pequenos hurtos, violencia, seguridad ciudadana, mas policia. Esto era hace tres anos. El tipo humano estaba claro: varones menores de veinte, motos de pequena cilindrada, gorras, chandall, cadenas o anillos, relojes demasiado grandes para munecas demasiado pequenas, maleteros de coches. Enemigos publicos, barrios obreros.

Alberto Rodiguez se hizo alguna pregunta mas que todos nosotros (o que muchos) preguntas que iban mucho mas alla de las paredes del reformatorio, preguntas que volaban por los patios y la ropa tendida, que esquivaban el calor del verano. El lo explica mejor que nadie: Creo que para la mayor parte de la gente los protagonistas de esta pelicula no existen. Forman parte de una realidad localizada en la seccion de sucesos; un accidente geografico inexplorado y ajeno a la clase media de cualquier pais. Es probable que alguna vez hayamos cruzado los limites transparentes de su territorio, pero no hemos sido capaces de descifrar su lenguaje de gorras y ciclomotores. Es mas facil darle un significado al miedo que nos hace bajar la mirada cuando coincide con la suya y seguir desconociendo ese pequeno mundo habitado por invisibles "Tanos" y "Richis". Pero existen y son unos cuantos, yo diria que muchos. Y posiblemente esa mirada fronteriza que los hace translucidos sea la autoafirmacion de un comportamiento colectivo determinado, incluso necesario para ellos. Un rechazo no puede ser correspondido mas que con otro rechazo, y si me rechazas es porque existo. Es la manifestacion de los invisibles.

Hace unos anos me examine del First Certificate, el examen se hacia en Madrid, en unos recintos enormes en la casa de campo, donde esta la fueria de muestras. Eramos miles de personas examinandose a la vez. El First es un examen tipo test, este tipo de examen siempre me ha salido bastante mal y los he hecho bastante rapido. Esto me dejo bastante tiempo para aburrirme mientras el resto iba terminando sus examenes. No te podias levantar y marcharte. Dedique mucho de mi tiempo a imaginarme formas de secuestrar el lugar, que le voy a hacer, pienso en esas cosas. Viendo Plan Oculto me acorde de esto, porque ellos resolvieron la pieza del puzzle que a mi me faltaba, pero usabamos el mismo metodo. Esto me lleva a pensar que lo que estas peliculas buscan no es tanto que el espectador se encuentre con un complejisimo plan, sino mas bien que haya un juego entre la historia y quien la recibe en el que vas siempre pensando que estas por delante, cuando muchas veces estas por detras, o mirando al sitio incorrecto. Las peliculas de ladrones, son de mis favoritas.

No sabria identificar el nombre del genero en cuestion, ¿es una variacion moderna del cine negro? Quizas si. ¿Es un hibrido entre el cine negro y el cine policiaco? Para eso habria que partir de la idea de que existe algo parecido a un genero policiaco y eso esta por ver. Las peliculas de ladrones, o de robos o de timos, comparten un elemento que es lo que, en mi opinion, las hace tan atractivas. Son peliculas donde la mayor parte de los personajes son muy inteligentes, o al menos donde dos de esos personajes (generalmente, perseguidor y perseguido, ladron y policia y, a veces, timador y timado) miden sus fuerzas en una competicion donde lo unico que util son las neuronas. El experimento resulta mejor en la medida en que el opositor (este en el lado que este) sea lo mas brillante posible.

Cuando un genero hace una apuesta tan clara por la inteligencia, todo lo demas suele acompanar. tramas entretenidas, giros inesperados, personajes fantasticos y dialogos maravillosos. Las peliculas de ladrones son como si las peliculas de mafiosos se tomaran un descanso de tanta culpabilidad mal digerida y tanta violencia.

Spike Lee no es un director de genero, sino mas bien un autor profundamenta politico, muy interesante y con una capacidad narrativa insuperable (para darse cuenta no hay mas que ver como el mundo de la publicidad deportiva ha fagocitado muchas de sus herramientas narrativas) Sin embargo, este director ha realizado un pelicula profundamente de genero, rodada con temple, ritmo y capacidades unicas. Con un elenco de protagonistas en estado de excepcion (Desde Denzel Washington- quizas la persona mas elegante del planeta- A Clive Owen, que aporta dureza y profundidad a un personaje muy atractivo) y un guion preciso, trabajado y cerrado por todas sus aristas.

Dicen que la pelicula tiene un "trasfondo politico" y que es un cine "post- 11s", no es cierto. La historia se reduce a un par de chistes a costa de la situacion paranoica de la policia con respecto a los arabes y a cierta denuncia de la corrupcion sistemica en el mundo de las finanzas. Nada nuevo y tampoco demasiado interesante. Pero el duelo interpretativo, la confrontacion de las inteligencias es un goce total.

Hay muchas cosas que me interesan de David Trueba y de su cine y creo que he visto todas sus peliculas en una sala. Me interesa Tristan Ulloa y la tristeza de "La Buena VIda", me gusta mucho (pero mucho) Los Peores Anos de Nuestra Vida, me gusta mucho Soldados de Salamina y me gusta mucho su guion compartido con Azcona para "La Nina de Tus Ojos".

Hace meses, cuando estrenaron Semen, que no he visto (y en la que David Trueba no tiene participacion alguna) Mi madre fue a verla e intento convencer a mi hermano para que fuera tambien, mi hermano le pregunto ¿Es mas divertida que un Capitulo de Siete Vidas? Y mi madre dudo durante unos preciosos y vitales segundos. Mi hermano respondio "Siete Vidas es gratis". Traigo esto a colacion para recordarnos que, si ya era dificil hacer comedia y que alguien le tuviera un minimo de respeto, con la television la cosa se ha vuelto mucho mas compleja. Porque las comedias televisivas estan bastante bien, son divertidas. Pasa un poco como con Perdidos, ¿que le queda al cine de accion si Perdidos no es muy diferente tecnicamente de Parque Jurasico? (Aunque Parque Jurasico sea mil veces mas entretenida? Supongo que la queda 16 calles :=)

La comedia es el genero mas dificil. No solo porque hacer reir (pero a carcajadas, no sonrisillas) es complicadisimo, sino porque la comedia es el genero mas exigente, el mas intelectual (en el buen sentido) El que menos se regodea en si mismo...Por eso Alex de la Iglesia es un genio cercano, porque NADIE podria hacer una comedia en television con la carga de Alex de la Iglesia.

En los anos ochenta, Alan Moore y Steve Lloyd escribieron e ilustraron una novela grafica de nombre V de Vendetta, eran los tiempos del Tacherismo, de la depresion economica y la heroina. Joder, eran los tiempos en los que John Constantine paseaba por las calles de Londres cazando ejecutivos demonio. Eran unos tiempos grises y tristes. V vino para borrarlos del mapa y traer un nuevo orden. Un orden que el no podria encarnar.

A principios del ano 2000, Andy y Larry Watchowsky cogieron ese comic y lo conviertieron en una pelicula de exito. Una pelicula nacida en la era de la Guerra Global Permanente, del terrorismo y el miedo como forma de control y dominio sobre el planeta. Algunas de sus traslaciones fueron muy inteligentes, otras no tanto, pero la apuesta es sumamente arriesgada y solo por eso merecen respeto. Van algunos leves spoilers en la primera entrega de esta critica sobre V, mas general.

1)Me encanta el cine espanol. Asi, como genero. Me gustan sus temas, sus payasadas, sus lugares comunes, etc. Si alguien me preguntara alguna vez que cine me gusta yo diria "El americano y el espanol" Es mas, creo que es el unico cine que he visto en mi punetera vida. Azul Oscuro Casi Negro es una buena pelicula espanola.

Asi os lo digo. Solo los primeros tres minutos te hacen babear, y ademas te hacen babear en el buen sentido. El buen sentido de babear es cuando uno babea regocijandose en lo que ve, sintiendo que TODO es logico, que no nos intentan epatar, por muy moderno y lleno de ritmo que sea lo que vemos.

Y es una pelicula espanola, no en el sentido nacional chusquero, sino que sigue una tradicion narrativa entre la lirica y el costumbrismo. Es como un Fernando Leon con menos conflicto social, y un Achero Manas (entiendamente, el Achero Manas de El Bola) con mas poesia y mas adolescencia. Tambien es una pelicula sincera.

Hoy han estrenado varias peliculas bastante infames. Si tienen que elegir, yo irira a ver esta (es lo que he hecho) Una de la que no han habalado TODOS los telediarios, que no tiene ardillas con el culo pelado de hielo, ni a Sharon Stone reviviendo los buenos viejos tiempos a golpe de picahielos.

Ultimamente, me empeno en no ir a ver las peliculas que quiero ver y termino como uno de esos padres estresados, acompanando a algun mozo a ver una pelicula que, a priori, no me interesa. A veces la cosa

es una continuacion de esa franquicia entretenida y familiar (con fondo triste) que resulto ser Jumanji. El esquema es similar al de esta pelicula, pero con leves variaciones- quizas lo que todos buscamos en este tipo de cosas, ver la misma pelicula, un poco diferencia, pero basicamente igual. Si entonces se trataba de un juego que trae cosas desde otro mundo hasta el nuestro, en este caso se trata de un juego que nos lleva a otro mundo (sin salir de casa, metafora perfecta de la mezcla entre seguridad y desfio que en todo nino produce jugar al juego que sea)

Lo que en Jumanji era un conflicto familiar (bastante dramatico) hoy es un conflicto fraternal mas bien light (aunque reconozco que las historias de hermanos suelen guasterme mucho mas que las de padres o madre, o divorcios- aqui hay un divorcio, pero muy colateral.

, que ha escrito cosas como La habitacion del Panico, Spiderman (la uno, siempre la uno), The Paper (una de mis peliculas favoritas) y Atrapado por su pasado... ademas de La Guerra de los Mundos (que a mi no me gusta, pero que ahi esta) De hecho, el principio de la pelicula es una version buena del principio de La Guerra de los Mundos, la relacion de los dos hermanos esta construida con ingenio, rapidez, efectividad y unos dialogos cargados de sentido y naturalismo.

no es ninguna maravilla, cierto deje telefilmero y algunas soluciones mas bien ramplonas, pero efectivas. Toda la chicha de la pelicula esta en el guion y en los dos actores protagonistas, especialmente en ese prodigio de la ternura, el ingenio y la gestualidad que es Jonah Bobo (en la foto).

Primera constatacion: No hay peliculas infantiles, o cada vez hay menos. Seguro que hay un motivo economico para esto y tendra alguna relacion con el consumo y los adolescentes, pero no es de eso de lo que queria yo hablarles.

De lo que queria hablarles es de la pelicula que vimos, Sky High: una bazofia infumable y altamente nociva. Como el chico con el que iba tiene una familia de bien que se esta ocupando de su educacion, yo no estoy preocupado y el alborozo del chicuelo al ver las cabriolas y soseces

La pelicula cuenta la historia de un joven, hijo de una pareja de superheroes, que va a una escuela para superheores. Esto permite mezclar el "cine de instituto" (el peor cine de instituto, el que esta en las antipodas de

La historia va de que no hay diferencias en el mundo y de que todos somos iguales. Esto se explica en la pelicula porque hay dos tipos de heroes, lo que son los superheroes y los denominados "curritos" (o la traduccion es lamentable, o realmente se estan riendo de los "trabajadores") Es decir, los companeros de los heroes, que tienen peores poderes o no tienen ninguno. El protagonista no tiene poderes (que es lo que todos esperan de el) y gracias a eso entra en contacto con los pobres perdedores de la vida, los freaks incomprendidos (representados, claro, por un negro, una china, una hippye y un pringado blanco) Gracias a su encuentro se da cuenta de que todos somos iguales.

Eso si. A la mitad de la pelicula el consigue los poderes. Con lo que todos somos iguales, pero yo soy el guay que te deja "ser como yo". Y encima losfreaks tienen como unico objetivo aparente integrarse en ese mundo de "lo popular" (asociado, claro, al poder adquisitvo)

Vamos por partes. No he leido nada del senor Truman Capote. Ni siquiera recuerdo, que le voy a hacer, las clases sobre evolucion de la figura del heroe en la literatura norteamericana. (Yo es que soy de plan nuevo, ¿saben? con esas asignaturas de titulos laaaargos) Desayuno con Diamantes siempre ha sido una pelicula, nunca un libro. Por no saber, ni siquiera sabia que aspecto tenia el caballero (Miento, le vi una vez en esa gran pelicula que es "Un Cadaver a los Postres", intepretando a impresionante Lyonel Twain. Pero sale poco y esta actuando)

¿Por que es una ventaja? Porque cuando se juzga la interpretacion de un actor o actriz sobre la base de un personaje real se suele apreciar sus dotas de imitacion, cosa que no puedo hacer, porque insisto, no conozco al caballero. Es mas, el caballero ni siquiera tiene porque caerme bien.

Con todos estos datos puedo decir que los que hace Hoffman en esta pelicula es alucinante: La composicion de un personaje narcisista, egocentrico y lleno de talento con una gama de matices desbordante y rondando la ambiguedad a lo largo de toda la pelicula. Es muy dificil saber si estamos ante un simple manipulador vampirizando una experiencia real para alimentar una fantasia, o ante una persona absorvida por la barbarie de los crimenes que relata y la personalidad de las personas que los cometieron.

El unico problema es que toda esa ambigüedad, (ojo, magistralmente resuelta al final de la pelicula) Le da a la narracion un caracter frio, desapasionado.Creo que esto resiente un poco el ritmo de una, por otra parte, gran pelicula.

Por lo que llevo leyendo en los suplementos de casi todos los periodicos, acaba de salir en Espana, la biografia de Capote y una coleccion de su correspondencia, amen de (supongo) reeditar "A Sangre Fria". Cualquiera de las tres opciones se cuenta ya entre mis prioridades.

Por cierto que en Good Night and Good Luck no se habla del mundo del cine y su represion ni una sola vez. Lo cual es (en mi opinion) otro gran motivo para verla, ya que a traves del cine se ha construido la imagen de que el Macarthysmo fue un ataque contra los creadores de la industria de California y no un autentico aparato de terror social a todos los niveles.

Hace una semana exactamente que vi esta pelicula, la razon por la que no habia escrito sobre la misma hasta ahora es que pretendia hacerlo con mas seriedad de la que me ha caracterizado hasta ahora (es uno de mis nuevos propositos del ano, currarme un poco mas los post de este estilo) Lo cierto es que las diferencias con el ano pasado son minima, vuelvo a escribir directamente sobre la plantilla de Movable Type, en vez de hacer un borrador antes y luego completar aqui. Escribo del tiron, como siempre. Asi que esto es un pequeno disclaimer por mis intenciones y mis resultados y la media de ambas cosas.

Good Night And Good Luck es una pelicula cerebral, desapasionada, sobria y, en mi opinion, excelente. Empiezo diciendo esto porque muchos de mis companeros de trabajo y muchos buenos amigos me han comentado que la pelicula les ha parecido soporifera. Bien, no es mi caso.

Tambien parece una apuesta etica la aparente falta de obstaculos y conflictos fuertes en la pelicula, todo se muestra sin cargar las tintas, con una frialdad documental donde los problemas se resuelven en el interior de las secuencias, en el momento (muy televisivo, por cierto, este recurso). No es que no haya conflictos, es que no se dilatan.

¿Que apuesta etica? La de la integridad profesional. Creo que toda esa contencion sirve a un unico proposito, expresar la integridad moral de los protagonistas, absolutamente inquebrantables en todo momento. No solo el protagonista interpretado por un David Strathairn apabullante, sino todos ellos.

Reconozco que esta apuesta puede restarle dramatismo a la propuesta, pero me parece una interesante eleccion (que a mi al menos me mantuvo activo durante toda la pelicula- que por otro lado es bastante breve) y un ejercicio de guion curioso. En ese sentido mas que una pelicula sobre el Macarthismo, es una pelicula sobre los heroes (porque asi estan tratados) que se le opusieron. Situar el punto de vista en otra parte (quizas alguno de los acusados por el senador) habria dado, sin duda, una pelicula muy distinta (Mucho mas dramatica, mucho mas obsesiva) pero el recurso funciona tambien hacia el presente.

George Clooney no solo nos muestra una epoca con un parecido sorprendente a la nuestra, sino tambien una epoca radicalmente distinta a la nuestra. Con los mismos demonios y distintos heroes. No se pueden negar que, en relacion al presente hay un recurso logico a los buenos viejos tiempos donde el periodismo era integridad y cuarto poder en la lucha contra los estragos politicos.

, les preguntaba por el sentido de los mitos fundadores y su relacion con las comunidades, los wu ming respondian lo siguiente: Las historias son el carburante ecologico de las comunidades en marcha. Pero pueden tambien convertirse en instrumentos opresivos y paralizadores. El patrimonio de perspectivas e historias compartidas, el imaginario, forja una base de cohesion comunitaria, pero no hace falta mucho para pasar de la cohesion, del sentido de un camino que se esta recorriendo, a la construccion de una identidad fija, que hay que mantener y preservar de las contaminaciones externas.

Basta pensar en un pueblo nomada y absolutamente "mestizo" como el judio. Este ha podido sobrevivir, confrontarse a otras culturas, mezclarse con ellas y al mismo tiempo sobrevivir a varios intentos de exterminio, gracias a un bagaje mitico y de historias fortisimo. Su mito mas fuerte, el de la Tierra Prometida, transportado por todo el mundo, ha sido un propulsor increible para la cultura judia durante toda su historia y ha contribuido al desarrollo de Europa. El Judio Errante, con su Tierra Prometida en la mochila, ha sido una de las figuras mas fascinantes y sorprendentes de la historia y ha producido personajes como Moises ben Maimonides, Baruch Spinoza, Isaac Newton, Karl Marx, Sigmund Freud, Albert Einstein, Hanna Arendt... ¡Woody Allen! En el momento en que se ha sacado el mito de la mochila para concretarlo y vincularlo a una identidad territorial cerrada ha terminado por producir un estado militarizado, discriminador, belicoso.

Creo que Munich habla literalmente de lo mismo que habla Wu Ming 4, de la posibilidad y necesidad de resignificar el mito judio del origen. Y quizas el mito del origen orientado a una tierra concreta y a partir de ella a la construccion de una nacion. Munich es, en ese sentido, una apuesta tremendamente personal (estoy seguro de que alguien familiarizado con la cultura judia entendera mucho mejor que yo esta pelicula) que construye uno de los relatos mas fascinantes del cine de accion y espionaje de los ultimos anos.

Ayer fui a ver Brokeback Mountain con una sensacion contradictoria. Ang Lee ha drigido una de mis peliculas favoritas: La tormenta de Hielo, y la pelicula viene cargada de globos de oro y buenas criticas. Pero los trailers llenos de gestos enjutos y miradas cargadas de intensidad me preocupaban, el "cine independiente" suele transformar sus problemas de ritmo con laaaaargos silencios y emocion contenida.

Brokeback Mountain es una pelicula que tiene mucho merito, es una apuesta valiente y arriesgada, y eso es lo primero que hay que reconocerle. Sin embargo, a partir de ahi hay que pedirle lo que a cualquier pelicula (sean cuales sean sus intenciones)

Supongo que en la sociedad americana impactara bastante ver a estos dos vaqueros tremendamente masculinos tener escenas romanticas y momentos de sexo explicito, pero este valiente aliciente no resulta demasiado impactante en Europa, con lo que la historia debe ser algo mas que valiente para que nos importe demasiado. No es que aqui no haya homofobia y represion sexual, el problema es que llevamos viendo cine que ha intentado impactarnos desde que nacimos y ya no nos impacta nada.

Las interpretaciones, direccion ,musica y fotografia de Brokeback Mountain son excelentes, contenidas e inteligentes, el problema (en mi opinion) es el guion. Un guion que solo despega en la primera media hora y en los ultimos veinte minutos, (la primera media hora es excelente, eso si), pero que naufraga estrepitosamente en la hora y pico por la que transcurre si segundo acto donde no sucede practicamente nada. Esto no es un problema de ritmo, la intensidad de lo que sucede puede llevar un tempo pausado, pero la pelicula no avanza en direccion alguna durante minutos y minutos. Los conflictos abiertos no estallan, no ya los de la pareja de protagonistas, tampoco los de sus parejas o hijos, o lo hacen demasiado tarde, cuando su fuerza es menor.

Como no hay una progresion dramatica clara, ni siquiera las reacciones de los personajes se acumulan, sino que estallan para luego irse apagando lentamente. Ni siquiera vemos a los personajes explorar salidas a su situacion (aunque luego estas quedaran frustradas)

Estoy deacuerdo en que el medio oeste americano no es precisamente el paraiso de la revolucion sexual, pero la posibilidad de la fuga y la huida es constante en cualquier historia de amor, y no contar- al menos- su intento por escapar de esa situacion, le resta credibilidad al conflicto.

Afortunadamente, esto es solo una opinion humilde e individual, miles de personas estan disfrutando de esta pelicula y tienen una gran opinion de ella, escribir sobre ella solo es una manera de abrir espacios al debate, no entiendan esto como una critica.

Si ayer no estaban viendo ese producto de calidad digno de una television publica que es el "Bar Coyote", y si, via autonomica han podido seguir el ciclo Agatha Christie que ha ido poniendo telemadrid, quizas vieran ayer un peliculon maravilloso, testigo de cargo. Si no la han visto, no se a que esperan para...

3)Saber que "la sorpresa final" tan tipica en el cine actual era ya un lugar comun y habia genios que la hacian con una elegancia brutal. En los ultimos diez minutos de Testigo de Cargo hay tres giros de la trama que son como ir en una montana rusa sin control, una gozada.

Un sonido atronador satura los amplificadores de la sala de cine: "You know the day destroys the night, night divides the day..." Jim Morrison se desganita cantando los primeros versos de Break on Through to the other side, de The Doors. Lo que empieza siendo un sonido extradiegetico se convierte en diegetico cuando un helicoptero surca la pantalla de parte a parte, la musica suena a traves de unos altavoces instalados en el mismo. Mientras pasa, en el suelo de un desierto arenoso y aparentemente abandonado, un grupo de seis marines de los Estados Unidos, esta cabreado. Uno de ellos mira al helicoptero y grita ¡esa musica es de otra guerra!...

Muchos criticos han dicho que Jarhead habia abandonado el contenido politico y habia perdido la oportunidad de criticar la guerra del golfo, Sam Mendes, director de la cinta opina que si hubiera hecho una critica mas directa habria hecho una pelicula con fecha de caducidad, que habria durado seis meses.

Sus palabras esconden mucho mas de lo que enuncian, pues Jarhead es uno de los experimentos filmicos mas interesantes de los ultimos anos, y una de las criticas mas radicales e inteligentes a la guerra del siglo XXI que yo recuerde.

En este caso el grumo de su historia es un tiempo muerto. Los tiempos muertos de la vida. Esas zonas de sombra entre decision y decision. Tiempos, al fin, duros, pero en los que indudablemente pasan cosas.

Malas Temporadas son tres historias enlazadas de manera muy colateral, sin inmiscuirse practicamente la una en la otra salvo en momento muy concretos. El ritmo de la pelicula es duro, lento como tienen que ser los tiempos muertos y las zonas de sombra.

Una pelicula silenciosa (peca, quizas, de un exceso de musica) con algunas interpretaciones prodigiosas, especialmente soberbios Javier Camara y Nathalie Poza en sus diferentes composiciones, asi como el hijo de esta en la ficcion.

Un profesor de ajedrez que acaba de salir de la carcel, una trabajadora de CEAR (Comision Espanola de Ayuda al Refugiado) cuyo hijo ha decicido no salir mas de su habitacion sin un objetivo o motivo aparente, una minusvalida ex- cantante y su marido, un traficante de obras de arte venidas de La Habana, etc. Todos estos personajes construyen las tres historias por las que discurre el relato.

Con una fotografia saturada de blancos, casi documental, poco estilizada (como pide la historia) y una narracion seca y reposada, Martin Cuenca consigue transmitir valor a su historia. El mayor problema es que solo una de las tres historias esta construida con fuerza dramatica suficiente, mientras que las otras dos parecen deslavazarse un poco mas. El problema es habitar narrativamente esas zonas de sombra, poblarlas de pequenos momentos que, sin ser nada, narren.

Hay mucha vida en el desierto, narrar el desierto es un problema y un desafio que Martin Cuenca acomete con sinceridad y valentia, con bastante acierto en muchos casos y con cierta falta de ritmo en otros.

Como todo acontecimiento (mediatico, se entiende) que se precie, Harry Potter tiene su corte de seguidores fieles. Reconociendome vagamente entre ellos (ya que no compro compulsivamente sus libros y voy a ver las peliculas sin una espectativa definida) debo reconocer que la lectura del primer libro me resulto de las cosas mas gratas de aquella navidad de hace ya unos anos, y que las peliculas en cuestion (especialmente la de Alfonso Cuaron) me parecen, en general, un muy decente entretenimiento infantil, juvenil y... mi edad.

Quiero decir con esto que sin llegar a disfrazarme suelo ir a los estrenos de las peliculas del joven mago, aunque con el paso del tiempo he llegado a plantearme de forma perversa porque no le asesinan alegremente sus companeros de escuela ¿no hay nadie mas en Howgarts para que le pase algo? Yo soy de la opinion de que te todo lo mejor de Harry Potter sucede mas alla del propio Harry, que no es que este mal, pero ya sabemos de que va. Si me permiten me decantare con pasion por la joven Hermione Ranger y el maravilloso Severus Snape como personajes favoritos.

y debo decir que es una de las peliculas que mas ha estimulado mi mente de mis ultimas visitas al cine, reflexiones sobre cine y politica, sobre cine y cultura, sobre high y low culture, sobre cine y television, sobre el audiovisual como fenomeno social, sobre... en fin, sobre muchas cosas.

¿Pero es que Serenity es una buena pelicula? No, es malisima. Pero es un tipo de maldad que la eleva lentamente sobre las nuves, una maldad no humillante, una maldad complice, una maldad que dice "A mi tambien me gustaron las pelis de Roger Corman, ya se que son cutres, pero molan".

, tiene a los personajes cinicos, tiene el sentido del humor, el aire de western, y no tiene el tonillo autosuficiente, al contrario que la superproduccion de Lucas, Serenity crece por abajo, en un fenomeno fanatico-empresarial de gente que jamas negara que lo que esta viendo es malisimo, pero que la esta gozando.

Pero amgios, no es solo que la estemos gozando, es que los diez primero minutos de Serenity son una de las criticas mas lucidas a las intervenciones belicas en nombre de la "libertad, la justicia" y, como diria Blair "para defender nuestro modo de vida".

¿por que es malisima? Porque Weddon es un realizador de television que se pierde en el narrativa de cine, porque los personajes son planos (y mas cuanto mas secundarios son) porque las reacciones de los personajes son explicativas y expositivas, porque hay mas de dos y mas de tres situaciones imposibles, porque el final es totalmente naive y bien intencionado, etc, etc, etc. Pero se goza, se goza porque se tiene la sensacion de que todo eso forma parte de una narrativa consciente, no esta hecho aposta, pero parece que no podria ser de otra forma.

Al mismo tiempo es un experimento curioso desde el punto de vista audiovisual porque es una pelicual tremendamente barata, con un inteligente uso de los exteriores y los decorados, con trucajes de maquillaje de gran calidad (marca de la casa, esa Buffy ) y con unos efectos esepciales muy trabajados, pero bastante limitaditos, desde luego, no estamos ante la tipica superproducci apabullante, mas bien al contrario, necesidad y virtud.

Pero amigos, ¿si esto es el goce que hay del buen cine? En serio, el objetivamente bueno, donde los personajes son creibles y complejos, las situaciones no son forzadas, etc... ¿Donde esta? Ya solo nos queda la cultura pop de reciclaje televisivo y personajes de carton piedra carismaticos, con unos conflictos personales para partirse de risa ¿donde esta el goce del intelecto,? ¿la excitacion? No les demos la razon, que no sea "complejo- aburrido" "simple- divertido". No, neguemonos: rebeldia, a la borriquetas, a los paramecios.

Hoy, 19 de Marzo de 2010, he vuelto a ver Serenity por segunda vez. He cambiado lo suficiente para saber que todo lo que he escrito ahi arriba (salvo los halagos) es un error y una estupidez. Mi yo del pasado hablaba desde la peor perspectiva posible, una atravesada por una ideologia que desprecie el entretenimiento porque lo presupone renido con el pensamiento. Que desprecia el arquetipo y confunde la complejidad con la falta de claridad a la hora de exponer ideas y que lo ignora todo sobre la cultura popular (En fin, no es que ahora sepa mucho, pero algo mas si que se)

Serenity es el tipo de pelicula que cualquier persona con dos dedos de frente y una preocupacion singular por la autoria y por lanzar una vision del mundo a la vez comprensible y llena de entretenimiento, deberia hacer. Aqui arriba escribi todo lo que no hay que hacer o pensar (En fin, pensar, que cada cual piense lo que quiera, pero se equivoca)

Lo pego completo para que lo puedan disfrutar y comentar. Por mi parte solo decir que si bien estoy deacuerdo en que no hay nada de malo "per se" en la concepcion familiar, si me parece terriblemente conservador oponer la familia a cualquier otro tipo de vinculo comunitario, no ya uno que me invente yo, sino simplemente relaciones de amistad, profesionales, etc. Pero lejos de mi proponer el desierto posmoderno sin vinculo comunitario alguno donde lo unico que campa a sus anchas es la ley del mercado revolviendolo todo y destruyendo a placer :=)

, la ultima pelicula del director Navarro Montxo Armendariz, nominada como candidata al oscar por Espana y basada en la novela de Bernardo Artxaga "obabakoak". La pelicula cuenta la trayectoria de Lourdes, una estudiante de imagen a traves de la que conocemos tres de las historias que habitan en Obaba, que- como cortometrajes- se articulan con el relato general. Esos tres relatos son el de la Maestra (brillantemente interpretada por Pilar Lopez de Ayala), Los Hermanos Ellit (con Eduard Fernandez) y El hijo del Aleman (en mi opinion la historia mas redonda de manera individual)

Lourdes, interpretada por Barbara Lennie con eficacia, narra una historia bastante inusual en lo que se refiere al juego "observador- camara- narracion". Una inversion que pasa de ser el narrador que extrae sentido y reduce la complejidad de lo real a introducirse como parte de la historia con su particularidad, en vez de la mirada que extrae, la mirada que es absorvida. Lamentablemente, el personaje no transmite (en mi opinion) una empatia suficiente con el espectador (quizas por su frialdad) como para que la implicacion con el mismo sea emotiva (y no meramente cerebral) de esta forma, su peripecia se queda un poco coja. Creo que es un problema general de la pelicula en la que cada una de sus partes resulta interesante (incluso sobresaliente en aspectos como la musica, la fotografia o algunas interpretaciones) pero el conjunto "implica poco". Personalmente no soy capaz de saber los motivos.

The Take (La toma) Narra la historia de una fabrica recuperada en Argentina bajo la consigna "Ocupar, resisitr, producir", la fabrica FOJA, nacida al calor de las movilizaciones del 19 y 20 de 2001 del cacerolazo y el "Que se vayan todos". Con una voluntad marcadamente pedagogica, entre el documental activista "interno al movimiento" y el nuevo documental Mainstream norteamericano. Klein y Lewis elaboran un documento emotivo (en ocasiones demasiado) y directo sobre una de las alternativas puestas en marcha por ese nuevo sujeto emergente en todo latinamerica que excede el ambito estatal y produce nuevos procesos politicos.

Al mismo tiempo la pelicula intenta producir una tension entre la vieja politica (ligada a las expesiones parlamentarias, la clase politica, el estado, etc.) y la nueva (basada mas en la expresion que en la representacion, superando la legalidad estatal, produciendo derechos desde abajo, etc.) pero la resolucion narrativa resulta poco efectiva para la propia tesis de la pelicula (completamente contraria tanto a la "vieja politica" como a los partidos y su logica de representacion) probablemente reflejando una contradiccion real y una crisis en la propia perspectiva politica de los creadores de la cinta, aun anclados en cierta logica de representacion, lo cual es- en mi opinion- una ventaja para la pelicula porque consigue dibujar una tension que, creo, se vive de manera activa en muchas realidades (incluyendo la nuestra).

Da la casualidad de que las mejores peliculas de Jim Carrey son tambien tres de mis peliculas favoritas: Man On The Moon, El Show de Truman y Olvidate de mi, que tuve ocasion de ver por segunda vez el pasado domingo gracias a que, por fin, ha salido en DVD. Charlie Kaufmann es uno de los guionistas mas novedosos e interesantes del ultimo cine hollywood, Michel Gondry es uno de los realizadores mas interesante en el ambito del videoclip y con Olvidate de mi ha demostrado ser tambien un narrador eficaz, imaginativo y espectacular sin recurrir a efectos especiales, partiendo solo de la direccion de fotografia, la posicion de la camara y la optica.

¿Cual es la diferencia fundamental entre Olvidate de Mi y otras peliculas "posmodernas" caracterizadas por la dispersion del relato, la fragmentacion, una pseudo psicologia freudiana? Que Olvidate de Mi no utiliza el lenguaje como mera retorica formal, sino que recurre a este tipo de narracion para transmitir emociones reales y reflexiones profundas sobre la vida, en este caso la necesidad de aceptarnos con nuestros defectos y flaquezas y una reflexion sobre el amor pesimista y a la vez tierna y maravillosa, merece la pena tener una relacion con alguien incluso aunque sepas que tarde o temprano te cansaras, sufriras o la odiaras...

¿Cual es la diferencia fundamental entre Olvidate de Mi y otras peliculas "de amor"? Que Olvidate de Mi narra una historia sencilla a traves de un mecanismo complejisimo (pero ojo, con un guion de estructura limpia y muy clara) que obliga a mantener la atencion, tanto en su historia principal como en las historias secundarias.

Ocho personajes alrededor de una mesa, y poco mas. Una sala acompanando los asientos, un pasillo que apenas tiene importancia, unos banos y una recepcion. Este es el marco escenografico de una pelicula pequena bien vendida. El autor de la obra en la que se basa dice no reconer su obra en el texto, lo cual me parece perfecto porque asi podre ver dos veces algo bueo y distinto (la pelicula y su obra)

Mantener la tension dramatica y el ritmo a lo largo de las dos horas que dura la pelicula es algo complejisimo y muy bien resuelto por Marcelo Pyneiro (uno de mis directores favoritos y autor de las imprescindibles Plata Quemada y Caballos Salvajes) a traves de un montaje agil y bien cubierto y unas interpretaciones solventes (expcepcionales en el caso de Carmelo Gomez, Adriana Ozores, Eduard Fernandez y Pablo Echarri) que conceden verosimilitud al conjunto. Dialogos rapidos, intensos e interesantes que mantienen la atencion del espectador y hace avanzar la accion con inteligencia.

Un guion construido en torno a los topicos de la empresa total, del lenguaje politicamente correcto en torno a la cooperacion social, la capacidad de dialogo, el entusiasmo, el "ser positivos", etc. Con un sustrato real, como dice Echarri "¿Que equipo? Aqui no hay ningun equipo, estamos peleando por un mismo puesto de trabajo". Retorica empresarial frente a cuerpos sometidos a un regimen empresarial que no se limita a eliminarlos de un concurso, sino que imposibilita su acceso a un salario. Viendo a esos ejecutivos intentar "ser humanos" (llevarse bien, tener cierta dignidad a pesar de todos) rompiendose por un puto puesto de trabajo no podia dejar de pensar en los gladiadores que se negaban a luchar entre ellos en Espartaco.

La pelicula se construye en torno a dos o tres giros interesantes que aportan el plus de atencion justo para que "no decaiga" el interes. Es un pena que la ultima secuencia de la pelicula decaiga un poco (ojo, solo un poco) con respecto al resto y deje un sabor de boca algo mas bajo que el resto de la pelicula, que realmente merece la pena.

Personalmente, creo que no habia ninguna necesidad de incluir el contexto "movilizaciones contra el FMI" que, de no estar, no harian la pelicula diferente en ningun aspecto y que puede despistar por un exceso ideologico demasiado evidente y, quizas innecesario. Tambien creo que se cargan demasiado las tintas hacia el lado "disciplinario" de la empresa, cuando la perversidad del modelo postfordista de produccion en la sociedad de control es mucho mas sutil y complejo, pero estas "anotaciones" son siempre posteriores a devorar el contenido con gozo y alegria.

"Pues a mi, con sus dudas, sus altos y sus bajos, me parece una pelicula muy digna. La verdad. Y hay una parte de las criticas a la misma que me parecen dignas, justas, muy resenables, etc. Otras me suenan a resentimiento, prejuicio y a prioris que dificilmente pueden poner las cosas en su sitio.

a)F. Leon es un pijo con complejos- Parece ser que cualquier inquietud social, cualquier intento por hacer un cine social (de genero social, con su lenguaje, su distribucion, sus codigos, etc.) Tiene que partir de la mala conciencia y no de la curiosidad y el interes, es algo tan superficial como decir que las peliculas de accion las hacen directores fachas, absurdo.

b)No tiene ni idea de lo que cuenta- Me puedo creer que a alguien no le guste la imagen que da de un barrio madrileno, o de unos parados, porque es una cuestion de opinion, pero el conocimiento que parece demostrar el personal sobre el mundo de la prostitucion (paradojico, teniendo en cuenta el grado de invisibilidad que tiene dicho colectivo socialmente) es un tanto sonrojante. Y la velocidad con la que se juzga que es creible y que no parece tener mas que ver con los a prioris particulares, por ejemplo "Todas las putas parten de una situacion de marginalidad, luego el personaje de Candela Pena no se entiende", o "Todas las putas quieren dejar de serlo luego el personaje de Candela Pena no se entiende", Fernando Leon es un director que investiga mucho antes de hacer sus peliculas, creo que merece al menos el beneficio de la duda,

d)El cine espanol esta fatal, hace falta una revolucion, un cambio, un algo: Esta es mucho mas compleja, pero si el cine espanol esta fatal no sera por peliculas como Princesas que (como las anteriores de Fernando Leon) son peliculas extremadamente rentables.

Creo que hay ser un poco mas objetivos en las defensas, en los juicios, etc. No esta de mal decir que puede que simplemente el "genero social" (yo creo que es un genero) haya gente que no le gusta, como hay otros que no les gusta el cine de ciencia- ficcion, o el de misterio o terror.

(Amigo y quizas unos de los pornografos con un conocimiento enciclopedico mas grande en el asunto) cuando le recomende que la viera: "¿Tiene canciones?, no se, la parte entre polvo y polvo la pasaba rapido".

Acabo e salir de los cines Ideal de ver El Secreto de los Hermanos Grimm, la ultima pelicula estrenada en nuestro pais de ese maestro que es Terry Gilliam, una fantasia que mezcla la narrativa clasica europea con el cine de aventuras, consiguiendo al mismo tiempo una entretenida pelicula con un guion cuidado, interesante y divertido (salvo por un par de momentos que no llegan a explicarse con el unico fin de hacer avanzar la accion y un par de giros finales un tanto confusos) y una parabola sobre el sentido de las historias, del flocklore, frente a la revolucion de la razon.

Repaso bloguero y criticas a Princesas, casi todo lo que he leido apunta en la misma direccion: Buena pelicula, buenisimas actrices, algun fallo de guion, buen trabajo de direccion, problema de repetir esquemas de peliculas anteriores... mas o menos.

Calle (perfecto nombre) y Zulema son dos putas en un Madrid resplandeciente, no sabemos las razones por las que Calle es puta, pero tampoco sabemos las razones porque las Juana es cajera, o al menos no nos interesan ¿hace falta justificacion para ser puta? (Primer inteligente gesto de Fernando Leon), Son putas como podrian ser cajeras, pero son putas, una sobre todo es puta, y la otra es sobre todo Sin Papeles.

Las dos comparten un miedo, una, a que lo que es: "puta", la determine por encima de cualquier otra cosa, y por eso lo oculta, pero esa tension hace su vida imposible. La otra esta atada a una situacion de ilegalidad que la obliga a aceptar lo que sea: palizas, sexo poco o nada seguro, violaciones, etc.

Princesas es la cuarta pelicula de Fernando Leon, su primera pelicula se diferencia radicalmente de las tres siguientes, tanto en su forma como en su contenido, por el contrario, tanto Barrio, como Los Lunes Al Sol, como Princesas, son una parte de un todo, esa continuidad permite empezar a juzgar las peliculas por meritos concretos, y tambien relativizar sus hallazgos, algunas metaforas se repiten entre Barrio y Princesas, algunos recursos ya los conocemos, y lejos de no ser efectivos, sorprenden menos, y sobre todo, vuelven algunos momentos de la trama previsibles, de tal manera que lo que en la primera pelicula era un detalle de buen guion, hoy es una pista, nos hemos acostumbrado a ese lenguaje, y eso puede suponer algun limite a la hora de dejarnos sorprender.

Bien es cierto que frente a la completa ausencia de "trama" en Barrio y Los Lunes al Sol, Princesas cuenta dos historias, y las cuenta, las tramas evolucionan, y se resuelven, con un arquitrave minimo, pero existente.

A nivel de estructura creo que la pelicula se resiente durante unos quince minutos pasada la primera hora en la que lo que sucede ya lo sabemos, los conflictos estan planteados, pero no se resuelven todavia. Al final remontamos bastante bien el rumbo.

Lo que mas me chirriaron fueron dos o tres momentos que me resultaban demasiado forzados en la coincidencia, y la escena del Mercedes con el chofer, que aunque da oxigeno, resulta demasiado artificial para mi.

A pesar de ello la arquitectura del guion ex excelente, y lo que en Los Lunes Al Sol era un bar cerrado a Cal y Canto, hoy es una peluqueria con cristalera que se relaciona con el mundo, y eso se agradece.

Por ultimo queria mencionar los dos excelentes temas que Manu Chao se saca de la manga, con su capacida de sintesis sugerente y unos arreglos entre la fiesta y una tristeza contagiosa, resultan uno de los grandes aciertos de una pelicula que, por cierto, usa muy bien sus silencios.

En 1994 Clint Eastowood dirigio e interpreto en uno de sus papeles principales, el que quizas sea el ultimo western puro y duro (con las salvedades correspondientes a su epoca, a la inflencia de directores contemporaneos y a la adaptacion de tecnicas narrativas estrictamente contemporaneas), la pelicula en cuestion se llama Sin Perdon, y es una de las cosas mas maravillosas que ha dado el sepito arte, un analisis sobre las causas y las consecuencias de la violencias (especialmente esto ultimo) sobre lo justo y lo injusto, sobre el mito y la realidad y sobre la etica.

Roald Dahl escribio una vez un cuento que se llamaba Charlie y la fabrica de chocolate, era un cuento para ninos que no trataba a los ninos como tontos, sino como ninos y que, como todo buen cuento en la herencia de los hermanos Grimm y otros grandes mitos de la literatura infantil, era cruel y misterioso y ensenaba algunas lecciones sobre la vida, el egoismo, la familia, etc. Pero era un cuento para ninos, no un cuento para adultos en el codigo de un cuento para nino, ni un cuento para ninos y adultos, ni nada de eso.

Tim Burton hizo una vez una pelicula sobre un libro de Roald que no trataba a los ninos como tontos, sino como ninos, pero era una pelicula infantil y para ninos. Y conviene juzgarla en esos terminos.

, pero no contaba yo con esa influencia familar tan oportuna y esos meses de verano en el pueblo y el calor ¿que mejor sitio para refugiarse unas horas que en un buen cine? Mi madre me propuso el sabado ir a Logrono al cine, no pude decirle que no. Objetivo, la Ciudad de Pecado: Me refiero a Sin City, no a Logrono.

El mismo viernes, unos segundos antes de coger el autobus para salir de Madrid me quede mirando un cartel de Sin City (uno de esos con los personajes que recorre todo Madrid) y me entretuve leyendo los creditos, algo que lei (o mejor, que no lei) me dejo un poco inquieto... ¿por que no habia ningun guionista acreditado?

Fue lo primero que me llamo la atencion de los excelentes titulos de credito de la pelicula, tras una bella secuencia con Josh Harnett. No habia guionistas ¿seria una cosa sindical? ¿un juego? ¿una prohibicion? O simplemente no habia...

A veces hay datos cotidianos que revelan mas sobre una situacion concreta que complejos analisis de situacion. Ayer fui a ver la guerra de los mundos por una unica razon, era la unica pelicula que nos podia juntar sin discusiones a mi madre a mi hermano y a mi en una sala de cine. ¿como se obra tal milagro? Supongo que elaborando esa quimera publicitaria denominada "cine para todos los publicos", que en realidad quiere decir cine para ninguno. La sala estaba llena. Ojo, Spoilers.

El pasado viernes acudi al estreno de Batman Begins con, la verdad, muy buena predisposicion, hubiera sido muy dificil que la pelicula no me gustara pues todo lo que habia leido o visto me remitia al universo que mas me gustaba de los Tebeos de Batman, bien lejos de las ultimas estridencias. A la salida de la pelicula la cabeza no dejaba de bullir apuntes, reflexiones, notas, etc. Quizas contenga algun spoiler, pero leve. Estais avisados.

Esta pelicula viene impregnada de cierta leyenda, el tipo de leyenda que puede hacer que la adoremos a priori (como sucedia con peliculas como Cube, o Pi, u otras) o la odiemos a priori. La formula empieza a sonar conocida y ya no es garantia de exito ni de inteligencia, a saber: Persona que no tiene ni idea de cine, que jamas ha estudiado cine y que incluso viene de un campo tan alejado a la cinematografia como las matematicas (en este caso) hace una pelicula extremadamente barata y, no solo triunfa en los festivales del ramo independiente (vease Sundance) sino que tambien "revoluciona" un genero, en este caso el de Ciencia Ficcion.

Estas coordenadas son comunes a muchas peliculas estrenadas desde mediados de los noventa, tanto que casi resulta inevitable que ano tras ano no se estrena la pelicula del nuevo "director joven de mirada patatin que no tenia dinero pero tenia ilusion y triunfo" como una reedicion posmoderna de La Cenicienta para que cientos de miles de estudiantes de imagen del planeta sigan haciendo experimentos con sus camaras de Mini-DV con el objetivo de triunfar (en vez de divertirse).

Tiendo a creer que esto empieza a apestar a marketing subterraneo y que ya hay que ir a los cines Ideal con las anteas igual de atentas que cuando vamos al kinepolis con el "detecta mierda en on". No nos rindamos a priori a la calidad del envoltorio, no es nada bueno que Shane Carrut, creador total de esta pelicula la haya escrito, dirigido, producido, fotografiado, montado y hecho la musica (al menos no es nada bueno a priori) y lo siento, la pelicula que vi ayer no ha costado 7000 dolares como dicen las hojas de promocion de los Renoir.

Y este tema si que es molesto ¡hacer una pelicula no cuesta 7000 dolares! y ya esta bien de enganar al personal. Hace cuatro meses grabe un corto en un formato digital de menor calidad al de esta pelicula, que ademas ha sido inchada a 35mm, solo tuve un dia de grabacion y alquiler de equipo y toda la posproduccion me ha salido gratis, y el presupuesto ha superado los 6000 euros. Puede que yo sea un pesimo administrador del dinero, pero por muy malo que sea ¡una pelicula con planos rodados con steadycam a tutiplen, numerosas localizaciones (ya esta bien de la leyenda del garage, que casi no sale) y con CINCO semana de rodaje NO CUESTA 7000 dolares.¡

¿Han oido ustedes un grupo llamado Los Happy Mondays? Yo no. ¿Conocen un grupo llamado Joy Division? Yo, de oidas ¿Han escuchado alguna vez a New Order? De nuevo, yo no. ¿El Sonidor Manchester? Vagamente ¿Los Stone Roses? Algo mas... ¿cultura Rave? ¿Dj? Mas o menos... Pero todas las peliculas sobre musicos y sobre la musica son cojonudas, hasta las malas.

24 hour party people es la segunda pelicula que veo de Michael Winterbottom, la primera fue 9 canciones (y algun dia hablaremos de esa) y la tercera sera Codigo 46 (se lo digo yo) Cada vez que este director ha estrenado peliculas desde Wonderland (y van unas cuantas) yo me he apuntado en la agenda mental ir a verlas, solo relacionaba vagamente la pelicula con el director para llegar despues a la feliz consecuencia de que muchas de las que me apetecian eran del mismo tipo. El caso es que nunca terminaba de ir (algo parecido me paso con La Cabra Mecanica cuando sacaron sus dos primeros discos, pero esa es otra historia)

Omagh es un proyecto de television que se ha convertido en pelicula, el guionista es Paul Greengrass, que como ya he comentado por aqui alguna vez, ha rodado la mejor pelicula sobre una manifestacion que yo haya visto, Sunday Bloody Sunday.

Omagh es el nombre de un pueblo sacudido por el atentado mas grave ocurrido en la historia de Irlanda del Norte. El IRA autentico, escision del IRA que se opuso al proceso de paz con el gobierno de Tony Blair que puso en marcha la organizacion armada y el Seinn Feinn. En el atentado hubo 32 muertos y cientos de heridos, catolicos, protestantes, ateos, irlandeses en su mayoria, pero tambien ingleses e incluso dos espanoles. La nacionalidad y la religion en realidad es lo de menos, fue un atentado para dinamitar un proceso de paz, un salto cualitativo en la geometria del conflicto que Irlanda vive desde hace ya muchos anos.

Omagh cuenta la historia de la asociacion de victimas creada a raiz de los atentandos. Familiares de los asesinados que iniciaron una lucha durisima y dolorosisima para exigir que se detuviera a los responsables de la masacre, encontrandose con la accion negligente del gobierno britanico e Irlandes y sus respectivos cuerpos policiales. Nadie queria detener a los autores de la matanza ¿por que? Porque tensionaria las partes en conflicto y podria generar el fin del proceso de paz y una nueva escalada violenta.

Ya la he visto. La vi el viernes en la fila uno de un cine de dimensiones considerables (aun asi se veia bien) La publicidad habia cumplido con su cometido porque absolutamente todo el mundo estaba hablando de ella (ven, hablo de "ella", como si fuera un ser vivo, como si le deberia cierto respeto solo por existir) Lo habia cumplido por partida doble porque consiguio que esta trilogia se convirtiera (al menos para mi) en un nuevo acontecimiento social- que en mi caso se reduce a ir al estreno o aledanos con los amigos de toda la vida- algo que consiguio en su momento el episodio I y no habia conseguido el II, que vimos con desgana, cada uno por su lado.

Para quien no la haya visto, que lo deje aqui, es mas, que no me haga ni punetero caso. Vaya a verla y luego hablamos, las criticas son para discutir con las personas que las hacen, no para formarnos una opinion y menos para destripar argumentos. Que lo disfruten.

Kinepolis 17h. Mi senora madre y servidor nos disponemos a ver alguna de nuestras "tres peliculas espanolas del momento" (O sea Tapas, Heroina y Hormigas en la boca) Nos hacemos la promesa de ver las tres y priorizamos: "Hormigas en la boca puede que la quiten antes que las otras" (Mi madre tiene razon casi siempre) Asi que nos metemos en una sala practicamente vacia mientras cientos de personas corretean por las 25 salas del kinepolis viendo Superpoli pasaba por aqui 6 y (afortunadamente) cosas mas dignas: El reino de los cielos gana por goleada.

Mariano Barroso ha dirigido una de mis peliculas favoritas del cine espanol de los noventa: Extasis. Y una de mis peliculas fallidas favoritas de los noventa: Los lobos de Washington (Ese concepto, el de pelicula fallida lo digo apenado. Hay gente que esta ancantada de que al personal le "fallen" las peliculas, a mi me apena, al menos en este caso) ¿Que quiere decir eso de fallida? Pues que me gusta verla y todas las cosas por separado funcionan (actores, direccion, guion, fotografia... quizas todas menos la musica) pero juntas no acaban de cuajar y no parece ser culpa de nadie.

Hormigas en la boca es una resplandeciente pelicula de cine negro. Es una pelicula brillante como las fotografias elegantes de los anos cincuenta, y brillante como los trajes blancos de La Habana pre castrista. La historia no es distinta (ni peor) que las cientos de peliculas de cine negro: hay perdedores, hay mujeres de ambivalentes intenciones, hay secundarios con taras fisicas, hay malos elegantes, hay ambientes opresivos y hay- ocasionalmente- violencia salvaje. Tambien hay actores excelentes (Perrugorria, Ariadna Gil y Eduard Fernandez y un plantel de secundarios de empaque, tanto cubanos como espanoles)

Como pasa en algunas peliculas de cine negro, el protagonista (Eduard Fernandez) parece estar media pelicula sin enterarse de nada (recibiendo encargos, trampas, contraencargos y un buen numero de hostias) y la otra media dando cana, como dan cana los que no tienen nada que perder.

Quizas el personaje de Ariadna Gil sea un poco menos inquietante de lo debido y es verdad que hay diez o veinte minutos hacia la mitad donde la historia se vuelve un poco (un poco) herratica. Para ser una pelicula tan de genero hay momentos con cierto aire de improvisacion o "estilo documental" (Camara al hombro, evidenciar la presencia de la camara) que a mi me sacaban un poco de la historia. Pero en general la pelicula es de una solidez y una profesionalidad aplastante. Nada que envidiar a los cientos de peliculas del genero que vienen de Estados Unidos y que, sin ser los exitos del ano tienen taquillas dignas, como ellas. Y hacen pasar un buen rato.

. En La cinefilia hablan de Hugh Grant y de Woody Allen y de esa maravilla que es Granujas de Medio Pelo, ¿por que es una maravilla? Porque sus personajes no son tontos. Oiga, pero si son unos ladrones completamente inutiles. Si. Pero no son tontos, y no se hacen pasar por tontos, son incompetentes, superados, sonadores incapaces, pero no tontos, no dan pena, dan risa. Su estupidez es inteligente como cuando en cuatro bodas y un funeral cara de pato dice: "Siempre pense que U2 era un submarino".

: "Si parece que al final de la peli esta pierde fuelle es solo porque el principio es insuperable y no habia manera de estar a la altura (bueno, mas o menos como le pasa a la carrera de Woody Allen mismamente)."

Cuanta razon condensada en una sola frase. Y si quieren alucinar admiren la secuencia en la que Woody Allen habla con su mujer en la azotea, vean el encuadre conseguido entre las prendas de la ropa y piensen !Que bueno es este carbon¡ Pues si, es buenisimo, hasta sus malas son buenas.

La premisa mas o menos interesante: la obsesion por la decrepitud, el paso del tiempo y la critica a los "falsos remedios" de la cirugia y otros menos sutiles, se ve enfangada por una absurda historia (e incomprensible) de enemistad entre dos viejas companeras, a cual mas repelente, que de puro malas parecen tontas. El sufridor concursante que sirve de trofeo de batalla de estas dos arpias es un "abrumado" Bruce Willis, ex cirgujano y maquillador de muertos alcoholico que resulta demasiado patetico, demasiado manipulable, demasiado... tonto.

¿Por que hay ahora tantas comedias sobre gente tonta de remate? No me refiero a los adorables fraks tipo Wayne´s World, digo personas aparentemente normales pero sometidas a una especie de invasion de los ultracuerpos de estupidez y subnormalidad sin limites... si la comedia ha sido siempre el reino de la inteligencia... En fin, Bruce Willis es uno de estos pobres cretinos, su dignidad como personaje queda dilapidada bajo sus acciones baratas y su penosos "instintos animales" (Goldye Hawn le dice al oido la palabra "sexo" y el se vuelve loco, hasta el punto de intentar matar a su propia esposa... no hombre no)

El principio es atropellado, la mitad transcurre sin pena ni gloria y cuando empiezan los efectos especiales (los pobres, que en su dia fueron pioneros) todo es una sucesion de imposibles, peleas, caidas sin gracia, slapsticks ridiculos, etc.

A pesar de lo que comentan, hay algo en lo que no estoy deacuerdo. Dicen en QComics que uego tenemos la historia, que no es mala, pero que en ningun momento toma partido por ningun personaje (es decir, que no hay ni un heroe ni un malvado claro) sino un monton de personajes que defienden su causa solo porque eso es lo que les toca, sea la misma mejor o peor. Eso provoca que el publico no tenga un personaje con el que sentirse hermanado, ni un bando con el que sentirse coaligado, lo que ya empieza a provocar un desinteres por la historia que nos narra la pelicula.

Personalmente, creo que la pelicula tiene heroes clarisimos (quizas demasiado) y malvados clarisimos (quizas demasiado, tambien) solo que estos no estan determinados como tantas otras veces por la raza o la religion. Porque la linea entre quien es bueno y quien es malo no esta determinada por quien ataca y quien defiende, sino por que se ataca y que se defiende (las ideas, la gente, las ciudades, las religiones, etc.) Y como. Esto es algo que quizas pueda resultar desconcertante, pero yo quiero ir al cine a que alguien me desconcierte, aunque sea un poco ¿no?

Sus peliculas, y El Castanazo no es una excepcion, son extremadamente modernas, prefiguran toda una serie de comportamientos en materia de sexualidad, profundidad de personajes, sentido narrativo, completamente contemponaeos, y forma parte de esa extrana generacion de cineastas americanos previos a los Coppola, Bogdanovich, etc. Que miraban su pais a ras de suelo, con personajes reconocibles insertados en la formula del genero mas clasico.

El castanazo cuenta la historia de un equipo de hockey de una ciudad perdida de los Estados Unidos, completamente dependiente de la economia generada por una fabrica que aglutina practicamente a toda la ciudad, y que por supuesto esta a punto de cerrar. En esa situacion, el entrenador del equipo (un increible Paul newman) decide convertir el deporte en si en todo un espectaculo para ganar espectadores y lo hace usando una herramienta comun a todo morbo, la violencia. Ayudado por los "hermanos Hanson" tres bestias pardas de

La historia desprende un realismo sorprendente, los personajes no solo estan dibujados con precision y profundidad sino tambien desde el punto de vista fisico ¿de donde han salido esos hombres y mujeres? La realida impregna la pelicula dando verosimiltud y calado a la narracion.

El fondo triste de toda la historia, especialmente expresado a traves de la relacion con las mujeres de los jugadores (alcoholicas en su mayoria, deprimidas y dependientes de sus maridos) y del propio personaje de Newman incapaz de salir de la relacion con su ex-mujer, de la que sigue evidentemente enamorado.

(aunque efectivo) cuenta la historia de la defensa y caido de una Jersualem gobernada por los cristianos entre la segunda y la tercera cruzada. El reino de los cielos hace referencia a ese pedazo de la tierra que lleva mas de mil anos siendo el centro neuralgico de conflictos sociopoliticos, religiosos y militares. Es de agradecer que el punto de vista de Scott no se centre en exclusiva en los "cristianos" sino que distribuya con cierta equidad el tiempo en pantalla y le dedique a los musulmanes buena parte de la pelicula con un respeto que, con los tiempos que corren, es de agradecer, mostrando unos lideres pausados, inteligentes y respetuosos, frente a unos cristianos dividados y bastante fanatizados.

Esta innovacion en el punto de vista es quizas el punto mas novedoso de la pelicula, que por otro lado transcurre con ligereza (y algun que otro traspies) por el lenguaje de genero mas clasico. Historia de amor, lealtad familiar, buenos muy buenos y malos malisimos (y tontos, por supuesto) preciosos paisajes, batallas rodadas con precision y pulso, escaramuzas mas o menos gratuitas pero siempre entretenidas e intepretaciones de lujo en los papeles secuendarios (

Quizas la mayor pega que se le podria poner son ciertas arbitrariedades al inicio de la historia y algunos problemas graves al medir el paso del tiempo y el raccord, con campos que de pronto son yermos y de pronto son oasis de aguas y palmeras, y luego vuelven a ser yermos desiertos. Muchas veces es complicado saber si entre una secuencia y la siguiente pasan horas, dias, meses o incluso anos. Un problema comun en las peliculas del genero.

Los buos salen todos a la vez de la plaza de Cibeles (quizas para mi la imagen mas triste, significaba que se acaba el fin de semana, habia que volver a casa. significa que ella se iba siempre en direccion contraria, al noreste de Madrid, y no nos veriamos hasta el sabado siguiente, que iriamos al cine, otra vez)

La musica lo tine todo de algo mas especial que la simple tristeza, marca el tono de la pelicula y nos introduce en ella. Despues, un hombre recibe una llamada, estan rompiendo con el por telefono (esta tambien me suena :=/) Y entonces empieza la comedia, la sencillez, la magia. La alegria extrana. Una pelicula llena de gente que muere de manera periferica.

Iba a haber ido a verla el pasado viernes, pero me pudo el cansancio y me quede en casa. Mis companeros me mandaron un bonito mensaje que decia: "no es simplemente mala, no es simplemente aburrida, es un poco de cada cosa" (mas o menos) y yo pense "Damn. otra pelicula espanola que me apetece ver y que se queda en nada antes de empezar"... Pero hoy leo

se estreno en nuestro pais en 1990, ya habia sido un exito de taquilla en Estados Unidos (donde se estreno en el 89) y tambien lo fue en nuestro pais. Aparte de encumbrar a la en ese momento dulce y maravillosa

Cuando harry encontro a Sally es una actualizacion de las grandes comedias romanticas de Woody Allen, un Hannie Hall de finales de los ochenta, Harry, el personaje de Crystal, es un neurotico depresivo de la mejor calana. Sally no podemos decir que este mejor de la cabeza, toda la pelicula gravita en torno a la pregunta ¿pueden los hombres y las mujeres ser simplemente amigos?

Rob Reiner fotografia Nueva York llenandola de tonos ocres y verdosos, los constantes paseos de Harry y Sally, sus conversaciones sobres sexo, amistad, muerte, etc. Tenidas de momentos de ternura o de hilarantes secuencias: La famosa secuencia del orgasmo fingido por Ryan es un ejemplo del tipo de trabajo a traves del cual se construye un buen guion: Nora Eprhon cuenta que Reiner necesitaba una secuencia de puro humor para levantar un momento bajo de ritmo hacia la mitad de la pelicula, asi que empezo a hablar con Meg Ryan y Nora Eprhon sobre el tipo de cosas que hacian habitualmente las mujeres, hasya que llegaron a "finjen orgasmos", decidieron intrudocir una secuencia en la que Meg Ryan fingiera uno, esta sugirio que fuera en un lugar publico ( y asi fue, un restaurante) durante el propio rodaje Billy Cristal sugirio que una mujer comentara "quiero tomar lo mismo que ella" despues de ver la escena, que resulto ser el comico colofon de la secuencia. Para que luego hablen de propiedad intelectual.

La pelicula destila sencillez y elegancia sin resultar pretenciosa. Los dialogos son divertidos y fue la primera vez que las "metateorias sobre relaciones" (que hoy pueblan todo el cine Indy clonico) sonaron frescas.

venia incluida una version especial extendida redux la leche con sotana de Terminator 2, este fin de semana, aquejado de problemas estomacales de dimensiones considerables, he podido repasar esta pelicula que vi por primera vez a la tierna edad de 12 anitos (con el propio usagi, por cierto) Es imposible repetir el impacto de la primera vez, y es posible que para quienes disfrutaron de la primera parte de la pelicula en pantalla grande, alla por el 84, la sensacion sea incomparable. Lo que si puedo afirmar es que esta pelicula es una leccion de narrativa filmica, de construccion de guion, de estructura y de timing. Un punetero prodigio.

Vamos por partes. La historia, aunque compleja, esta presentada con sencillez y una rapidez asombrosa: Dos terminators (droides del futuro, asesinos ciberneticos) viajan al pasado con la mision de a)matar al hijo de Sarah Connor o b)defender al hijo de Sarah Connor, que en el futuro se convertira en lider de la resistencia y la guerra contra las maquinas. Chin-Pon. A partir de ahi la historia consiste en saber que maquina llegara primero y quien conseguira vencer.

Creo recordar que esto era un lema de una famosa marca de ¿zapatillas? quizas Nike, no importa, lo importante es el mensaje, Terminator 2 es un festival de destruccion gratuito y completamente liberador. anaquico y maravilloso. No hay absolutamente nada que se interponga entre las maquinas y su objetivo, no es solo el despliegue de efectos especiales sino el efecto catarquico y liberador (que comparte frontera con las peliculas de catastrofes) que coloca al espectador fuera de toda responsabilidad con respecto a mobiliario urbano, tiendas, coches, correteras, puentes, etc. Destruccion y tumulto sin consecuencias... ahora que alguien me diga que no siente un gustillo irrefrenable al ver saltar por los aires un camion, o la planta x del edificio de cyberdyne sistems.

Tercer hallazgo prodigioso, el T-1000. ¿como destruir a ese ser inquebrantable, capaz de todo, sin forma definida, que es capaz de adoptar cualquier forma? Una concepcion del mal terriblemente efectiva, un mal del que lo unico que puedes hacer es huir, correr y ganar unas horas de vida, unos minutos.

Para mucha gente este personaje no es mas que un hallazgo tecnologico, con su pan se lo coman. Hay que recordar que antes del ingenio tecnico esta la invencion del personaje en si, la imaginacion del guionista puesta al servicio de esa construccion narrativa.

La falta de forma, la idea del mal como algo liquido y fluido, movil, que puede ser cualquiera es, ademas de perversa, enormente efectiva, y si me apuras, mas inteligente que ese malvado primer terminator interpretado por un Arnol pre senador de California.

Merece la pena que cualquiera interesado en la construccion narrativa de historias de ficcion le heche un vistazo al guion de esta pelicula. Que atienda por ejemplo a las frases finales de las secuencias, a como engarzan a la perfeccion con la siguiente secuencia (especialmente al principio de la pelicula)

De igual manera la organizacion del tempo en base a localizaciones (el hospital mental, Cyberdyne Systems, la fundicion ) que marcan tambien una cualidad cromatica en la pelicula (blanco, azul y rojo respectivamente) consigue una progresion dramatica facilmente escalable.

Por ultimo el recorrido del heroe, de maquina sin sentimientos, a salvador que se sacrifica (muriendo crucificado previamente) con notables resonancias a la mitologia cristiana y a la construccion narrativa clasica convierten este "espectaculo de entretenimiento" en algo mucho mayor.

Las peliculas de James Cameron nacen en un mundo post- politica de bloques, sin un enemigo demasiado claro para una pelicula de accion (en Mentiras Arriesgadas encontraria al mundo arabe como nucleo de referencia del terror armado, aunque fuera de una manera tan simplista) Pero todas sus peliculas comparten un fatalismo optimista bastante reaccionario, pero sobre todo muy, muy simplista. La presencia de "la maquina" como enemigo descontrolado es un lugar comun en el cine de ficcion ¿cuando seran los humanos los malos? Merece la pena ver Animatrix para darle algunas vueltas a este genero de lo cyber. De cualquier manera, y fuera de connotaciones morales, una pelicula para ver una y mil veces... Que gusto.

Hace unos dias, usagi (que escribe por aqui de tanto en tanto) me paso en DVD la trilogia de Regreso Al Futuro y tuve tiempo de revisarla. Cuando eramos mas pequenos recuerdo que mis amigos y yo teniamos discusiones sobre cual era la mejor trilogia de todos los tiempos, nuestras candidatas siempre eran La Guerra de las galaxias, Indiana Jones y Regreso al futuro. Las tres trilogias era inapelables, no habia resquicio a la duda o la discusion, eran las mejores y PUNTO.

Con el tiempo uno matiza sus opiniones o al menos incluye El Padrino en las candidatas :=) Revisando las peliculas este fin de semana me he convencido de que Regreso al Futuro como trilogia no es demasiado interesante (la segunda es bastante malilla, aunque el final sea mitico, y la tercera es un calco poco afortunado de la primera) Pero eso si, la primera pelicula, la propiamente dicha "Regreso al Futuro" es un prodigio total, una maquina de relojeria perfecta, una maravilla de la estructura cinematografica. En estos dias de deconstruccion formal y otras "boutades", o de calco en las estructuras formales y manuales de guion a cual mas lerdo (con honrosas salvedades) es estimulante recuperar esa maravilla de guion.

Si amigos y amigas, el guion de Regreso al Futuro es impecable, podeis decir que los personajes son un tanto simplones, puede que si, pero coger un cronometro y un cuaderno y apuntar la progresion de la trama. Apuntar cuanto tardan en informarnos del nucleo de la trama, apuntar cuantos giros tiene la historia en sus ultimos quince minutos. ¿lo habeis hecho ya?

Pues ahora apuntar cuantos juegos formales se permiten en la primera hora, material de pura comedia basada en la repeticion de elementos: el alcalde negro, el director de colegio calvo, los monopatines, el reloj de la escuela, etc, etc.

Y luego disfruten de la sencillez de los dialogos y del humor naive, de la moralina superficial del arco dramatico de los personajes (que si, que son un poco tristones) Admirar como las cosas no se "explican" sino que "se ven" y por tanto "se comprenden".

dinamita sin piedad todos los puentes del conservadurismo y el idealismo politico (de izquierdas y de derechas) rematando de paso cualquier minima conexion con la extendida norma de lo "politicamente correcto", aunque quizas sus golpes mas profundos (y certeros) van contra el cine de accion y catastrofes de Hollywood. Viendo sus impecables secuencias de accion es imposible no pensar en titulos de la

La ironia es casi perfecta, el aparentemente "naive", arbitrario y "retro" uso de marionetas a la Thunderbird permite la distancia formal necesaria para enfrentarnos a la absurda coleccion de lugares comunes a la que el cine de accion nos tiene acostumbrados, los motivos por los que los protagonistas cambian de opinion son inexplicables, las implicaciones morales de sus acciones van de lo ridiculamente superficial a un dramatismo impostado aun mas comico.

era una sucesion de mala leche no demasiado bien hilada (aunque bastante divertida) aqui se convierte en un fino aparato de relojeria narrativa. Viendola es alucinante como hemos llegado a aceptar sin demasiados problemas toda una serie de lugares comunes totalmente aberrantes: Los terroristas de motivos incomprensibles, los turbantes, los decorados falsamente realistas, la musica "etnica" para ilustrar oriente proximo, etc, etc, etc.

Si la metafora de la policia mundial absolutamente incompetente, poblada por retrasados mentales "de las mejores universidades de los Estados Unidos" resulta cercana al universo "Bush Jr", los dardos que lanzan contra la supuesta progresia norteamericana y su idealismo ramplon, especialmente contra los actores y las actrices comprometidos de hollywood, es de una incomodidad que hace a uno preguntarse si no estara haciendo algo "mal" mientras se rie a carcajada limpia. La pelicula ataca sin piedad el imaginario de izquierdas de la mayor parte de occidente: la paz, el idealismo, las buenas intenciones, etc.

Estoy casi seguro de que muchos "progres" se sentiran incomodos viendo como se humilla de manera absolutamente salvaje a Sean Penn, George Clooney, Martin Shenn, Helen Hunt, Susan Sarandon, etc. Sin embargo es necesario mirar un poco mas lejos y reconocer en la apuesta de Stone y Parker no una simple "tabula rasa" contra todos (Bush y sus detractores) para que la pelicula sea del acomodo de cualquiera sino mas bien al contrario, un disparo certero contra las arbitrariedades que pueblan ambos discursos. En la pelicula se reconoce la etica de los actores y actrices contra la guerra, pero se duda de su capacidad para comprender la complejidad del mundo dividido entre "El Gobierno malo de EEUU y el resto del mundo bueno y esencialmente pacifico" y se duda de su legitimidad como "lideres politicos", lo cual no deja de ser un ataque bastante salvaje a su propio sistema politico, no hay rastro de la clase politica norteamericana en toda la pelicula, es un pais controlado por agencias de seguridad y actores y actrices que se reunen como en la ONU (que, por cierto, tampoco sale muy bien parada)

Por ultimo, en el apartado del mal destaca xxxxx (no rebelare el nombre del malvado terrorista) que, como ya hicieron con Sadam Hussein en South Park representa a un malvado casi mas humano (con sentimientos y problemas reales) que los buenos. Realmente simpatico.

. La pelicula consigue alejarse del modelo de hemoglobina y testosterona con la que hoillywood nos ha ido deleitando en los ultimos meses (La Liga de los Hombres Extraordinarios seria un gran ejemplo y Van Helsing, probablemente la pelicula mas tonta de 2005, otro aun mejor)

Resulta especialmente agradable el uso de la magia tradicional (juegos con espejos, complejos rituales, pactos irrompibles, etc.) Antes que los mamporros (tan solo una secuencia) y Keanu Reeves es aceptablemente creible en el papel de Constantine, cuyo modelo original (rubio) fue el

El personaje pierde algo de la oscuridad de los tebeos y se convierte mas bien en un simpatico cinico que en el tipo oscuro que de tanto en tanto traiciona a sus amigos. para los mas fieles comentar que han cambiado por completo el personaje de Charles (ese taxista aguerrido que lleva a Constantine de un sitio a otro) por una especie de Pedrin o Robin descafeinado sin demasiado interes. Hay otros cambios menores (Papa medianoche y demas) pero no cambian- en mi opinion- la esencia del tebeo (aunque supongo que depende del grado de purismo con el que lo viva cada cual)

En general la pelicula es muy entretenida, se deja ver, y no recurre a infantiladas. Para olvidar el personaje de Satan (¿habra alguna vez un malo que no sea histronico? ¿No es Satanas un cabron con rebabas? ¿Por que en todas las peliculas se convierte en una especie de drag-queen en pleno subidon de anfetaminas?¿Ya nadie se acuerda del Corazon del Angel? )





 

 

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